Harry Styles - La gran estrella de los años 20’s

 

Harry Styles

La gran estrella de los años 20’s

Por Benjamin Salcedo 

El cantante y actor británico a sus 28 años se ha convertido en poco más de una década en una de las máximas figuras del entretenimiento mundial. Una de esas estrellas que aparecen muy eventualmente en el firmamento musical.

Harry Edward Styles desde que estudiaba en el colegio estaba interesado en la música y formó su primer grupo con compañeros en su natal Holmes Chapel en Inglaterra. Influenciado por música de Coldplay y la influencia materna de Elvis y The Beatles, siempre le gustó el funk y el soul. 

Tuvo que abandonar su banda cuando lo aceptaron en el concurso de X Factor, en el que se inscribió cantando la famosa “Isn’t She Lovely” de Stevie Wonder, para posteriormente iniciar su carrera con el grupo One Direction, la aparición del genio de Simon Cowell y el resto de esa historia que seguramente conocen.

Está por lanzar al mercado su tercer disco como solista, Harry’s House, sus dos discos previos han sido muy exitosos y han cimentado su carrera musical. Algo no muy común, ya que son pocos los artistas que logran hacer una carrera importante después de haber pertenecido a una boy band, ahí está el caso de Michael Jackson, Robbie Williams, Justin Timberlake o en el caso de mujeres, Beyoncé por mencionar algunos ejemplos. Artistas en toda la extensión de la palabra que trascendieron las exitosas historias de sus grupos para forjar una carrera propia con su talento ganándose el respeto y admiración incluso de los escépticos. 

El álbum debut homónimo de 2017 nos presentaba a un chico de 23 años bastante maduro que había realizado sus propias composiciones, totalmente decidido a ser el príncipe del rock & roll. Su primer sencillo “Sign of the Times” así lo demostró, con un sonido de soft rock de los años setentas y un aire a la Bowie pero con su distintiva voz narrando introspectivas letras, una sorpresa ya que no buscó el hit de clubes para bailar que hubiera sido más obvio, prefirió escarbar en el suave rock californiano y las guitarras acústicas, aunque también se dio tiempo para subirle al volumen e intensidad en otros temas más rocanroleros como en “Kiwi” y “Only Angel” sin perder la melancolía que flota en las letras todo el álbum, es coautor de todas las canciones además de tocar la guitarra y todas la voces, eso le dio toda la credibilidad que pudiera hacerle falta en solitario. 

Con Fine Line, su segundo trabajo de 2019 toda esa especulación del debut quedó atrás, bastaba escucharlo con atención para reconocer que estábamos ante una realidad, un joven talentoso que llegaba a los primeros lugares de popularidad con grandes temas como “Lights Up”, “Watermelon Sugar” o “Adore You”, con una mayor sensibilidad comercial, conservando algo de ese soft rock californiano, pero más alternativo. Se perciben influencias de Fleetwood Mac de Queen y los Beach Boys pero con un toque moderno y continuando con sus letras tortuosas, auténticas de un joven de su edad. 

Ha tenido el acierto de visitar programas importantes de diferentes medios y sorprender con una actitud de músico serio, haciendo covers de Peter Gabriel “Sledgehammer” (ver video al final del blog), de Fleetwood Mac “The Chain” o “Stop Draggin’ My Heart Around” de Tom Petty y Stevie Nicks para sorpresa de los mayores y dando a conocer esta música del siglo pasado a milenials y centenials.  

Harry debutó en el cine en una película ganadora de varios Oscares, el prestigiado director Christopher Nolan lo invitó a realizar el papel del soldado Alex en la genial Dunkerke (2017), después ha aparecido en algunas más.

Su vida personal también ha sido importante en su desarrollo como estrella, es abiertamente defensor de la diversidad sexual, sin autonombrarse ni calificarse dentro de ella. Gusta de crear polémica, vistiendo ropa de mujer, como lo hizo para la portada de Vogue. Para él la ropa es una forma de expresión, sin etiquetas ni sexo, en total relación con la "difuminación" de los mismos sexos, tan común hoy en día. Concepto que aplica a la moda, música y a su propia sexualidad. Simplemente hace las cosas porque le gustan.  

Hay que reconocer que detrás de Harry hay un gran equipo que trabaja en todos los aspectos importantes del marketing digital y tradicional, se han realizado giras espectaculares mundiales con todos sus discos desde 1D y se han captado testimonios en video de todos estos momentos, los cuales obviamente también se han comercializado apropiadamente. Tiene un equipo creativo y sobre todo visionario, sin restarle a él mérito ni talento, la conjunción de ambos han creado este fenómeno de talla mundial. 

Pronto se estará hablando de su tercer trabajo Harry's House, se realizará la gira mundial pospuesta por la pandemia en la segunda mitad del año y seguramente seguiremos viendo cómo crece la fama de esta superestrella. 

Harry Styles 

Sledgehammer (Peter Gabriel cover) Live at the Howard Stern Show

Tears For Fears - The Tipping Point, hacer de la tragedia, algo hermoso y memorable

 

Tears For Fears

Hacer de la tragedia, algo hermoso y memorable

Por Benjamin Salcedo

Después de 18 años de silencio, Tears For Fears presenta su nuevo disco The Tipping Point y es tan bueno como sus mejores trabajos. La obra viene precedida de tiempos difíciles que resultaron en algo sorprendentemente atractivo.

 El álbum suena perfectamente pulido, con toda la elegancia y refinamiento que les ha caracterizado desde sus inicios. Con varios arreglos de cuerdas que le proveen de una tensa melancolía, una confrontación al dolor de la manera más emotiva y sensible que la música puede lograr. 

Así lo hacen en la canción que da título al disco, “Life is cruel, life is tough, life is crazy then it all turns to dust”. Primer sencillo y una muestra de electro pop estilizado con guitarras acústicas, una melodía cautivadora que te envuelve. La esposa de Roland Orzabal falleció y él sufrió un considerable deterioro de salud como consecuencia, en este impactante tema canta “Quién es ese fantasma tocando a mi puerta, sabes que no puedo amarte más”.

Para Tears For Fears no es nada nuevo hablar de situaciones adversas, si bien su música ha sido motivo de baile en el pasado y sus canciones han llegado alto en las listas de popularidad, siempre han estado cargadas de una alta dosis de tristeza, depresión y preocupación. Son de esas bandas que han sabido hacer música inolvidable con sustancia y en su caso con mucha melancolía.

Otra gran canción de este disco es “Break The Man” más rítmica con toques de progresivo que aunado al pop suena muy actual y su mensaje es de esperanza, de advertencia, relaciones personales y el peligro de la percepción. 

“My Demons”, la más energética del álbum, con grandes riffs de la guitarra de Orzabal, donde nos cuestionan sobre la actualidad de nuestro mundo, tal vez pensando en lo que la modernidad nos ha traído, como su nombre lo indica, demonios internos debatiendo.

Hacer un disco en estas circunstancias es complicado, sobre todo para Roland, sin embargo, hay quienes encuentran en estas pérdidas y en el dolor una fuente de inspiración y en la obra su catarsis. “Believe me when I tell you there’s another way, the sun will rise tomorrow on your world of pain if only you would let your feelings show”. Tal vez en frases como esta del tema “Master Plan” y en esos sonidos con delicadas cuerdas y percusiones está su respuesta. 

Nuevamente el júbilo parece retornar y las letras se muestran optimistas en una canción que bien podría ser un futuro sencillo, “End of Night” acompañado por aplausos y juegos vocales de ambos. 

The Tipping Point (el punto de inflexión) hace honor a su nombre, con letras profundas y devastadoras, una composición soberbia que incorpora diversos elementos que aporten para resaltar aún más todos los sentimientos. Narrativa actual de la humanidad que socialmente es expuesta, así como los dolores y situaciones personales de Orzabal y de Curtis que nuevamente hacen una genial mancuerna. 

Esperamos que su retorno nos traiga más música en el futuro inmediato, como este inesperado y excelso trabajo.

Tears For Fears 

Break The Man 

Coldplay - La banda más grande del nuevo milenio

 

 

Coldplay

La banda más grande del nuevo milenio

Por Benjamin Salcedo

El cuarteto londinense ha tenido en lo que va del siglo XXI los resultados suficientes para ser considerados entre los más grandes. Poseedores de varios records, éxito masivo, canciones icónicas y una voz para defender diversas causas sociales.

A nadie sorprende que el más reciente lanzamiento de Coldplay, Music of the Spheres, se haya colocado inmediatamente entre los mejor del 2021, su sencillo “My Universe” con BTS les catapultó hacia ventas millonarias y nuevas audiencias. Algo que no les hacía mucha falta, siempre han estado abiertos a colaborar con artistas de todo género: Rihanna, Selena Gomez, Jay-Z, The Chainsmokers, Noel Gallagher, por mencionar algunos de los más diversos. 

Desde sus inicios era evidente que nos encontrábamos ante una banda especial. 

En el 2000 su debut ya era comparado con grandes grupos de ese momento (Oasis, Radiohead, etc), pero fue el segundo trabajo el que los consolidó como una poderosa fuerza musical A Rush of Blood to the Head se llevó el álbum del año en su natal Inglaterra, el mercado más competido del planeta. Todos sus discos han recibido nominaciones o premios como de lo mejor en su año, tanto en Gran Bretaña como en el resto del mundo, constantemente nominados para Grammys, Brit Awards, MTV, Billboard Music y más recientemente iTunes y Spotify Awards entre muchos otros reconocimientos.

Están acostumbrados a que sus discos más gustados lleguen al primer lugar de ventas y popularidad en varios países del mundo y los no tan gustados se queden en el segundo o tercero, pero desapercibidos nunca. El éxito los ha acompañado durante toda su carrera con sus nueve discos de estudio, el cuál es un número bastante loable en una época donde las bandas prefieren pasar años de gira ganando dinero en lugar de estar en el estudio creando nuevas propuestas. 

Como dato curioso, La grabación del vídeo de “A Head Full of Dreams” se llevó a cabo en las calles de Colonia Roma, en la Ciudad de México, durante su visita con motivo de la gira A Head Full of Dreams Tour en 2016.

La música de Coldplay recorre los más diversos universos sonoros, es un rock británico, con una alta dosis de pop, sumamente alternativo, no tienen miedo de experimentar con el electrónico y hasta rayan en el progresivo. Se arropan con influencias eclécticas como música africana, folk, en un principio sonaban más introspectivos y oscuros, posteriormente evolucionaron hacia un soft rock, emotivo y romántico. Igual son producidos por Max Martin el rey de los éxitos pop, que por el célebre y enigmático Brian Eno. Tan acústicos como eléctricos, suaves y a la vez tremendamente poderosos.  

Sus presentaciones en vivo también son destacadas, haciendo gala de superproducciones espectaculares que escalaron de venues pequeños, a salas enormes y actualmente en los estadios más importantes del orbe. Pletóricos de lasers y efectos luminosos, papeles volando por todos lados y un ambiente de alegría. 

Pero también son consientes ecológicamente hablando, por lo cual se preocupan porque sus shows sean completamente neutrales en carbono, no utilizando plásticos y potenciados en su mayor parte por energía solar. 

Otro dato curioso, son de las pocas bandas mundialmente consagradas que nunca han cambiado de integrantes, siguen los mismo que formaron el grupo desde finales de los años 90s.

Su nuevo trabajo fue lanzado con el tema “Higher Power” en mayo del 2021 y se transmitió por primera vez desde la Estación Espacial internacional (proyecto multinacional de las 5 agencias espaciales más importantes de mundo), el primer grupo que lanza su disco desde el espacio. 

No todos lo saben, pero Coldplay tiene la bella costumbre de donar el 10% de sus ingresos anuales a organizaciones caritativas. Son miembros activos de Amnistía Internacional, Trade Fair, Teenage Cancer Trust, Future Forests, Lucha contra la pobreza extrema y muchos otros eventos altruistas alrededor del mundo. No solo tienen talento, también un gran corazón. Han anunciado que dejarán de hacer música en 2025, posiblemente hagan uno o máximo dos discos más. 

A pesar de ser muy británicos siempre han aspirado a ser grandes artistas globales y no cabe duda de que lo han conseguido, más de 100 millones de discos vendidos durante su carrera son signo inequívoco de su grandeza.  

A Head Full of Dreams 

Coldplay

Pam & Tommy - El video escándalo sexual más grande previo a las redes sociales

 

Pam & Tommy 

El video escándalo sexual más grande previo a las redes sociales

Por Benjamin Salcedo  

Lo que era una historia de amor de dos figuras del showbiz se volvió un intenso drama donde la venganza y los inicios del Internet a finales del siglo pasado hicieron de este un suceso mundial.

El famoso video escándalo de Pamela Anderson, actriz y playmate de Playboy, una de las mujeres más sexys en ese momento y el baterista de Mötley Crüe, Tommy Lee ahora es llevado a tu pantalla. 

Era mediados de los años 90s, todavía existían las videocaseteras VHS y la venta clandestina de videos pirata en puestos callejeros, el Internet apenas comenzaba y solo algunas personas tenían computadoras, muy diferente a la actualidad, donde cada quien traemos un dispositivo en el bolsillo y entramos a la red varias veces al día.

El personaje que detona la historia es Rand Gauthier, un trabajador que hace público el video en su afán de vengarse de Lee por el mal trato que recibe. Es interpretado por Seth Rogen quien también aparece como productor ejecutivo, la serie está basada en una historia publicada en la revista Rolling Stone, en donde Gauthier dio a conocer la verdad de lo ocurrido. 

Lily James interpreta a Pamela Anderson en una caracterización realmente sorprendente, es difícil distinguirla de la verdadera, un trabajo estupendo de peinadores, maquillistas, vestuario y las horas de estudio del personaje que le dedico la actriz. Lily conoció a Pam actuando en la serie Baywatch, pero era una niña y para el papel tuvo que estudiar todos y cada uno de sus gestos, modos, forma de hablar y movimientos de muchas otras fuentes. 

Tommy Lee, el irreverente y tatuado baterista es interpretado por Sebastian Stan (El soldado del Invierno) conocido del universo Marvel. Adelgazó hasta quedar marcado como el baterista y diariamente se sometía a un proceso de pintado para los tatuajes característicos de Lee, que nunca andaba vestido con camisa o pantalones largos, siempre exhibiendo su físico y el arte que portaba en su cuerpo entintado. Tuvo que aprender a tocar la batería para algunas escenas, lo cual dice que fue lo más difícil, así como la forma de comportarse. 

La relación de Pam & Tommy es sin duda una historia de amor, alocada y disfuncional. Tal vez de los primeros escándalos sexuales de la historia de esta magnitud, el cual tuvo diferentes efectos en ambos. 

Para Pamela fue devastador, como para cualquier mujer lo hubiera sido, pero en su caso salieron a relucir aspectos de su pasado que le hicieron mucho daño. “Ella fue tratada por la crítica, los periodistas y la sociedad en general muy injustamente, fue un crimen” nos comenta Lily, “desde el robo de un video de su propiedad, era privada, hasta la forma como se le castigo socialmente, todo lo que se dijo de ella en los medios”. Aun cuando Pamela había sido playmate de Playboy y no era la primera vez que se había expuesto a los ojos del público, esta situación fue completamente diferente, fue una invasión a la privacidad

Tommy salió mejor librado, se volvió un macho alfa y aumentó su atractivo para muchas mujeres que descubrieron sus atributos, aunque musicalmente nunca volvió a ser la superestrella que había sido. Sebastian nos comentó “Yo solo tenía 12 años y no vivía en los Estados Unidos y no me entere del suceso en su momento, tampoco tuve la oportunidad de escuchar la música de Mötley Crüe en Rumania, donde vivía en ese momento, pero para el papel consulté toda información disponible, videos, películas (The Dirt) y el libro “Tommyland” del propio Lee.

Una historia real es llevada a las pantallas para que las nuevas generaciones la conozcan y se reflexione sobre el tema, sobre el peligro de la exposición y la grabación, sobre la necesidad de cuidar con quién se comparten escenas intimas y el peligro de la viralización, tan común hoy en día en redes sociales. 

Pam & Tommy ya se encuentra disponible en Star+ 

The Weeknd - Dawn FM Un disco aún mejor que el anterior

 

The Weeknd

Dawn Fm

Por Benjamin Salcedo

Un disco extraordinario que difícilmente se esperaba, normalmente después de que haces el mejor disco de tu carrera las expectativas suelen traicionarte. Pero el canadiense simplemente hizo uno aún mejor.

El nuevo álbum Dawn FM es un cúmulo de éxitos que estarán sonando durante todo el 2022 y 2023 sin duda. Rápidamente ya se escucha en diferentes canales, “Take My Breath” y seguirán desfilando varios más. Esa mezcla de R&B con electrónica que tanto le ha funcionado ahora es llevada a nuevos niveles y en abundancia.

El disco es un concepto radiofónico, que posee una introducción y van desfilando los temas con participaciones intercaladas de Quincy Jones y Jim Carrey (sí, el cómico) como cápsulas de la producción radial. En cuanto a colaboraciones musicales aparecen Tyler, the Creator, Swedish House Mafia y Lil Wayne, garantías mediáticas que suman su talento. 

Hace un par de años cuando apareció After Hours, el mundo se rindió al estilo musical de The Weeknd, aunque ya había dado muestras de su talento con temas brillantes como “Can’t Feel My Face” de 2015 o el par de canciones con Daft Punk “Starboy” y “I Fell It Coming” de 2016, el disco que presentaba era lo que el mercado esperaba, un nuevo ídolo había surgido y se había reafirmado con ese trabajo. 

Fue invitado al medio tiempo del Super Bowl (no su mejor experiencia) y un disco recopilatorio The Highlights, nos mostraba que había llegado al momento cumbre de su carrera. Todos querían hacer duetos con el o involucrarlo en colaboraciones para probar una rebanada del pastel. Algunas afortunadas (Ariana Grande, Kendrick Lamar) otras patéticas e innecesarias (Rosalia o Maluma). 

En esta ocasión cuenta entre otros con la producción de Max Martin, innecesario enlistar todos los éxitos que ha creado este señor, pero es el rey midas del pop mundial.  También produce Tommy Brown (Ariana Grande) y al veterano músico electrónico Oneohtrix Point Never (a.k.a. Daniel Lopatin).

Es un disco alegre y bailable, te hace imaginar que el espíritu de Michael Jackson sigue por ahí rondándolo (Sacrifice) pero absorbió lo mejor del R&B de tantas grandes figuras, “Gasoline”, la dulzura de “Out Of Time”, el flow de “Less Than Zero” hacen de este disco el mejor que ha hecho en su ya importante carrera. Sin duda uno de los grandes trabajos que marcarán el 2022, a pesar de haber salido a pocos días de su inicio.

The Weeknd

Sacrifice 

Mis Discos Favoritos de 2021

 

Mis discos favoritos de 2021 

Sonósferas

Por Benjamin Salcedo 

Como cada año que termina hay una gran cantidad de listas de diferentes medios sobre lo que cada uno considera lo más interesante durante el año. Los discos que aquí les presento superaron expectativas, varios no fueron considerados por las listas más famosas y otros simplemente son propuestas personales de los más diversos estilos. 

Estos fueron para mi los mejores en orden estrictamente alfabético invertido, o sea, ninguno. 

The War On Drugs

I Don’t Live Here Anymore

Lo vuelven a hacer, por tercer trabajo consecutivo logran un resultado destacado, este nuevo álbum de la banda de Filadelfia continua con ese halo de melancolía estilo Dylan pero con voz e inteligible, no están tan deprimidos, usan sintetizadores vintage y un rock folk que forma una mezcla reconfortante de buen rock original. Buenas canciones que transmiten, algo ya poco común.

The Vaccines

Back In Love City

Un disco que no van a encontrar en las demás listas, los británicos hicieron un álbum espectacular plagado de temas rock pop que con un buen marketing deberían sonar en todas partes. 

Conservaron algo de su esencia alternativa punk pop pero le agregaron elementos como el western americano y una producción pop sueca de gran nivel. Música bailable y disfrutable, madura y arriesgada para volverse más accesibles. 

 

Silk Sonic

An Evening With Silk Sonic

Una mancuerna magnífica, Bruno Mars y Anderson Paak hacen uno de los grandes discos de soul, funk, R&B del año. Con una duración breve les es suficiente para demostrar que el talento de ambos se fusiona a la perfección para dar como resultado este delicioso trabajo. Si gustas de la música negra, que abarca todos estos géneros, más un poco de hip hop y de disco, este álbum es indispensable.  

Royal Blood

Typhoons

Un dueto poderoso que ya había dado muestras de su enorme talento con sus álbumes anteriores, pero ahora logra crear temas contundentes y consigue que sus melodías permanezcan en el subconsciente. Guitarras distorsionadas, pero con ritmo electrodisco, los ganchos melódicos se pueden atribuir a Josh Homme de QOTSA en la producción. Música británica alternativa que hace un viraje sonoro hacia el mainstream. 

Mastodon

Hushed and Grim 

Este cuarteto de Atlanta no hace un disco igual al otro, tienen la facilidad de variar su estilo conservando su esencia. Son indiscutiblemente metal, pero han llegado con este álbum muy cerca del progresivo (Rush, King Crimson). Mucho más mesurados y con un amplio sentido melódico a lo largo de hora y media. 

Emotivo y poderoso, fino pero sobre todo coherente. 

Si no son seguidores del género, puede ser una gran alternativa para conocerlo. 

Kylie Minogue

Disco

Su nombre lo dice todo, Kylie no está nada lejos de esa música, sus mayores éxitos tuvieron ese ritmo. Remembranza del Confessions.. de Madonna, la australiana nos entrega un álbum totalmente ochentero, ideal para las pistas de bailes y las fiestas caseras. Realizado en plena pandemia en diciembre del año pasado, Kylie muestra que la vida es mejor bailando y nos transporta a esa época dorada de la música de la mejor manera.

The Killers 

Pressure Machine

La evolución de este grupo de Las Vegas ha sido sorprendente, pasaron de ser la sensación generacional a una banda de estadio y con algunos cambios en la alineación se han convertido en una poderosa agrupación capaz de hacer discos extraordinarios. Este disco es un punto y aparte en su carrera, mucho más introspectivo, melancólico y profundo, pero no por eso menos espectacular. Brillante trabajo que depara un futuro muy interesante.

Justin Bieber

Justice 

Me sorprendió que muchas listas hayan ignorado la obra de Bieber de este año. Sin duda un salto cuántico en calidad, madurez y material. Como acostumbra se rodeó de las personas indicadas y realizó un álbum de pop de la más alta calidad. 

Si tienes tu reservas con él, en esta ocasión puedes darle la oportunidad, hay mucho talento en él, sus productores y la gente que lleva su carrera. No hay falla, para diferentes generaciones con criterio amplio.

Iron Maiden

Sejutsu

Con el paso de los años han madurado sin perder la fuerza que les caracteriza, logrando una amalgama sonora de tres guitarras y un bajo fuera de serie que llevan todos los temas con soltura y elocuencia. Historias épicas y narraciones diversas son el complemento perfecto para esta cabalgata sonora que coquetea con el progresivo. La voz sin los alcances de antaño no pierde poder y se enriquece con la edad. La prestigiada revista Classic Rock lo nombró el álbum del año.

Foo Fighters

Medicine at Midnight

Salió muy temprano en el año y por eso muchas listas se olvidan de este disco, pero la apuesta de Grohl y compañía de hacer música muy accesible y hasta bailable sin dejar de ser rock es plausible. 

El grupo ha hecho el mejor rock americano en las últimas 2 décadas así que puede darse este y otro lujos (Dee Gees por ejemplo).

Un disco ameno y fiestero, algo que se agradece ante tanta depresión y música hueca que abunda en el mercado. 

Duran Duran

Future Past 

Su nombre engloba perfectamente la idea del disco, el grupo tiene un pasado brillante, muy influyente y su sonido de los 80s dejó huella, en muchas partes de este trabajo se asoma ese sonido y nos remite a ese pasado, sin embargo, suenan actuales, gracias a la aportación de invitados que te ubican en un futuro inmediato, Con varios productores logran un disco sorprendentemente brillante y contemporáneo, sin perder el toque que los hiciera famosos. 

Coldplay

Music of the Spheres

Una visión futurista envuelve el concepto de este disco, aunque la música suena retro, mucho más ochentera que sus anteriores trabajos. La producción de Max Martin puede ser la clave. Más sintetizadores, ritmos pegajosos, bailables y absolutamente comerciales. Se allegan de invitados que suman a la posibilidades y potencial de la banda. Más electrónico y creado deliberadamente para disfrutarse en estadios. 

Adele

30

Cinco años después regresó y no solo bajó de peso y explotó su sensualidad al máximo, su voz sigue siendo prodigiosa y tiene nuevos tintes e intenciones. Con una orientación mucho más hacia el soul y el gospel en algunas canciones nos muestra que sus dotes pueden ser aprovechados de diversas formas, más allá de las baladas. Fue adoptada de nuevo por el gusto del público y las críticas positivas no hicieron esperar. 

Otros discos destacados: 

Greta Van Fleet - The Battle at The Garden's Gate

Ed Sheeran -  Equal 

Steven Wilson - The Future Bites 

Yes - The Quest 

The Dead Daisies - Holy Ground 

Inhaler - It Won't Always Be Like This 

Maneskin - Teatro d'ira

Dream Theater - A View From The Top of The World

Jake Bugg - Saturday Night, Sunday Morning 

Mammoth -  WVH

The Vaccines – Back In Love City, su fórmula musical mezclada con cine y ficción

 

The Vaccines – Back In Love City 

Su fórmula musical mezclada con cine y ficción

Por Benjamin Salcedo

El grupo alternativo británico realiza el mejor disco de su carrera, buscan éxito comercial con su originalidad mezcla de pop y rock.

Con este nuevo trabajo Back In Love City el quinto en una década, intentan realizar un disco concepto de manera discreta. Con fuerte influencia de cintas icónicas del estilo Western, pero como si se desarrollara en un escenario del futuro tipo las Vegas. Todo inspirado por el incremento de la desconexión el pasado año y medio.

¿Suena complejo? Déjenme explicarlo mejor. Back in Love City sucede en una locación ficticia futurista en el cuál el amor y todo tipo de emociones se han agotado y únicamente se pueden sentir por medio de una conexión de tipo eléctrico, como si fueran celulares que requieren batería, conectados. 

El estilo típico de los Vaccines siempre ha sido el alternativo, con elementos de rock, britpop y un poco de punk. Ahora muestran una notoria influencia de la cultura pop americana, de bandas como los Beach Boys, The Black Keys o The Ramones, muestran su amor por la nostalgia americana en un disco muy agradable. 

Han realizado buenos álbumes, su debut What Do You Expect From The Vaccines (2011) conquisto varios oídos con temas como “Post Break Up Sex” y sus otros tres álbumes siempre han contenido música de alta calidad.

Su sonido ha evolucionado, ahora con la participación de los productores Fryars (inglés) y Ledinsky (sueco) que han trabajado con artistas pop de fama internacional (Carly Rae Jepsen, Shakira, etc) le aportan accesibilidad al sonido de este álbum, lo cual les sienta de maravilla.

La música es una muestra de su madurez, con toda la experiencia que los años le han dado, pero sin perder lo espontáneo escribiendo grandes canciones. Es más narrativo y visceral al mismo tiempo, algo distinto a lo que habían hecho previamente, se nota que disfrutaron haciéndolo.

Es música bailable, totalmente disfrutable, si no los conocen háganse un favor y denle play, no se van a arrepentir. Si ya los conoces, también dale la oportunidad, es un disco estupendo. 

Temas recomendados: "Back In Love City", "Alone Star", "XCT", "El Paso" y "Bandit".

The Vaccines 

Alone Star 

Yes - La frescura permanece aún después de medio siglo

 

Yes 

La frescura permanece aún después de medio siglo

Por Benjamin Salcedo

Desde finales de los años 60s Yes irrumpió en la escena progresiva mundial con enorme éxito, inician la década de los años 20s con una bocanada de aire fresco y la convicción de que el talento se sobrepone a cualquier circunstancia.

Desde el lamentable fallecimiento en 2015 de Chris Squire, bajista y fundador, líder absoluto de Yes desde sus inicios, el futuro de la banda parecía incierto. Nunca había salido un disco de Yes sin él, ahora su ausencia pronosticaba un final definitivo para el grupo.

Ya se habían dado cambios importantes poco tiempo antes, con la llegada en 2011 de Benoit David en las vocales ocupando el lugar del eterno Jon Anderson en el álbum Fly From Here, pero su voz era demasiado parecida y muchos no lo recibieron con agrado. 

Unos años después llega Jon Davison con un timbre alto, en la tesitura de su tocayo Anderson, pero con una diferencia sutil que le permitía un sonido propio, no como un cantante de banda tributo. Con él grabaron inicialmente Heaven & Earth e hicieron giras hasta que Squire se fue definitivamente. 

Los años posteriores sirvieron para reestructurar al grupo y ver si eran capaces de continuar sin la guía de su eterno líder, el enorme en tamaño, técnica e importancia Chris. Unieron dos grandes discos de su catálogo y salieron a tocar la gira Topographic Drama – Live Across America con relativo éxito que dio como resultado un disco doble en concierto. La banda cumpliría 50 años de existir en 2019 e hicieron la gira y disco Yes 50 Live y posteriormente el Royal Affair tour: Live from Las Vegas. 

Todo parecía indicar que los portadores del nombre se dedicarían a tocar en todos lados las canciones que hicieran famosas en su brillante trayectoria y algunos experimentos con el mismo material. 

Sin embargo, este año nos sorprenden con el lanzamiento del álbum doble The Quest y como su nombre lo indica, están en búsqueda de autenticidad, de demostrar que Yes es un ente conformado por todas sus partes y aun con la pena y falta de su líder son capaces de hacer un buen disco y nueva música para sus seguidores de toda la vida y nuevos escuchas. 

Regresa a la banda Billy Sherwood que había dejado al grupo desde The Ladder en 1999 para cubrir ahora el lugar de bajista que dejara Squire. La pandemia canceló toda presentación y les permitió enfocarse en pulir este material en el encierro. Con Davison como principal escritor de las letras y la experiencia total de los otros tres integrantes con más tiempo en la banda: Steve Howe (guitarra), Alan White (batería) y Geoff Downes (teclados), el resultado es encomiable. 

Un disco dulce, finamente ejecutado que lleva el ADN de la banda de toda la vida, pero nos muestra caminos nuevos, por difícil que esto pudiera parecer. De nuevo la voz de Davison suena distinta, pero a la vez familiar. Es Yes, en esencia, pero con un delicado toque de frescura. Hay creatividad de sobra, todos participan en la composición de los temas del grupo y se reparten responsabilidades y méritos. 

“The Ice Bridge”, no solo abre el álbum, también es el primer tema que se dio a conocer y debuta en el top 20. Suenan como si fuera un grupo con una nueva orientación dentro de las características de su música, temas como “Dare To Know” contienen el inconfundible sonido, mientras que “A Living Island” y “Damaged World” mantienen una cierta nostalgia en lo lírico, pero fuerza y drama en la música. 

Tal vez como un simbolismo, pero un ave fénix se asoma entre el logotipo de vitrales creado por el genio de Roger Dean, su diseñador de cabecera. 

Definitivamente inesperado este nuevo material, reúne los requisitos que cualquier fanático de la banda o del género progresivo pudiera buscar en un disco de Yes. Si no lo han escuchado, no pierden nada en darle la oportunidad, estoy seguro que a más de uno le endulzará el oído y descubrirá que sigue habiendo magia en estos genios legendarios. 

Yes - The Ice Bridge

Escucha el álbum The Quest en este enlace 

https://open.spotify.com/album/5mJQGS0NqD41OGyM77vIX9?si=WvSg_dyMTm2_MndTriMFbg

Duran Duran - Future Past, cuatro décadas de hacer que se mueva el esqueleto

 

Duran Duran

Future Past, cuatro décadas de hacer que se mueva el esqueleto

Por Benjamin Salcedo

Hay grupos que difícilmente sobreviven el paso del tiempo, se separan, se les acaba la creatividad o simplemente deciden vivir de sus regalías a la sombra de la fama. Esta banda británica, por supuesto que no es de esos.

Claro que Duran Duran ha pasado por distanciamientos, en 1985 se partió en dos bandas, ambas extraordinarias: Power Station y Arcadia. Después se reunieron únicamente tres de ellos durante algunos años. Volvieron a estar los cinco originales y hoy en día permanecen como cuarteto con miembros que estuvieron desde su primer álbum hace 40 años.

Dan a conocer su nuevo trabajo discográfico, el decimoquinto de su carrera mismo que fue antecedido por algunos temas develados poco a poco desde mayo pasado. Producido en su mayoría por Erol Alkan pero con la participación de dos gigantes en algunos temas: Mark Ronson y Giorgio Moroder. En esta ocasión tienen un invitado especial en la guitarra, Graham Coxon (Blur) quien no solo toca en algunos temas, es coautor en más de la mitad de las canciones del disco. 

Primero conocimos “Invisible” que nos daba una muestra de que la banda estaba intacta, algunos sonidos novedosos, con esos puentes melódicos infalibles. Lanzaron un video sumamente abstracto, generado por un programa de computadora que podía transformar emociones humanas en visuales. No es el mejor tema del disco para ser el primer sencillo, pero es una agradable canción con un pre coro sobresaliente y Simon cantando maravillosamente. 

Después fue el turno de “More Joy” y como su nombre lo indica un sintetizador alegre y juguetón marca la pauta para que inevitablemente aparezcan esos coros pegajosos, en esta ocasión con la participación en ellos de la banda japonesa Chai. Nuevamente el potencial comercial del grupo se pone de manifiesto en esta pieza divertida y hermosamente ejecutada. 

El tercer tema fue “Anniversary”, uno de los mejores del disco, con una sección rítmica poderosa, con las percusiones de Roger y el bajo de John acoplados a la perfección. Una celebración musical en donde Simon canta al inicio “Come celebrate this unión”, con un coro que se asimila como solo ellos nos han acostumbrado y ese “turu-tutu- ru-tu” que no dejarás de repetir una y otra vez después de escucharlo. Cuenta también con la participación de Graham Coxon. Si se fijan bien tal vez encuentren algunos sonidos de de otros temas de su larga carrera. 

Más recientemente apareció “Tonight United”, aquí la participación en la producción corrió a cargo del maestro Giorgio Moroder. Un ritmo bailable machacante muy a su estilo con Nick haciendo maravillas con sus sintetizadores y un bajo impecable de John Taylor, sin duda un tema sensacional hecho específicamente para bailarlo. Simon tiene un don para hacer que sus coros permanezcan en la memoria por largos periodos de tiempo, se les llama earworms y adornan esta magnífica canción.

En una plática con este último me contó “Siempre hemos sido muy fans de Giorgio, desde los años 70s, incluso habíamos intentado que produjera algún disco anteriormente, pero no se había dado la oportunidad”. “El tiene un sonido muy característico, pero queríamos que sonara moderno y a Duran Duran, llegó con su pequeño maletín con el sintetizador y empezó a secuenciar y a integrarse a nuestro sonido”. Fue maravilloso trabajar con alguien con tanta influencia, su mente es tan ágil, realmente lo escuchamos, fue una hermosa experiencia”.

Unos días antes del lanzamiento del disco completo se liberó el 5º tema “Give It All Up”, compartiendo créditos con Coxon y la invitada especial Tove Lo, quien hace diversas voces. Tan de moda actualmente el asunto de los invitados en las canciones, pero esta da como resultado otro de los mejores temas del disco, nos recuerda con ese sintetizador del inicio a sus primeros discos, tomando posteriormente a un tono más obscuro, los loops lo hacen que suene moderno sin perder la esencia del grupo. Cuando llega al puente comienza la ebullición de beats y el tema toma otra dimensión hasta llegar a su coro final.

Ahora que ya está todo el disco disponible podemos disfrutar el resto de las canciones como “All Of You”, una joyita con Coxon que inexplicablemente no fue el primer sencillo, con el bajo funky de John resonando para dar entrada a una excelsa composición musical del resto de la banda. El coro es sin duda una fuerte influencia de la música disco, con alguna reminiscencia a uno de sus grandes ídolos, David Bowie. Un tema especialmente bailable, muy funk y divertido. Una de las favoritas.

“Future Past” una hermosa balada que da nombre al álbum, donde Simon nos muestra porqué siempre se han destacado las letras complejas de la banda, con mucho fondo y metáforas fascinantes. Emocional y musicalmente soberbia. 

Otro tema con Moroder, “Beautiful Lies” incluye su crédito de compositor y el inconfundible sello característico de la leyenda, lo cual no es garantía para que sea un super tema, bastante decente con un trabajo de teclados interesante entre él y Nick, pero nada más. En “Wing” nuevamente destaca la guitarra de Coxon, pero además se integra la producción y participación de Mark Ronson. Nuevamente destaca la composición, muy superior a los últimos discos, el grupo definitivamente volvió por sus fueros y quiere dejar una impresión de que todavía hay banda para un buen rato.

Cuando parece que ya escuchamos todo, nos sorprenden con “Nothing Less” con Nick demostrando la importancia de su aportación a lo largo de la historia de la banda, así como las letras de Simon con una guitarra un tanto pinkfloydiana y majestuosa, cortesía de Coxon. 

Se dan el lujo de intentar rapear en “Hammerhead” con la participación de Ivorian Doll, pero definitivamente no es lo suyo, no por eso es un mal tema, por el contrario, aunque suena chusco tiene su encanto. Finalmente, el cierre viene con “Falling” en el cual participa el ex- tecladista de Bowie, Mike Garson y el tema suena al camaleónico maestro obviamente, un poco blue eye soul sobre todo por el piano final.

Es imposible saber si habrá más música de esta ya legendaria agrupación, sin embargo, para quienes tenían un mal sabor de boca con su anterior Paper Gods (yo no lo considero tan malo), definitivamente amaran este nuevo trabajo. No hay una canción de relleno y sí muchas destacadas como de lo mejor de su repertorio. La base musical es sublime y están de vuelta con un magnifico álbum. 

 

Duran Duran

"Anniversary" music video