Amy Winehouse - La voz que calló hace una década

Amy Winehouse

La voz que calló hace una década

Por Benjamin Salcedo

Sin lugar a dudas Amy Winehouse es la mejor voz blanca que nuestra generación ha conocido.

Ya son 10 años desde que la noticia de la muerte inminente de la cantante británica se dio a conocer, digo inminente porque fuimos testigos de su paulatino deterioro hasta llegar al triste desenlace. Ese 23 de julio de 2011 la voz más potente, distintiva y espectacular que habíamos escuchado en una mujer sin melanina corriéndole por las venas, había callado definitivamente. 

Lamentablemente su carrera fue muy corta, en vida solo dio a conocer un par de discos, sin embargo, quienes la escuchamos desde el primero de nombre Frank, sabíamos que estábamos ante algo histórico, esa voz que salía de nuestras bocinas o audífonos parecía que había viajado en el tiempo desde la década de los años 60s y que había cambiado de cuerpo de una robusta afroamericana en una delgada y en ese momento atractiva chica blanca de oscuro cabello y enormes ojos. 

Con una guitarra y su poderosa voz se abrió paso desde niña llegando a ser vocalista de la Orquesta Juvenil Nacional de Jazz a sus escasos 16 años y sus 20 estaba dando a conocer su primer álbum. En 2003 ese disco debut de inmediato taladra tu sentido auditivo y surge de inmediato el cuestionamiento ¿quién canta? 

Una naturalidad que erizaba la piel, sin mayor esfuerzo transitaba por la canción pintando un colorido y original lienzo sonoro. Esa Amy mostraba que estaba lista para romper el negocio musical como la nueva gran estrella que todo el mundo estaba esperando, aunque no lo supieran. 

Parecido a una noche en un oscuro bar, el primer álbum pasa de principio a fin dejando una sensación de nostalgia, pero a la vez de intriga. ¿De dónde salió esta mujer? Uno escucha “You Send Me Flying/Cherry”, “Stronger Than Me” o “Fuck Me Pumps” y no hay duda de que esas terapias que el padre le dio de Frank Sinatra -a quién hace alusión el título- habían funcionado a la perfección. Nominaciones a los Brit Awards y al Mercury Prize fueron inevitables. 

Pero llegaría la alineación de estrellas en el firmamento y para su segundo disco Back To Black con mejores canciones, hablando de experiencias amorosas, que en esos días vivía con su pareja Blake Fielder -a quien se le atribuye haberla inducido a las drogas- pero que logra canalizar en temas estupendos, plagados de sentimiento y en donde su voz florece hasta dimensiones inimaginables. 

Aparece la figura de un joven y extremadamente talentoso productor, Mark Ronson quien es en gran medida responsable del tremendo suceso que se deriva de esta soberbia producción. Un trabajo impecable y los éxitos empiezan a sucederse uno tras otro, así como la conquista del mundo entero que ya conoció a la Amy que todos recordaremos para siempre. Los premios y reconocimientos se vinieron en cascada, temas como “Rehab”, “Tears Dry On Their Own”, “Back to Black” se volvieron eternas y conforme su éxito y popularidad crecían, también su cuerpo se transformaba, perdiendo sus curvas hasta llevarla a una delgadez bulímica enfermiza, su cuerpo se comenzó a llenar de tatuajes y su cabello en algo que se volvería famoso por su volumen y longitud. 

Se convirtió tristemente en otro miembro del fatídico grupo del “Club de los 27” (Morrison, Hendrix, Janis, Kurt Cobain, etc…) en gran medida por la nefasta influencia de su marido Blake quien la llevó a un mundo oscuro de drogas y alcohol del cual ya no pudo regresar.

De esa manera una mañana, el barrio de Camden en Londres Inglaterra, se nubló –aún más- con la noticia de que la gran estrella había dejado este plano terrenal. 

Se lanzó un disco póstumo con material que había dejado grabado y que todos habíamos estado esperando bajo el nombre de Lioness: Hidden Treasures con temas brillantes que ya nunca escucharemos en su interpretación.

Hace unos días tuve la oportunidad de platicar con Mark Ronson, una de las personas más cercanas en carrera y vida personal y le pregunté si había escuchado en estos 10 años a alguna artista que tuviera el potencial de Amy, me respondió inmediatamente. “No, llevo diez años buscando a esa artista para poder darla a conocer, pero no la he encontrado”.

Y seguramente pasen otros más para que aparezca, esperamos llegar a escuchar y conocerla.

Amyy Winehouse 

Stonger Than Me (Live) 2003

Duran Duran - 40 años de romper esquemas y renovar expectativas

 

Duran Duran

40 años de romper esquemas y renovar expectativas 

por Benjamin Salcedo

Están por lanzar su nuevo trabajo, con renombrados productores y colaboradores, nadie imaginaría hace 4 décadas que esta banda británica llegaría para quedarse y sobreviviría lo que ninguna otra de su época.

Desde el comienzo fue una banda pionera, encabezaron el movimiento New Romantic con una música diferente, influenciada tanto por Bowie como por Roxy Music, fina y elegante, lo suficientemente moderna como para tener una base de sonidos electrónicos y sintetizadores como poderosa con una guitarra que sobresalía en cada melodía. Su ropa en ese momento fue única, siempre lo fue, han marcado moda toda su carrera, y musicalmente han sido la agrupación pop más dominante de las últimas 4 décadas. 

Pero esos cinco chicos de la industrial ciudad de Birmingham no se quedarían esperando el éxito, si es su debut de hace 40 años aparecieron canciones fundamentales como “Girls On Film” y “Planet Earth”, tenían preparada una sorpresa mayúscula con la elaboración de los videos más atractivos en su momento, justo en la irrupción del videoclip y MTV. Llegaron en el momento adecuado al lugar ideal. 

Siguieron discos inolvidables como Rio (1982) el que los hizo mundialmente famosos, Seven and the Ragged Tiger (1983) y luego una extraña, productiva y breve separación y su posterior reencuentro, además de un tema de James Bond y su participación en Live Aid. 

Otros discos con éxito moderado pero no por ello menos significativo como Notorious (1986), Big Thing (1988) y Liberty (1990) y cuando se pensó que habían pasado de moda, resurgieron y el mismo título del disco así lo sugería, llamado simplemente Duran Duran (1993 ) y conocido mundialmente como el “Wedding Album” por tener en su portada fotos de las bodas de sus padres. 

Ese disco los volvió a posicionar como una de las bandas más populares del planeta, aunque ahora para una nueva generación, “Ordinary World”, “Too Much Information” y la exquisitez de “Come Undone” el éxito había vuelto y con ello el legado continuaba hasta finales del siglo XX, aunque más discretamente con un disco de covers. En él hacen un recorrido por todas esas bandas que les influenciaron y llenaron sus oídos para convertirse en lo que fueron: Lou Reed, Iggy Pop, Led Zeppelin, The Doors, hasta pioneros del rap como Grandmaster Flash y Public Enemy, clásicos del soul como The Temptations, cuando uno ve esta lista es fácil entender por qué suenan así. 

Tiempo atrás se habían dado cambios de integrantes, manteniéndose básicamente el cantante Simon LeBon, el tecladista Nick Rhodes y el bajo de John Taylor, mientras que el baterista Roger Taylor salió un rato y regresó para quedarse definitivamente, el puesto más inestable ha sido siempre la guitarra, donde Andy Taylor creó una marca distintiva pero ha entrado y salido del grupo en varias ocasiones, hasta que sale definitivamente en 2007.

El nuevo siglo comenzó con una reunión de todos los integrantes originales y el excelso disco Astronaut de 2004, con grandes temas y nuevamente la proliferación de éxitos radiofónicos, el grupo lo había hecho de nuevo, para otra nueva generación. 

Han sacado otros 3 discos en este lapso con moderada repercusión, pero con mayor reconocimiento por parte de las nuevas bandas quienes los citan como influencias en muchos casos como: Beck, Garbage, No Doubt, Britney Spears, Justin Timberlake y Lady Gaga, por mencionar algunos, han elogiado a la banda. 

En este 2021 tienen listo un nuevo álbum que llevará el nombre de Future Past y lo que más sorprende no es su existencia, sino su inquietud. En la búsqueda de un sonido actual sin perder la esencia buscan la colaboración de uno de los productores más sólidos del momento Mark Ronson (Amy Winehouse, Bruno Mars, Robbie Williams, Lady Gaga, etc ) y para no perder el estilo de siempre logran al fin contar con el “expertise” del genial Giorgio Moroder (Donna Summer, David Bowie, Blondie, Daft Punk, etc) una leyenda de la música disco y electrónica. Emocionados por lo que les depara el futuro pero con una sólida base en el pasado y su inconfundible estilo musical. Puedes escuchar cualquiera de sus obras, de las 4 décadas y siempre el sonido te llevará a reconocerlos, es una marca registrada sin dejar de innovar y buscar nuevos caminos. 

Invitaron a Graham Coxon, guitarrista de Blur para el primer sencillo “Invisible” y esperamos muchas otras sorpresas cuando el álbum sea editado el 22 de Octubre próximo.

Todo esto para decirles que hace 40 años descubrí a un grupo excepcional, del cual he sido fanático intenso y disfrutado todos y cada uno de sus discos, sin excepción, hasta los que dicen que son malos. Con ellos vi los mejores videos en los 80 y he crecido apreciando su trabajo y talento, la forma en que se van adecuando a los tiempos y como disfrutan lo que hacen o al menos eso comunican con su música. Un romance auditivo y parte fundamental del soundtrack de mi vida.  

Girl Panic!  Duran Duran 

2011

Greta Van Fleet - The Battle at Garden’s Gate

Greta Van Fleet

The Battle at Garden’s Gate

por Benjamin Salcedo

Después de una espera considerable llega el segundo disco de la banda de Michigan, con muchas sorpresas intentando dejar atrás las comparaciones de su debut. Hay madurez a pesar de la juventud, evolución.  

Con su debut Anthem Of The Peaceful Army fueron comparados inevitablemente con Led Zeppelin, el timbre vocal de John Kiszka nos refiere a los mejores momentos del falsete de Robert Plant, asimismo la pirotecnia y habilidad en la guitarra de su hermano gemelo Jake nos recordaba esos momentos gloriosos de Jimmy Page, pero es muy sencillo señalar las similitudes en la música con esos monstruos, pero hacer un disco casi medio siglo después con las misma virtudes no es algo que cualquier banda pueda emular fácilmente. Lo que hicieron estos jóvenes en su debut y dos EPs que fueron publicados como un disco (From The Fire 2017) es difícil de lograr y más aún de ignorar, incluso grupos con mayor experiencia no lo lograrían. 

Después de un receso de casi 3 años en los que se dedicaron a viajar tocando por todo el mundo y ganando premios, nos entregan un nuevo trabajo y de inmediato lo primero que salta al oído es un cambio relativo en su sonido, tal vez motivado por las molestas descalificaciones previamente descritas intentan alejarse del sonido “zeppelinesco” y con el apoyo de Greg Kurstin, productor de Foo Fighter y McCartney inician una extravagante nueva odisea. 

El disco abre con “Heat Above” y un sonido de órgano que de pronto se transforma en un melódico rock, en esta ocasión se siente una mayor influencia de Rush y hasta la voz nos recuerda a Geddy Lee. Inmediatamente después irrumpe un poderoso rock en “My Way, Soon” con toda la fuerza de ser el mejor tema del disco. 

Cabe destacar el trabajo en la guitarra de Jake Kirszka, un joven de escasos 25 años que toca como todo un veterano, emulando sonidos y creando nuevos, sin duda un talento a seguir, sus arpegios y punteos de guitarra acústica son muy interesantes así como el uso de sus pedales. La madurez la podemos notar en “Build By Nations” donde los tiempos que la batería y Sam -el otro hermano- realiza con su bajo van enmarcando la florituras que Jake hace con sus seis cuerdas, una brillante ejecución.  

La temática de las canciones está más orientada a lo que hicieran grupos progresivos como Yes o Rush, hablan de guerra (The Barbarians), pobreza, espiritualidad y apocalipsis climático (Age of Machine) temas actuales con un toque nostálgico.

En “Tears of Rain” hace su aparición el piano y acompaña a la voz de John en una power balad grandiosa, mientras que “Stardust Chords” hace honor a su nombre y nos lleva a un viaje estelar, con brillantes vocales, coros y arreglos de cuerdas dando como resultado una melodía envolvente y misteriosa.

La acrobacia vocal nuevamente juguetea con las habilidades de un hermano en la guitarra y el otro en esta ocasión en los teclados y realizan “Trip The Light Fantastic” que después de “Caravel” y “Light My Love” puede llegar a sonar repetitiva. 

El final del disco sufre de eso, los temas llegan a ser muy similares, no hay demasiada experimentación como pudiera esperarse y es cuando más pudieran parecerse nuevamente al sonido del disco anterior. 

El cierre es técnicamente interesante, con una larga melodía “The Weight of Dreams” que inicia acústica y va tomando fuerza hasta que la guitarra rompe por completo convirtiéndose en el centro de atracción. Si lo vemos desde otro punto de vista, para todos los que critican al grupo por su gran parecido, Led Zeppelin hace 40 años que no hace un disco, mientras que estos chicos en los últimos 5 años han logrado grandes temas y un par de buenos discos para un nuevo público, 200 millones de streams de sus canciones no son cualquier cosa.

Un paso adelante definitivamente, el grupo se va haciendo de un estilo propio, de una reputación y que sobre todo tiene todo el futuro por delante.

Definitivamente están escribiendo un nuevo capítulo dentro del rock, influenciado por los grandes ejemplos que nos han dejado los que han fundado y construido su historia pero creando un sonido enteramente nuevo, para las nuevas generaciones. 

Temas destacados:

“My Way, Soon”, “Heat Above”, “Stardust Chords” y “Built by Nations”

Iron Maiden - Una banda histórica que no necesita reconocimientos

 

Iron Maiden

Una banda histórica que no necesita reconocimientos 

Por Benjamin Salcedo

Cuando has sido una de las influencias más grandes de los últimos 40 años en la música de rock, has hecho las giras más espectaculares y vendido todos los discos que has querido, estar en el Salón de la fama no es algo primordial. 

En los albores de los años 80 se gestó el New Wave of Heavy Metal un movimiento importante en el rock pesado de la Gran Bretaña donde aparecen junto con otros grupos y nombres que con el tiempo se han desvanecido de la memoria y que solamente perduran en el inconsciente de los más fanáticos del género, el entonces llamado.

Un quinteto poderoso originario de Londres irrumpiría en la escena musical para cambiarla por completo. 

Pocas bandas sobreviven a la salida de su vocalista, más aún cuando sus dos primeros discos habían sido motivo de elogios por la crítica y los fanáticos, pero Maiden no es como los demás, entró una figura que se volvería icónica de la banda Bruce Dickinson y con el éxito a nivel mundial con una de sus obras más reconocidas The Number of the Beast. 

Aunque han tenido cambios en su alineación, siempre ha permanecido el líder Steve Harris, bajista y compositor además de fundador junto con el guitarrista Dave Murray. Los demás salieron y regresaron, pero básicamente se mantiene unido un núcleo que se entiende de maravilla y que ha logrado vender más de 100 millones de discos a nivel mundial, algo así como si cada mexicano tuviera un disco de ellos. 

La primera vez que vinieron a México por ahí de 1983, mucho tiempo antes de que se hicieran conciertos y los pudiéramos ver tocando, hicieron una visita promocional con su 4º álbum Piece of Mind y anunciaron que estarían firmando autógrafos en Aurrera Universidad y Satélite. Como buen adolescente junto con otro amigo fuimos a verlos y éramos tantos que el enorme auto negro en el que llegaron se “asustó” de la horda de maniacos que se aventaron sobre el vehículo como si fuera la última balsa del Titanic, dieron vuelta esquivando cuerpos y huyeron rumbo al estado de México, donde también fueron seguidos por todos los que estábamos la sede anterior. 

Finalmente, en 1992 vienen por primera vez a presentarse al Palacio de los Deportes con la gira de Fear of the Dark, en esa ocasión tuve la oportunidad de conocerlos de cerca, ya que era el manager de Branda, el grupo abridor del concierto y tuve acceso a camerinos y backstage, un sueño hecho realidad. 

De ahí en adelante nos han visitado al menos en otras 7 ocasiones. La última de ellas fue motivo de la grabación de un disco triple en vivo llamado Night of the Dead, Legacy of the Beast Live in Mexico City.

Algo importante es que a Iron Maiden no le ha hecho falta el apoyo de la radio, nunca han buscado el éxito ni los hits comerciales, a pesar de eso logran vender con cada álbum como si fueran programados con frecuencia. Su música se ha convertido en un culto con millones de feligreses, ávidos de nuevas creaciones y feroz devorador de cada disco y canción que se les ofrece. 

Sus conciertos son giras de estadios, majestuosas y espectaculares, temáticas y originales, sin escatimar en gastos para hacer de cada una de ellas algo memorable.   

Cabe destacar la presencia de un personaje llamado Eddie, ese monstruo-momia-espectro que ha sido portada de todos sus discos y que ha cambiado con el tiempo y el concepto, pero nunca se ha separado de ellos de la mano de Dereck Riggs, ilustrador de la mayoría de sus portadas. Así como su nombre y logotipo, es una marca registrada y mundialmente identificable de Iron Maiden. 

Iron Maiden tiene su propio avión, el cual con frecuencia es piloteado por su cantante Bruce Dickinson quien además de eso escribe novelas "The Adventures of Lord Iffy Boatrace", escribió el guión de la película Chemical Wedding junto a Julian Doyle basada en la vida y obra del mago ocultista Aleister Crowley, tuvo un programa de radio Bruce Dickinson Friday Rock Show; presentó un documental para Discovery Channel sobre aviones y música Flying Heavy Metal, colaboró con una compañía cervecera para lanzar Trooper (nombre de una canción de Maiden) y se han vendido más de 2 millones de botellas; recibió un doctorado honoris causa en música por la Universidad Queen Mary de Londres y además sobrevivió a quimioterapia y radiaciones para eliminar un tumor canceroso en la lengua.

Han ganado infinidad de reconocimientos, nombrados siempre entre las mejores bandas de rock y metal de toda la historia, considerado como la 3ª banda de metal más importante de la historia según MTV y VH1, estrella en el paseo de la fama de Hollywood, sus canciones han sido utilizadas en diversos videojuegos, también fueron parte de Guitar Hero y Rock Band, han musicalizado películas (varias de ellas de terror) y hasta en caricaturas como Beavis & Butthead.

Su música ha influenciado a generaciones de grupos de metal desde Metallica, Megadeth, Slipknot, Avenged Sevenfold, Opeth y Dream Theater por mencionar algunos. 

Así que no haber sido incluidos aún en el salón americano de la fama del Rock & Roll no es algo que en realidad les quite el sueño. 

Rolling Stones - La transgresión de la libertad creativa

 Rolling Stones - La transgresión de la libertad creativa

Por Benjamin Salcedo

En 1971, hace 50 años se hicieron finalmente dueños de su trabajo, abrieron su propia disquera, tomaron el control creativo de sus obras y comenzó una larga carrera hacia la fama, el éxito y la eternidad.

Pocas portadas tan icónicas y sublimes como la de Sticky Fingers de los Rolling Stones, creada por el genio pop Andy Warhol, estaba en el momento y lugar preciso para poner a temblar a las conciencias más conservadoras de los albores de la década de los años 70s. Los Beatles se habían separado y cada quién comenzaba una carrera en solitario, por el contrario, los Stones se hacían cada vez más fuertes. 

Durante los siete años previos habían sido abusados por las compañías discográficas como casi todos los grupos en un inicio, sus primeros álbumes al igual que los Beatles eran sacados de forma indiscriminada en uno y otro lado del Atlántico con cambios de canciones, diferentes portadas, artes censurados, etcétera. Y no hablemos de los pagos, las regalías y el fruto de su obra nunca fue remunerado como debería. Su contrato con Decca había llegado a su fin y pretendían dejar a su manager Allen Klein, para lo cual comienzan la constitución legal de Rolling Stones Records. Decca seguiría sacando discos, recopilaciones y conciertos en vivo para seguir exprimiendo el catálogo que les pertenecía hasta el cansancio. 

Pero la nueva década les tenía preparadas varias gratas sorpresas.

Existe un concepto de marketing totalmente estructurado como nunca antes, desde la transgresora portada obra de Warhol presentaba unos jeans que al frente mostraban una ajustada y sugerente entrepierna, el disco original tenía un zipper que subía y bajaba al gusto (por cierto, solía lastimar al disco que pusieras junto en tu fonoteca) en el interior de la funda del disco podías apreciar los calzoncillos del sujeto y la firma del autor, información importante pero todo esto pasaba a un segundo plano cuando comenzaba a dar vueltas el vinilo y se escuchaba la primera canción, el primer sencillo que se dio a conocer del disco, la genial “Brown Sugar”. 

El disco incluye diez canciones que seguirían tocando el resto de su vida, inspirados por la muerte de su ex compañero Brian Jones, la reivindicación y superación musical de la banda fue notable a poco más de año y medio de la tragedia, el grupo hacía el primero de una serie de discos que figuran entre los mejor de su trayectoria musical. Se unió al grupo Mick Taylor, un capacitado guitarrista que inmediatamente haría mancuerna con Keith quien lo elogia y le otorga gran parte del crédito de la valía de esta obra. 

Foto de Peter Webb de la sesión fotográfica del álbum

El rock que convirtieron en marca registrada y que los ha acompañado durante toda su carrera mezclado con el R&B, pero aquí encontró un nuevo gran aliado en el country rock, tal vez desde el álbum anterior Let It Bleed había iniciado el coqueteo, pero aquí la relación se consolida y florece. Hay temas majestuosos como “Bitch” y sus metales, el sarcástico mensaje de Dead Flowers envuelto en un sonido folk americano, o la dulce balada “Wild Horses”. “Sister Morphine” en la que participó su entonces pareja Marianne Faithfull y aclara que lejos de la idea general de una oda a la droga es la visión de un hombre después de un accidente y la consecuente adicción al medicamento o bien la contagiosa cadencia de "Can't You Hear Me Knocking" y su solo de sax e inconfundible riff. 

Con motivo del 50 aniversario también se lanzó una colección de ropa y accesorios que incluye seis diferentes diseños de playeras, chamarras, gorras, tazas y otros objetos de colección. Todo ello a través de su tienda oficial. Para los fans, hace 5 años con motivo de los 45 del disco se lanzó una edición especial que incluye versiones alternas y temas en concierto, la edición de lujo del álbum aún está disponible en muchos lugares. 

Con este disco, aparte de todo lo mencionado anteriormente, también hace su aparición la famosa lengua, la boca más famosa del mundo (que alguno atribuyen a Jagger aunque el autor dice que se inspiró en una diosa hindú) se convirtió en un ícono inconfundible, una de las marcas innominativas más famosas del planeta. El disco llegó al número 1 tanto en Europa como en los Estados Unidos gracias a que todo en él estaba perfectamente realizado. 

La calidad, el talento y el marketing pueden lograr cosas maravillosas.

McCartney III Imagined - La perfecta definición de una curaduría personalizada

Paul McCartney

McCartney III Imagined

La perfecta definición de una curaduría personalizada

El más reciente trabajo del Beatle es masticado, deglutido y digerido por diversos artistas y logran hacer mezclas alucinantes con sus canciones. Un auténtico caleidoscopio de sonidos futuristas con tintes clásicos y la recobrada presencia de Sir Paul. 

La selección de invitados merece elogios, una pléyade de rutilantes y eclécticas figuras de la música contemporánea. Que incluye a Beck, Josh Homme (Queens of the Stone Age), Ed O’Brien (guitarra de Radiohead), la enigmática y sensual St. Vincent, el líder de Blur y Gorillaz Damon Albarn, Phoebe Bridgers, Blood Orange, 3D de Massive Attack y otros más.

Por ejemplo “Pretty Boys” en la versión de la banda psicodélica funk Kruangbin, tiene una atmósfera fascinante, una cadencia que va y vuelve, mientras “Find My Way” con la intervención de Beck, se vuelve un producto diferente, mejorado y diversificado. 

También “Kiss of Venus” es otra completamente distinta en las manos de Dominic Fike, con tintes de R&B que inserta su discurso moderno en una pieza otoñal.

Los artistas clásicos han intentado en innumerables ocasiones entrar en el gusto de las nuevas generaciones por medio de participaciones y colaboraciones que ya rayan en lo absurdo, repetitivo y muchas veces inclusive innecesario.

Esta forma elegida en esta ocasión por McCartney – o su equipo de management-- es espectacular, no puede ser mejor, darle el material creado por la inspiración de un genio para que otros talentos hagan con ello lo que quieran, el resultado es sorprendente. 

Rejuvenecen su sonido y exploran nuevos territorios a los que tal vez nunca hubiera llegado por sí mismo. 

No podemos decir que Paul fuera ajeno a la experimentación, sin embargo, en esta ocasión el disco de 2020 era el producto ideal para realizar esta aventura. 

Habiendo grabado y tocado él mismo todos los instrumentos del disco, cualquier modificación que se hiciera a su trabajo sería natural y no se perderían elementos que en otros casos pudieran extrañarse. 

Escuchen como Blood Orange hace la mezcla de “Deep Down” y utiliza los coros de Paul mientras la melodía envuelve al escucha. Al igual que Anderson Paak convierte “When Winter Comes” en un soul lo-fi encantador.  

Portada de una edición limitada de 2 viniles de colores

Mientras algunos le dan su toque personal a la composición otros simplemente juguetean dándole matices sutiles a la versión original, pero con su sello. 

Los dos enfoques son dignos de atención y disfrute. Por supuesto que es un paso cuántico para el venerable Paul, tomó el riesgo de que desmembraran su obra y la armaran con absoluta libertad, y el resultado es extraordinario, diferente y asombroso.

Larga vida al gran Paul, quien a través de estos maravillosos artistas renace, resurge y perdura para las nuevas generaciones. 

 

Ozzy Osbourne – El milagroso sobreviviente

 

Ozzy Osbourne – El milagroso sobreviviente 

Por Benjamin Salcedo 

Ozzy el príncipe de las tinieblas, aquel que atravesó las peores etapas de su vida disoluta y acelerada, de grandes escándalos que a pesar de todo sobresalió y ha sido muy exitoso, se enfrenta a un nuevo enemigo letal, la edad.

 

Y no es porque John Michael Osbourne sea muy grande ya que tiene 72 años de edad, aunque parece de 92, consecuencia de una vida que dista mucho de haber sido apacible, desde sus inicios en condiciones sumamente precarias y poco después como el legendario vocalista de Black Sabbath en los ya lejanos años 70, forzó la máquina –que a sus veintes pareciera inmune-- con una vasta colección de adicciones y excesos, los daños quedaron y es ahora que se manifiestan lamentablemente. 

Su carrera ha sido brillante, no solo fue parte del grupo más importante de heavy metal de la historia, haciendo 8 discos de estudio y heredado al mundo uno de los géneros más gustados y seguidos que se tenga memoria. Cuando decidió que era el momento de hacer las cosas en solitario, logró convertirse en un fenómeno por momentos tan grande o aún mayor que el grupo que había dejado. Sus primeros discos solista son también fundamentales para el género y fue un semillero de talentos con guitarristas brillantes y todo tipo de ejecutantes de bajo, batería y teclados que han sido parte de la elite del rock durante casi cuatro décadas. 

Los escándalos en su vida son muy conocidos, desde aquella vez cuando mordió a una paloma en un acto público, hasta la anécdota del murciélago que le mordió la cara cuando intentaba hacerle lo mismo que a la paloma, o cuando fue arrestado por actos indecentes en un monumento histórico, también en una ocasión intentó ahorcar a su esposa y casi se divorcia por segunda ocasión, ha sido acusado de satánico y de que sus canciones incitaron al suicidio y muchos otros momentos oscuros en su recorrido, afortunadamente para él no empañaron su trabajo y herencia musical.

Con el nuevo siglo, lo vimos como parte de un reality show The Osbournes y muchos se decepcionaron al ver a su ídolo como cualquier ser terrenal, haciendo cosas que pensamos que un hombre con una fortuna de más de 200 millones de dólares no tendría que hacer. También conocimos a su familia; Sharon su segunda esposa y pieza fundamental para que Ozzy haya llegado tan alto, sin duda ella logró aterrizarlo y ejerciendo un matriarcado que dominaba casa y trabajo también fue la manager durante gran parte de su carrera. 

También conocimos a sus hijos con Sharon: Aimee, Kelly -quien por un tiempo quiso ser la Miley Cirus del rock - y Jack, así como una colección de perros y otras banalidades. 

Black Sabbath - Foro Sol  CDMX  2013

La visión de Sharon y su hijo Jack los llevó a crear su propio festival siendo pioneros en el rubro, el Ozzfest se volvió un importante festival itinerante que dio espacios a muchos grupos del rock durante casi 20 años, cerca de 5 millones de personas asistieron y generó grandes ganancias además de tener como cabeza de cartel al propio Ozzy Osbourne y su banda. 

Ozzy ha vendido más de 100 millones de discos a lo largo de su carrera, tanto con Black Sabbath como en solitario, con Sabbath tuvo un destacado regreso en 2012 grabaron nuevo material y realizaron una gira mundial de despedida muy celebrada por sus seguidores la cual también quedó registrada para la posteridad en álbumes y videos como Live… Gathered in Their Masses y The End.   

Su salud ha sido un problema desde hace tiempo, experimentó temblores que él adjudicaba a su abuso de drogas durante muchos años, esto se recrudeció en 2005 y a principios del año pasado fue diagnosticado con el mal de Parkinson. Ozzy dice que se debió a una cirugía a la que fue sometido por una caída que le lesionó gravemente el cuello y eso también le provoca problemas en sus extremidades. Sin embargo, el Parkinson, una enfermedad neurodegenerativa que afecta su sistema nervioso y le causa trastornos móviles es lo que más preocupa para alguien acostumbrados a las giras, los escenarios y moverse al ritmo de la música toda su vida. 

Hace unas semanas se estrenó el documental Las 9 vidas de Ozzy Osbourne, por A&E en el cual hace un retrato de la vida de la estrella, bajo la producción de su propio hijo Jack. Recorre nueve etapas de su vida divididas así: Pobreza y prisión; El nacimiento del Heavy Metal; Drogas, muerte y divorcio; Diario de un loco; Matrimonio y caos; El pecado definitivo; No más giras; Papa sabe todo y Retiro.

Solo los gatos tienen 9 vidas según la leyenda, Ozzy ya las vivió. Su canción "Ordinary Man" de su último disco homónimo pareciera una especie de epitafio, de despedida, aunque él insista en lo contrario. Esperamos tenerlo mucho tiempo más entre nosotros, aunque haya vivido una vida vertiginosa, como la velocidad de la mayoría de sus canciones. 

David Gilmour - El corazón de Pink Floyd

 

David Gilmour, el corazón de Pink Floyd 

Por Benjamin Salcedo 

Si bien a Roger Waters se le acredita la autoría de las obras más conocidas de Pink Floyd, es en su guitarrista David Gilmour, donde radica el motor que dio vida a tantas maravillas durante muchos años. 

Remontémonos a Londres a finales de los años 60s, la efervescencia de la música pop y la psicodélia había inundado la ciudad, reunidos alrededor de Syd Barrett, líder original del grupo, el exceso de LSD y una débil condición mental terminaron por desestabilizarlo y tuvieron que llamar a su amigo David Gilmour para que lo ayudara en conciertos con guitarra y voces por no ser capaz de ejecutarlos por sí mismo. Esto agravó y Waters decidió con el resto de la banda echarlo del grupo, tomando las riendas de la agrupación. 

En Ummagumma dieron rienda suelta a su imaginación con una canción de cada uno en estudio, lo más rescatable es la 3ª parte de “The Narrow Way” de David en donde el multinstrumentalista demuestra que toca bajo, teclados, batería, armónica y saxofón. El cambio radical del grupo sucedió en Meddle del 71, Gilmour se involucró más en el entramado y creación de las obras, principalmente en los temas “One of These Days” y “Echoes”, esta última una de las mejores canciones de toda su discografía.

Llegaron las obras cumbre, primero Dark Side of the Moon donde las canciones son firmadas por todos al igual que sucedió después en Wish You Were Here con la canción clave, la oda a Syd, su amigo caído en desgracia con la canción “Shine On You Crazy Diamond. La música de Pink Floyd es tan compleja y elaborada que es imposible que alguien llegue con la idea total de cada obra, alguien tiene la inspiración primaria y la evolución del tema es un trabajo conjunto, se estructura hasta lograr las obras maestras que conocemos. Cuando se menciona que la obra es de Waters, por ser su idea, es imposible imaginarla como la conocemos sin los elementos creados por el resto de la banda, en especial por Gilmour. 

Después el disco Animals con el dominio lírico de Waters sembró las semillas para la ruptura que eventualmente se produciría, aunque en aquella época su liderazgo fue bien recibido, como admitió Gilmour a Rolling Stone en 2011. “Creo que fue una sensación de alivio que él tuviera esa disposición. Aunque Waters era el letrista, no significaba que estaba a cargo de toda la dirección musical. Siempre hubo un poco de tensión por ese aspecto”.

Mientras David se convertía en el vocalista principal y creaba maravillas con sus cuerdas ya pensaba en opciones y graba su primer disco homónimo, su inconfundible sonido, lo puedes escuchar en cualquier otro lugar e identificarlo plenamente. Waters evolucionaba, fusionaba ritmos y narraba historias personales, espectaculares, hizo una obra conceptual, su obra cumbre The Wall inspirada en su infancia y las pérdidas de la post guerra. Aunque la esencia musical de Gilmour seguía presente con sus melodías fascinantes, Roger pretendió apoderarse por completo del grupo, nuevamente sus ideas de la guerra, con un disco monótono y repetitivo The Final Cut, decide correr a Rick Wright del grupo contra la voluntad de los demás, eso desencadenó en fricciones y a la postre, su eventual salida para seguir una carrera solista. 

En ese lapso grabó su segundo trabajo en solitario About a Face, mientras se especulaba que 1985 era el fin del grupo, Gilmour tomó el liderazgo, se volvió la voz y siguieron adelante con obras fascinantes. Pese a las disputas legales de Roger vs los demás, continuaron como Pink Floyd sin él. Su esencia se escucha en A Momentary Lapse of Reason, suena absolutamente a él, era innegable quién conducía el destino del grupo y el disco es muy superior y diferente al anterior, una nueva era de la banda había comenzado. 

Después llegó The Division Bell otra obra espectacular, también con el sonido del guitarrista marcado, con algunas canciones maravillosas como “High Hopes”, una verdadera belleza.

Pink Floyd - High Hopes 

El grupo se transformó en un trio que era acompañado en concierto por tres coristas, un bajista, otro tecladista, percusionista, saxofonista y otra guitarra, con el más fascinante escenario y pantallas de su época. En 2003 es nombrado Sir David Gilmour, comendador de la Orden del Imperio Británico, la revista Rolling Stone lo nombró el #14 de los 100 mejores guitarristas de la historia y su solo en “Confortably Numb” fue votado como el mejor de la historia, tiene fraseos muy característicos y un sonido singular que lo distinguen del resto de los guitarristas. No es el más veloz, por el contrario, gusta del uso de la palanca del trémolo de su guitarra para darle más colorido a su punteo de cuerdas. 

On an Island es su tercer trabajo solista, llegó al #1 en su natal Inglaterra y el Top 10 estadounidense. Hizo giras y se lanzaron en disco en vivo. En 2015 lanza otro álbum llamado Rattle That Lock, con cuya gira vuelve al escenario del anfiteatro romano de Pompeya a grabar en vivo –como lo hiciera con Pink Floyd en 1972—y edita otro disco en vivo. 

David ha tocado con cuanto músico puedan imaginar de la más alta calidad: Syd Barrett, The Wings, Paul McCartney, Kate Bush, Supertramp, Duran Duran (Arcadia), Bryan Ferry, Pete Townsend, Grace Jones, The Dream Academy, Peter Cetera, Elton John, Alan Parsons, The Orb y muchos más. 

Nunca ha dejado de estar envuelto activamente en eventos benéficos para organizaciones que van desde asociaciones de salud mental, Greenpeace, Amnistía internacional, Teenage Cancer Trust y PETA. La BBC le dedicó un documental Wider Horizons anunciado como “un retrato íntimo de uno de los mejores guitarristas y cantantes de todos los tiempos” y el corazón de uno de los grupos más grandes de la historia.

Alice Cooper - Bienvenidos a su ciudad y herencia musical

Alice Cooper

Bienvenidos a su ciudad y herencia musical

Por Benjamin Salcedo 

El amor por su natal Detroit es el pretexto para un nuevo trabajo, este pionero del rock y del espectáculo continúa creando música ininterrumpidamente y acrecentando su historia.

Para celebrar su cumpleaños el pasado 4 de febrero Vincent Furnier, mejor conocido como Alice Cooper decidió sacar el sencillo “Social Debris” de su nuevo trabajo Detroit Stories, el tema es puro rock & roll, con su inconfundible estilo y renovados bríos, nada mal para un hombre de 73 años, acompañado de un video a manera de homenaje y reconocimiento –como todo el nuevo disco—a su ciudad natal, Detroit, sonando auténtico como lo ha hecho siempre con su banda. 

Su música es demasiado rock para ser popular o radiofónicamente amigable, demasiado accesible para ser rock pesado, difícilmente encuentra un lugar definido en los estereotipos musicales, no es comercial, pero tampoco es subterránea. Es buen rock simple y sencillamente.

Cooper ha sido fundamental en la evolución del rock a lo largo de toda su historia, desde sus inicios a finales de los 60s cuando su estilo era muy distinto, más psicodélico y melódico como de película musical, hasta que descubrió que lo suyo era el espectáculo y decidió convertirse en leyenda. Eso sucedió pronto, al tercer disco ya mostraba su sentido del humor con “I’m Eighteen” aunque él tenía 5 años más cuando salió,  hoy en día la sigue interpretando en sus conciertos. Llegó su cuarto álbum Killer y explotó el genio que estaba contenido “Under My Wheels” mostraba su lado más escenográfico y divertido, igual que “Elected”, “School’s Out” o “No More Mr. Nice Guy” de sus siguientes discos. Alice nunca ha creído en la seriedad del rock, algo fácil de entender de un hijo de un predicador que se volvió estrella de rock y parece extraído de un comic de terror.

A principio de los 70s ya se había establecido como un innovador en cuanto a su vestuario, maquillaje y espectáculo en general. Kiss no habría existido sin él, convirtió su show en un montaje fascinante, titulado en su momento Welcome to My Nightmare y volviendo ese maquillaje de ojos “escurridos” como una marca patentada plenamente identificable. 

El espectáculo tenía monstruos, enanos, ahorcados, decapitaciones, arañas gigantes, boas reales, pero sobre todo un gran grupo que lo acompañaba en su aventura.

Es fascinante escuchar a un artista de su edad en plenitud de facultades vocales, ya que su estilo no es melódico en lo más mínimo, como buen “gritante” aún tiene toda la potencia característica de antaño. 

Delgado como siempre y con una cabellera envidiable, parece que los años no lo tratan tan mal como a la mayoría. 

En persona es algo similar, un tipo con una personalidad impactante, como si hablaras con Freddie Krugger en la sala de tu casa sin que quiera hacerte daño. Con un bagaje impresionante y miles de anécdotas que compartir. 

A nuestro país solamente ha venido a eventos privados y hace un par de años al festival Domination, como acto estelar.  Totalmente centrado, lejos de aquellos años de abusos, maduro y con la convicción de seguir en este negocio lo más que se pueda.

Hace unos meses dio a conocer una especie de adelanto Breadcrumps un Ep con seis canciones de las cuales cuatro ven de nuevo la luz con su el reciente lanzamiento. 

Detroit Stories es un recorrido por los artistas de rock que le han dado nombre a esa ciudad, colabora con Wayne Kramer de la legendaria MC5, hace un cover a “East Side Story” de Bob Seger, una versión muy divertida de “Our Love Will Change The World” de Outrageous Cherry, una banda poco conocida y cuya canción convierte en un pop comercial digno de una boy band. También Lou Reed y su Velvet Underground reciben su tratamiento con la clásica “Rock ‘n’ Roll” versión más poderosa, para lo cual recluta al extraordinario guitarrista Joe Bonamassa, hasta se da el lujo de tocar R&B en “$1000High Heel Shoes” con la participación de los coros de Sister Sledge.

El resto del disco tiene varios temas atractivos, llenas de la ironía que le caracteriza como de riffs y rock a su estilo. 

Por supuesto que Detroit Stories no es el mejor disco de su extensa discografía, sin embargo, es un trabajo digno, oportuno, plagado de emotivas tonadas, realizado con su productor de cabecera Bob Ezrin.  

Sonidos vintage que suenan actuales, principalmente por la enorme carga de honestidad que Cooper inyecta a su música, desde hace más de medio siglo.  

Aquí un video de la mencionada “Our Love Will Change The World”