Depeche Mode, un emotivo y obscuro regreso a los escenarios

Depeche Mode, un emotivo y obscuro regreso a los escenarios

por Benjamin Salcedo 

El grupo presentó su gira Memento Mori para más de 65 mil espectadores en la primera de las 3 fechas en CDMX, el esperado regreso de grupo británico finalmente se realizó y convenció a los fanáticos que los esperaron ansiosamente.

Antecedentes

Muchas cosas habían pasado desde los 5 años que tenían de no venir a México, obviando la pandemia, principalmente la muerte de Andrew Fletcher fue un parteaguas para el grupo y sus fans, además del lanzamiento de su nuevo disco Memento Mori, motivo y razón de esta gira.

El espectáculo

Mucho más obscuro que en anteriores ocasiones, los efectos realizados con la pantalla e iluminación crean una atmósfera notablemente nostálgica. Gahan salió como un conde Drácula para comenzar el show, con una elegante vestimenta que fue perdiendo durante el concierto.

Foto: Lulú Urdapilleta/OCESA

La selección de canciones incluyó 5 temas del nuevo álbum y un recorrido por sus grandes clásicos, aunque con tantos años son insuficientes las horas del concierto para dar gusto a todos. Pero ahí estaban temas desde su debút del 81 (Just Can’t Get Enough) pasando por algunos temas que no habíamos escuchado previamente en vivo como “John The Revelator” y una versión increíble, mucho más rítmica de “Enjoy The Silence” de casi 8 minutos.

Sonaba especialmente bien, mucho se había criticado el sonido del Foro, pero queda claro que depende de la habilidad de los ingenieros y no del recinto el resultado final.

Foto: Benjamin Salcedo

El homenaje

Era esperado el momento en que el grupo y los asistentes rindieran un tributo musical al finado Andy Fletcher, las pantallas mostraron su fotografía durante “World in My Eyes” y muchas personas en el público mostraron la foto del desaparecido miembro, haciéndolo un momento especialmente emotivo.

La interacción del público fue importante, mostrando guantes blancos, iluminando de naranja sus teléfonos o usando una mascara de calavera en otros temas, aunque hubiera estado increíble que fueran más los que se involucraran. El fan de Depeche Mode vive muy intensamente cada vez que vienen a tocar a nuestro país, fans from hell que veneran a la banda.

Foto: Lulú Urdapilleta/ OCESA

Filmación y documental

El concierto se filmó y grabó para un posterior documental o quizás hasta para un disco en directo futuro, los drones volaban por encima de todo el público constantemente y causaba la emoción y los brincos de la mayoría.

Taylor Swift: Su primer concierto en México fue simplemente espectacular

Taylor Swift: Su primer concierto en México fue simplemente espectacular

por Benjamin Salcedo

Un evento maravilloso en todos los sentidos desde la producción, la artista, su música y principalmente el público asistente.

La expectativa por ver al fenómeno mundial en su gira más icónica era enorme en nuestro país, había escepticismo por todo lo que se había dicho del evento pero el resultado final lo sobrepasa con creces.

La producción del concierto es una de las más espectaculares que se hayan visto, hay un derroche de tecnología en cuanto al uso de las pantallas y plataformas que dejan chicas otras giras monumentales de grandes grupos consagrados que han venido previamente.

El audio impecable, al menos al frente y toda la escenografía es digna de todos esos trailers que acompañan la gira más redituable de la historia (por encima de la despedida de Elton John, los conciertos de Coldplay, U2, entre otros grandes.)

Taylor es una verdadera princesa, con un carisma que desborda el monumental escenario, hermosa, dulce y sobre todo talentosa. Se queda sola en algún momento tocando su guitarra o el piano y canta sin esfuerzos, natural, verdaderamente dueña del escenario. Su concierto es el más largo que haya visto con una duración de 3 horas y media aproximadamente, pero pasan sin sentirse.

Esta gira hace un recorrido cronológico de todos sus discos y no escatima en esfuerzos junto con sus músicos, bailarines y coristas, son una cantidad importante de personas que la acompañan y el despliegue escénico es sensacional.

Pero tal vez lo que merece una mención especial es el público, en tantos años de ver conciertos y de ir a festivales, nunca había visto a los asistentes tan involucrados y entregados como en este. Miles de chicas vestidas con faldas, moños, como si se tratara de una fiesta elegante, guantes y muchas pulseras, que intercambiaban amigablemente entre desconocidas. Se sabían TODAS las canciones, bailaban y brincaban sin importar el sexo o la edad. Un espectáculo aparte. También muchos chicos con atuendos llamativos conformaron un auditorio fuera de lo común.

Taylor no daba crédito a lo que estaba viendo, su primer show en México y un público que la hizo llorar de la emoción, interrumpiendo su show en varias ocasiones, estupefacta con la entrega de la gente, y apenas es el comienzo de 4 sold outs en el Foro Sol.

Una artista generosa, entregada, sumamente preparada al igual que el resto de su equipo que realizaba coreografías y movimientos estudiados para empatar con los apoyos técnicos.

Uno de los mejores espectáculos que he tenido la suerte de ver, por algo es la gira más exitosa de la historia y ella, sin duda, la nueva reina del pop para estas generaciones.

@Taylorswifterastour @ocesa #taylorswift

Fotos - Benjamin Salcedo 

Oppenheimer, el duelo entre la conciencia, la ética y el logro profesional.

Oppenheimer, el duelo entre la conciencia, la ética y el logro profesional.

Por Benjamin Salcedo

Una película interesantísima, un thriller igualmente político como científico, histórico y que plantea hechos del pasado que tienen importancia presente y futura, escrita y dirigida por Christopher Nolan. De lo mejor que hemos visto en este año y seguramente arrasará en las premiaciones de inicios del próximo.

La historia es contada por Nolan en diferentes épocas, un personaje central que es Oppenheimer y toda la maraña política que rodeo su trabajo científico, podemos apreciar que la manipulación política no es exclusiva de nuestro entorno, que en todos lados es igual (no por eso es correcto) movidos por la envidia, la venganza o cualquier otro motivo son capaces de desacreditar o ensuciar el trabajo de alguien sin escrúpulo alguno.

Sin spoilear para quienes no la han visto, el trabajo científico usado para fines bélicos, sentimientos encontrados de ética y moral, contra el júbilo del éxito científico son el gran conflicto de Oppenheimer y de todo científico de la época.

Destaca Cillian Murphy, a quien conocimos muchos en Peaky Blinders, con una actuación magistral, se merece muchos premios y reconocimientos, igualmente Robert Downey está sensacional, demostrando el gran actor que es, Matt Damon con algo muy distinto a lo que nos tiene acostumbrado y casi todo el elenco dando sus mejores interpretaciones.

Es una obra majestuosa, de lo mejor que se ha visto en este año.

La crítica también así lo manifiesta…

Concenso de críticos: 95. Una experiencia cinematográfica única: 180 minutos intensos que conmocionan. Con cinematografía lujosa, música envolvente y actuaciones poderosas, Nolan transforma diálogos en habitaciones en una impresionante epopeya. Una joya del año, atrapante y estimulante.

Peter Travers, ABC News  100. Christopher Nolan merece todos los superlativos por su brillante interpretación de J. Robert Oppenheimer (un impecable Cillian Murphy), el caballero oscuro de la era atómica. Esta epopeya aterradora y fascinante de tres horas emerge como un logro monumental en la marcha hacia la historia de la pantalla.

Kyle Smith, Wall Street Journal. 100. La apasionante película del Sr. Nolan dura tres horas. Pero a pesar de ser tan parlanchín como un seminario de matemáticas, cruje, se precipita y susurra, generando más suspenso y emoción que cualquier cosa que se encuentre en los supuestos clímax de las recientes películas de superhéroes (que deben mucho a las películas de Batman del director).

Universal Pictures

Crhistian Holub, Entertainment. 100 Aunque puedan parecer dispares, los muchos elementos de Oppenheimer se refractan y reflejan entre sí, como un montón de átomos que crean una reacción en cadena o un grupo de científicos que construyen las ideas de los demás para forjar algo nuevo.

Paul Bradshaw, NME. 100 No solo el relato definitivo del hombre detrás de la bomba atómica, Oppenheimer es un logro monumental en el cine para adultos. Durante años, Nolan ha estado perfeccionando el arte de los éxitos de taquilla serios: creando epopeyas multiplex inteligentes y finamente afinadas que exigen atención; que no se puede ver en ningún otro lugar que no sea en un cine, sin interrupciones, sin distracciones. Pero esto, de alguna manera, se siente más grande.

Oscar Uriel - ¡Es un peliculón loco! realmente está fantástica, no se asusten por las 3 horas de duración porque se van muy rápido, la recomiendo obviamente. Vayan a verla.

Zooropa, el influyente y arriesgado disco de U2 cumple 30 años

Zooropa, el influyente y arriesgado disco de U2 cumple 30 años

por Benjamin Salcedo

Lanzado el 5 de julio de 1993, considerado un álbum icónico en la discografía de la banda irlandesa y ha dejado un impacto duradero en la música popular en general.

Zooropa fue un álbum experimental y arriesgado para U2. Sucesor del exitoso álbum Achtung Baby y considerado parte de una trilogía junto con el siguiente Pop. Mientras que Achtung Baby marcó un cambio radical en el sonido de U2, Zooropa llevó ese cambio aún más lejos al explorar nuevos territorios musicales.

El álbum aborda temas como la tecnología, la fama, la globalización y la incertidumbre del mundo moderno. A través de letras introspectivas y melodías experimentales, U2 capturó el espíritu de la década de 1990 y ofreció una visión profética de la sociedad contemporánea.

Algunos temas como "Zooropa", "Numb" y "Lemon" son ejemplos destacados de la innovación y la creatividad que caracterizan la producción conjunta del brillante Brian Eno, Flood y el guitarrista del grupo The Edge.

Zooropa también fue un hito en términos de producción y uso de tecnología. El grupo logró incorporar nuevos elementos electrónicos y experimentó con samplers y efectos de sonido como nunca antes, lo que contribuyó a la creación de un sonido único y vanguardista, que fue disfrutado en el mundo entero a través de la gira Zoo TV Tour.

El uso de imágenes y videos visuales en sus presentaciones en vivo estableció un nuevo estándar para los conciertos de U2 y comenzó una competencia maravillosa en general para presentar cada vez mejores y más impresionantes espectáculos en vivo.

Este álbum ha sido aclamado como uno de los más influyentes de U2, ganó el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa en 1994 y ha sido destacado por su innovación y visión artística. Además, el álbum continuó consolidando la reputación de U2 como una de las bandas más relevantes y exitosas del siglo y de su generación.

El 30 aniversario de "Zooropa" es una ocasión para celebrar la importancia duradera de este disco y su influencia en la música del nuevo siglo. Este es un gran pretexto el que nos brinda la oportunidad de volver a escuchar las canciones que lo componen, reflexionar sobre su significado y apreciar cómo U2 continuó evolucionando como banda a lo largo de los años. Un recordatorio de la capacidad de la música para trascender el tiempo y seguir inspirando a nuevas generaciones de oyentes y reconocer su importancia y legado.

Tina Turner -Adiós a la reina del Rock & Roll

Tina Turner

Adiós a la reina del Rock & Roll

por Benjamin Salcedo

Si bien ya tenía algunos años alejada de los reflectores, duele saber que ya no estará entre los mortales, que todo su talento y carisma serán leyenda, deseando que las nuevas generaciones descubran todo el valor que había en esa mujer incomparable. 

Hace 5 años hizo su última aparición en público para la presentación de su musical Tina, en el teatro Aldwych de Londres, ya se veía a una mujer muy mayor, cansada pero siempre sonriente, optimista, muy lejos de mostrar todo ese peso que cargó sobre sus hombros al inicio de su carrera, un ejemplo de resiliencia y amor propio que aunque tardó, finalmente afloró para servir de inspiración a millones de mujeres en todo el mundo. 

La carrera solista de Tina no es muy extensa musicalmente hablando, sus inicios como parte del dueto de Ike & Tina Turner fueron muy importantes en su época, una pionera en todos los sentidos, desde la década de los años 60 colocó hits populares en su interpretación, dándole nueva vida a canciones como “River Deep, Mountain High” o “Proud Mary” de los Credence, su carrera está llena de covers a los que le impregnó su estilo único y los convirtió en algo diferente, como “Help” de los Beatles, “Addicted to Love” de Robert Palmer y tantos más. 

Hizo cuatro discos solista poco relevantes, ya que aún era parte del dueto y no había emprendido una carrera propiamente, sus grabaciones de los años 70 son simples muestras de su talento más no una propuesta como la que tendría en la década siguiente.

Sobrevivió con trabajos a una vida traumática y se levantó, se enfrentó a su némesis y de cero logró consolidar una carrera extraordinaria, abundante en grandes canciones y con el cobijo de los músicos más grandes de la historia contemporánea y sobre todo de la empatía del público. 

Hay 5 discos básicamente que hacen la historia de esta estrella llegar hasta los más recónditos reproductores de música, del Private Dancer de 1984 al Twenty Four Seven de 1999, en 15 años derrochó todo su talento, se reunió de los mejores productores, se dejó guiar por Roger Davis un brillante hombre de negocios y manager quien le ayudó a conseguir su sueño, ser la primera mujer afroamericana en llenar estadios como lo hacían los Rolling Stones, lo hizo cientos de veces por todo el mundo. Se convirtió en esa figura que todos amaron, la que enseñó a bailar a Mick Jagger, la que enfrentó en talento vocal y escénicamente a David Bowie, cantó con Bryan Adams, Sting, Eric Clapton, Rod Stewart, combatió con Mel Gibson en Mad Max III, hizo alucinar a Roger Daltrey y todo The Who en Tommy, inspiró a Beyoncé, interpretó un tema de James Bond, brilló en Live Aid cantando con una pléyade de estrellas, esa era Tina Turner, una mujer irrepetible.

Ahora todo el mundo rendirá homenajes, se harán especiales y volverán a la popularidad sus canciones, películas y documentales. Lamentablemente tuvo que partir de este plano para volverla a tener sonando en los altavoces o auriculares, sin embargo, es un extraordinario pretexto para estremecernos nuevamente con esa voz y disfrutar la belleza de su música y de la persona que era. La pérdida ha sido enorme.

Escucha en Spotify esta playlist para recordar a Tina

https://open.spotify.com/playlist/5sLPLJE3OUIUsCngnRLYxX?si=7d48e95e615f4164

Metallica - Lanza su mejor disco desde… tal vez el Black Album

Metallica 

La banda californiana lanza su mejor disco desde… tal vez el Black Album

por Benjamin Salcedo

Tuvieron la suerte de estar en el momento adecuado, haciendo la música correcta, el mercado les abrió sus puertas y lo canalizaron como ningún otro grupo de rock duro. Después se durmieron en sus laureles y ahora nos muestran que llegar a los 60 años es solo un número, haciendo uno de los mejores discos de toda su carrera.

La portada promete algo interesante, con esa cuna destrozada con guitarras, lentes, bebidas y muchas otras cosas carbonizadas esparcidas por el suelo, las tonalidades amarillo y negro evocan una señal de “alerta o peligro” y la advertencia es justificada pues estás por escuchar una avalancha de thrash metal. Las 72 estaciones a las que hace mención el título corresponden a los 18 años de los 4 integrantes antes de convertirse en adultos, esos años que los formaron como personas.

Temas muy rápidos como “Lux AEterna”, el primer sencillo, que recuerdan los poderosos inicios de la banda con Kill ‘Em All pero el disco no es solo velocidad, también contiene melodías elaboradas pesadas como “Screaming Suicide” que mezcla lo mejor de sus inicios con un sonido más actualizado. Igualmente hay temas de una mayor duración como el que da título al disco y el cierre con “Inamorata” de 11 minutos, emulando lo que comenzaron a hacer en Master of Puppets y continuaron en And Justice for All. 

En sus 40 años en el negocio y una docena de discos es la banda del género más famosa del planeta, sus canciones han madurado a la temática de adultos que siguen teniendo algunas de las inquietudes y miedos de la juventud, ahora también hablan de divorcios, separaciones y otras frustraciones de ese modo oscuro que les caracteriza. Nunca han tenido miedo de exponer sus flaquezas públicamente, recordarán ese documental donde lavan sus trapos sucios públicamente a manera de terapia.

Los 7 años que pasaron desde su decepcionante disco anterior Hardwire.. to Self Destruct les sirvieron para juguetear con sus discos con sonidos sinfónicos, hacer tours con otras bandas del género, ahhh! y se atravesó una pandemia, lo cual hizo que pasaran relativamente rápido. Compuesto y grabado durante la contingencia, difícilmente podría uno pensar en ella con la velocidad y potencia.

 

Un álbum excepcional, maduro e inteligente, poderoso sin una sola balada, una forma muy digna de llegar al sexto piso con la frente en alto. También un buen presagio de que su próxima gira anunciada para 2024 no será únicamente una revisión de sus grandes éxitos y canciones del pasado, hay muy buen material aquí para incluir en el setlist y hacer algo totalmente nuevo y diferente. 

Temas recomendados:

Shadows Follow

Screaming Suicide

Lux AEterna

Chasing Light

Too Far Gone?

Room of Mirrors

Metallica - Shadows Follow

Animated Video

Pink Floyd - Medio siglo del Dark Side of the Moon

Pink Floyd 

Medio siglo del Dark Side of the Moon

por Benjamin Salcedo

Una de las obras cumbre de la historia del rock alcanzó los 50 años de existencia, su legado parece inalcanzable y su historia un verdadero hito para la posteridad. 

El día 1 de marzo de 1973 se daba a conocer el nuevo disco de una banda en ascenso, un cuarteto inglés que ya contaba con una buena base de seguidores y venía de hacer un disco bastante aceptable, que mostraba un sonido nuevo, muy diferente a lo que habían hecho en años anteriores.

El anuncio del lanzamiento de Dark Side of the Moon venía acompañado de varias anomalías, como por ejemplo, desde el 20 de enero de 1972 (un año antes), en Brighton Dome en Inglaterra, el grupo tocó el disco completo por primera vez en público. Después de una reunión la banda acordó probarlo en directo y probar cuál era la sensación del público, decidiendo el orden en el que iban a aparecer las canciones en el disco y creando una secuencia de luces para acompañar la actuación, además de estrenar nuevo equipo de sonido e instrumentos.

Esa primera presentación no terminó bien, a la mitad de “Money” comenzó un desagradable sonido agudo sostenido que tapaba todo lo que ellos hacían.

Detuvieron el show y se tomaron un descanso, un cortocircuito en el equipo de sonido hizo imposible reproducir cinta alguna y no pudieron continuar, regresaron a explicarle al público y tocaron material previo para concluir el concierto. 

Esta es solo una de las tantas anécdotas que hay sobre este icónico álbum, mismo que tiene el récord mundial de permanencia en las listas de Billboard de 741 semanas (más de 14 años), algo que remotamente veremos a alguien superar. Con las reediciones que se han hecho del álbum se estima que ese récord aumenta a más de 900 semanas. 

La portada del álbum es un prisma que descompone la luz en un arcoíris. Una brillante idea del famoso despacho de diseño Hipgnosis realizado por el genial Storm Thorgerson, nombre detrás de varias portadas importantes de muy diversos grupos y artistas.  

Pocas obras tienen tantas historias paralelas y relacionadas con su creación como esta maravilla. A finales del siglo XX se corrió el rumor de que el álbum estaba conectado con la película de 1939 El Mago de Oz, protagonizada por Judy Garland. Hasta nombre le dieron a este fenómeno The Dark Side of the Rainbow. Muchos ociosos se han aventurado a hacer el experimento y coinciden en que en efecto, varias escenas del filme se acoplan a la perfección con algunas de las canciones. 

Algo similar ocurre con la versión animada de la película de Disney de 1951 Alicia en el país de las maravillas, prácticamente sucede lo mismo que con la anterior, al ponerlas simultáneamente, ese fenómeno también fue bautizado como The Dark Side of Wonderland. 

Quien fuera el ingeniero de sonido de este disco, el mundialmente famoso Alan Parsons, nunca ha confirmado que exista esa conexión real o accidental con las películas ni influencia alguna durante la producción.

En una entrevista Roger Waters comentó que los latidos del corazón en la canción Speak to Me, fueron grabados por él, mientras visitaba a su esposa embarazada en un hospital. 

No es de extrañar que una obra conceptual como este disco que tiene enfoques con temas como la muerte, las enfermedades mentales, el significado de la vida y otros tópicos intensos y profundos de origen a muchas especulaciones y leyendas urbanas. 

Obviamente por tener tantos años, este disco ha sido editado en todos los formatos que han existido en la historia de la industria musical y algunos más inventados por la insaciable obsesión de las compañías disqueras. 

Edición del 30 aniversario en Hybrid SACD 5.1 Surround 

Edición del 40 aniversario Immersion Box con 6 discos, libro y varios souvenirs 

A mediados del pasado mes de enero, se anunció por parte de la cuenta oficial de Pink Floyd una reedición conmemorativa por los 50 años del disco, mientras tanto, el megalómano ex integrante y cofundador del grupo Roger Waters señaló que volvería a grabar todo el disco por su propia cuenta, eliminando toda participación de sus ex compañeros, con el absurdo pretexto de que el mensaje que quiso expresar no se captó por completo en 1973.

En cualquiera que sea la forma en que prefieras escucharlo, lo hayas hecho previamente, con detenimiento o no, es una de las cosas que nadie debería morir sin darse la oportunidad de experimentar al menos una vez en su vida. Algunos lo hemos escuchado tanto que conocemos el detalle más escondido, pero aún así, cada nueva escucha vuelve a sorprendernos o simplemente a deleitarnos con su magnífica belleza. 

Dale play y disfrútalo, nuevamente … 

Pink Floyd - Dark Side of the Moon (High Quality Audio)

Whitney Houston - La verdadera historia de una gran estrella

 

Whitney Houston

La verdadera historia de una gran estrella.

por Benjamin Salcedo

En los años 90 fue “la voz” que reinó en el mundo musical, se convirtió en una leyenda y ahora todos conoceremos su historia en “I Wanna Dance With Somebody” como cuentan sus protagonistas.

En años recientes se han realizado extraordinarias biopics musicales que han puesto a grandes artistas en la mira de las nuevas generaciones, iniciando con Bohemian Rhapsody, que hizo de Queen el grupo del siglo XX más escuchado en streaming; llegaría después Rocketman y Elton John se volvió una figura familiar para todos los artistas jóvenes y la generación de millennials y centennials; en 2022 Elvis hizo lo propio con el rey, una joya cinematográfica les recordó el origen del rock y la moda de la época a toda la juventud. Ahora el turno es para  Quiero bailar con alguien, la película  que celebra la trayectoria de Whitney Houston, una mujer que rompiera récords y sentó precedentes que no habían sido alcanzados previamente por ninguna otra estrella.  

Naomi Ackie es la actriz británica que da vida a Whitney, además de sus dotes histriónicas canta y lo hace muy bien, algo que facilitó la filmación de las escenas musicales, podemos ver cómo su respiración, la expansión de su pecho, sus movimientos corporales, la cara, su garganta, son reales y funcionan a la perfección en la evolución de las escenas. No aparece la voz en la película, salvo en unos casos que mencionaremos más adelante, pero eso llevó a un trabajo quirúrgico de la producción que retomó los masters y los masterizó para que suenen verdaderamente espectaculares. 

Naomi me comentó en entrevista exclusiva “Las partes que más disfruté fueron las grabaciones de las presentaciones, fue maravilloso poder interpretar las canciones de Whitney, les pedía que subieran la música lo más fuerte posible para escuchar cada detalle. De pronto me distraía tratando de entender cómo lograba alcanzar algunas notas o los juegos que hacía con su voz y me retaba a tratar de realizarlo lo cual era imposible, ella era “La Voz”, pero para mi fue demandante y lo disfruté mucho”. 

Naomi es una gran fanática de los musicales y tiene el gusto por el canto en su la vida real, “Me gusta mucho la música indie pop, R&B, y sobre todo el jazz, mi madre me crió escuchando música de grandes bandas, de Ella Fitzgerald y por supuesto Whitney Houston, la cual recuerdo en muchos momentos importantes de mi vida. Aunque nunca he pensado cantar profesionalmente ni grabar un disco, me gustaría en el futuro hacer una obra musical”.

Nafessa Williams 

Una de las grandes novedades que nos presenta la película, es la presencia de una amante, amiga, confidente de la que muchos –sobre todo en el mundo de la música– no teníamos la menor idea de su existencia . Se trata de Robyn Crawford, interpretada por Nafessa Williams, una joven y atractiva actriz norteamericana que tiene la oportunidad de brillar en este controvertido papel. “Ellas se conocieron muy jóvenes, a los 16 años, sabían que se atraían mutuamente, es una bella historia de amistad, confiaban y eran totalmente leales, esa clase de amistad que te acompaña en la persecución de tus sueños” nos comenta Nafessa, “Robyn es una persona real, que aún vive y fue muy importante para mi ser cuidadosa en la forma en que abordé su verdad y permitirle expresarla. Ella estuvo con Whitney todo el tiempo, respaldando sus momentos más complicados, sin importar cuáles fueran, eran almas gemelas”. Sin duda ver la relación con Bobby y su deterioro fue para Robyn demasiado complicado, primero por el gran amor que sentía por ella y también por considerar que no estaba haciendo una elección acertada. “Fue un reto para mi, me involucré en los sentimientos, el dolor, sus sueños y Whitney era lo más importante para ella, no poder tener lo que deseas es siempre doloroso, fue muy interesante hacer esa exploración de sentimientos y espero que Robyn esté contenta con lo que hice y también el público cuando vea la película”.  

 

Nafessa se inició como modelo aunque siempre tuvo la intención de dedicarse a la actuación, entre sus actividades actualmente está muy involucrada en temas de salud mental y moda, por lo cual debió de ser fascinante viajar a los años 80s y 90s para recrear el tipo de vestuario que se utilizaba en esas épocas. “¡Wow, eso fue lo mejor! Algunas de las prendas son reales, Robyn las usó, volver a esos años y notar cómo fue evolucionando la moda, lo que se quedó y todo lo que evolucionó, es sin duda una de las mejores experiencias para mi” me dice Nafessa emocionada. “El conjuntar los peinados, maquillaje y el vestuario es una parte muy importante en la transformación en la persona que vas a interpretar y eso fue divertido, Robyn era una persona con una vibra muy cool y tranquila que siempre cuidaba que su peinado se viera bien, fue interesante explorar ese personaje”.

Hay una escena para la que no había grabación de la voz de Whitney, la cual sucede en la iglesia, donde su madre Cissy le enseña a interpretar una canción, ahí escucharemos a Naomi cantar sin pistas. Otro caso fue cuando Clive Davis llega a Sweetwater a ver una actuación de Whitney y ella es materialmente empujada al escenario para interpretar “Greatest Love of All”, pero en esta ocasión ante lo imprevisto que resultó la voz de Whitney suena nerviosa y poco pulida. Naomi salió a interpretarla con esas características, nerviosa y totalmente en papel y poco a poco va adquiriendo seguridad y haciéndolo lo más realista posible.

En lo que respecta a las presentaciones, hay tres momentos muy especiales, ya que para recrear las presentaciones en televisión no existía una grabación multitrack, para ello en la interpretación de “I Didn’t Know My Own Strength” interpretada en el programa de Oprah; “Home” en el de Merv Griffin y “The Impossible Medley” de los American Music Awards fue necesario conseguir las grabaciones en estéreo de los programas originales, luego a través de un sofisticado software separar los elementos de la grabación y poder remezclar las partes de la voz de la estrella. Además de otros maravillosos trucos de grabación y filmación que te harán sentir como si Naomi estuviera cantando esas canciones frente a la pantalla.  La llamada “Imposible Medley” es la unión de “I Loves You, Porgy”, “And I'm Telling You I’m Not Going” y “I Have Nothing” en los AMA de 1994, un momento legendario con la cual cierra la película. 

Para este filme se contó con un equipo de lujo para cuidar absolutamente todos los detalles finos que aparecen, independientemente de la meticulosa producción para recrear fielmente los escenarios correspondientes, incluyendo su aparición en el Super Bowl, se puso énfasis en la cuestión visual, la dirección artística y el vestuario. Whitney tenía un estilo muy característico de vestir en su vida diaria, sus vestuarios para salir a escena eran icónicos, chamarras tipo torero, otras de piel, pantalones ajustados, vestidos de diseñador, todo un reto para el equipo encargado el reproducir estas prendas, pero también cambiaba constantemente de peinados y más de 30 pelucas fueron necesarias para igualar sus looks.

I Wanna Dance With Somebody es un  filme muy esperado que trasciende la banalidad de la que ha sido objeto la historia de Whitney, su triste final en ocasiones opacó o desvió la atención de lo realmente importante. Ahora la historia busca rescatar y celebrar todos esos logros y mejores momentos de su vida así como develar su intimidad como ser humano. 

Seguramente se unirá a la lista de grandes producciones biográficas de artistas musicales que trascienden con las nuevas generaciones.

Trailer oficial de la película

"Quiero bailar con alguien" (I Wanna Dance With Somebody")

 

Mis Discos favoritos del 2022

 

Mis discos favoritos de 2022 

Sonósferas

Por Benjamin Salcedo 

Como ya lo he vuelto una costumbre, cada año que termina aprovechando la gran cantidad de trabajos interesantes que se hicieron, hago un recuento de lo que considero lo más atractivo durante el año. Los discos que aquí les presento superaron expectativas, varios no fueron considerados por las listas más famosas y otros simplemente son propuestas personales de los más diversos estilos. 

Estos fueron para mí los mejores sin ningún orden en particular.

Beyoncé

Renaissance

Después de seis años de su anterior álbum Lemonade, regresa a la escena con menos ropa y más música para bailar. A diferencia de su anterior trabajo, la experimentación queda a un lado y vuelve a las raíces funk y R&B que domina para entregar un disco ameno, bailable y sobre todo un tributo a la música disco de los años 80, con un ejército de colaboradores y compositores nos presenta uno de los discos más atractivos del año. Escuchen “Cuff it”, “Cozy” o el primer sencillo “Break My Soul”, tus pies te lo agradecerán. 

The Weeknd

Dawn F.M

Había un desafío importante al tratar de superar un disco tan exitoso y popular como su trabajo anterior After Hours, para lo cual se decidió a realizar un trabajo conceptual que se desarrolla en una estación de radio. Plagado de buenos temas, más R&B y soul, pero quedó lejos de alumbrar las listas de éxitos como lo hiciera su antecesor. Eso no le quita un ápice de genialidad y seguramente será un aliciente para sus obras futuras. 

Arctic Monkeys 

The Car

Después de la gran expectativa generada por su anterior disco Tranquility Base Hotel & Casino (2020) todos queríamos saber qué planeaba la banda británica, el resultado es otro disco en el mismo tenor. Suave, elegante, con una vibra de música de película de James Bond o Burt Bacharach. Con la notable influencia que ejerció su experimento con Last Shadow Puppets, Alex Turner guía a su banda por este camino que les ha ganado muchos seguidores por lo original de la propuesta. Un disco encantador, “There’d Better Be a a Mirrorball”, “I Ain’t Quite Where I Think I Am” y “Mr Schwartz” son claros ejemplos de lo que les hablo.

Red Hot Chili Peppers

Unlimited Love/ Return of The Dream Canteen

La banda californiana no solamente regresó con un gran disco, hizo dos, con un total de 34 canciones entre ambos, de la cuales hay mucho material destacado. La producción de Rick Rubin les añade algo especial y la conjunción que tienen Kiedis, Flea, Smith y Frusciante es única. No hay banda que suene como ellos y cuando tienen tiempo para crear, como fue en esta ocasión, el resultado es un cúmulo de brillantes ejecuciones para escuchar detenidamente.

Tears For Fears

The Tipping Point

Pasaron 18 años para que volviéramos a escuchar un disco nuevo de estos británicos y la espera valió la pena. Envuelto en un halo de nostalgia, tristeza por temas personales, Roland Orzabal logra concretar esos sentimientos en piezas maravillosas, musicalmente ricas y sobre todo empaticas con el momento que vivía. Su estilo es fiel al que han manejado casi toda su carrera, pero las nuevas generaciones no habían tenido la oportunidad de vivirlo. Para quienes disfrutan de la música sentimental y melancólica tan de moda en la actualidad. 

Escucha una playlist de Spotify que contiene las mejores canciones de los discos de esta lista, en este link con una selección personal para que puedas disfrutarlos. 

Mis mejores discos de 2022

Taylor Swift

Midnights

El décimo álbum de la super estrella norteamericana llegó a arrasar con las listas de ventas y popularidad. El concepto son 13 historias que compuso a la medianoche y que tratan de temas como: Auto recriminación, fantasías de venganza, imaginar cómo hubiera sido, enamoramiento y decepciones, temas suficientemente intensos para lograr uno de sus mejores trabajos. Sacó 6 portadas diferentes y lo editó hasta en casete, ella domina la industria y hace lo que quiere, su público la apoya.

Simple Minds

Direction of the Heart

Uno de los discos menos probables a ser grandes era este nuevo álbum de los escoceses, sin embargo hicieron una obra destacada. Jim Kerr sigue cantando con esa voz seca pero melódica y su inseparable compañero Charlie Burchill no deja nota atrás para navegar temas de origen triste pero con sonido intenso y rítmico. Ya suman 19 álbumes y parecen no tener intenciones de parar de hacer buena música, como si todavía tuvieran algo que probar, hacen este disco con una muestra clara de poder, talento y muchas ganas de seguir vigentes.

Muse

Will of the People

Otra grata sorpresa este año fue el supuesto disco de grandes éxitos que se convirtió en un excelente álbum original, el trío británico decidió apostar por crear más material para ese encargo y en el trayecto realizó una colección de temas estupendos, se alejaron del sonido electrónico de sus previos y volvieron al rock accesible y brillantemente ejecutado. En los primeros años del siglo, cuando la juventud les guiaba por caminos novedosos. Un disco sorpresivo con mucha estamina.

Harry Styles

Harry’s House 

El tercer disco de Harry nos muestra una evolución, como cada uno de sus trabajos. Trabajó de nuevo con Kid Harpoon y Tyler Johnson (productores de Sam Smith y Shaun Mendes) y alcanza niveles notables, con un aire californiano, sonidos nostálgicos pero contemporáneos, del estilo de Bruno Mars o Mark Ronson. “As It Was” que irrumpió en listas y gusto del público de manera estrepitosa. El disco contiene material sublime como “Late Night Talking”, “Cinema” o la funky “Daydreaming” por mencionar algunas. Un disco estelar en este año que termina.

Wet Leg 

Wet Leg 

Una banda nueva de indie rock y post punk que flechó inmediatamente a quienes la escucharon. No es común que en su debut dos chicas (Rhian y Hester) suenen tan frescas que parece casi accidental. Con temas como “Chaise Long” y “Wet Dream” nos hicieron fantasear y corear sus pegajosas melodías, sencillas y adictivas, sin complicaciones. Una bocanada de aire fresco proveniente de dos jovencitas de la Isla de Wright.

Rina Sawayama

Hold The Girl

Algunos la conocimos haciendo una de las mejores (de las pocas) versiones de Metallica en el Blacklist, su interpretación de “Enter Sandman” ameritaba escuchar algo más de esta artista. Ahora sacó su nuevo trabajo y demuestra que tiene todo para llegar muy alto en el pop, arriesgándose con algo diferente. Tan necesario en este momento de la música, pero no es novedad, su anterior trabajo fue también extraordinario. La japonesa-inglesa tiene mucho que ofrecer. 

  

Ozzy Osbourne

Patient Number 9

Después de su regreso hace un par de años pareciera que era el final para una historia fundamental en el rock y en la parte más pesada en particular. Pero este año nos sorprendió con este nuevo disco, en donde se hace acompañar de grandes artistas como Eric Clapton, Jeff Beck, Tony Iommi, Mike McCready(Pearl Jam),  Zakk Wylde, Duff McKagan (Guns N’ Roses), Chad Smith (Red Hot Chili Peppers)  y otros más. 

Con mucha ayuda del productor pero suena como en sus buenos tiempos y las canciones son también muy competentes. Un muy buen disco de alguien que ha ido al infierno y regresado varias veces.  

Otros discos destacados 

Robbie Williams -  XXV

Liam Gallagher - C’mon You Know

Rammstein - Zeit

Charli XCX - Crash

Suede - Autofiction

Calvin Harris - Funk Wav Bounces Vol.2

Bob Moses - The Silence in Between

The Smile - A Light for Attracting Attention

Panic at the Disco - Viva las Vengeance

Escucha una playlist de Spotify que contiene las mejores canciones de los discos de esta lista, en este link con una selección personal para que puedas disfrutarlos. 

Mis mejores discos de 2022