Mis Discos Favoritos de 2021

 

Mis discos favoritos de 2021 

Sonósferas

Por Benjamin Salcedo 

Como cada año que termina hay una gran cantidad de listas de diferentes medios sobre lo que cada uno considera lo más interesante durante el año. Los discos que aquí les presento superaron expectativas, varios no fueron considerados por las listas más famosas y otros simplemente son propuestas personales de los más diversos estilos. 

Estos fueron para mi los mejores en orden estrictamente alfabético invertido, o sea, ninguno. 

The War On Drugs

I Don’t Live Here Anymore

Lo vuelven a hacer, por tercer trabajo consecutivo logran un resultado destacado, este nuevo álbum de la banda de Filadelfia continua con ese halo de melancolía estilo Dylan pero con voz e inteligible, no están tan deprimidos, usan sintetizadores vintage y un rock folk que forma una mezcla reconfortante de buen rock original. Buenas canciones que transmiten, algo ya poco común.

The Vaccines

Back In Love City

Un disco que no van a encontrar en las demás listas, los británicos hicieron un álbum espectacular plagado de temas rock pop que con un buen marketing deberían sonar en todas partes. 

Conservaron algo de su esencia alternativa punk pop pero le agregaron elementos como el western americano y una producción pop sueca de gran nivel. Música bailable y disfrutable, madura y arriesgada para volverse más accesibles. 

 

Silk Sonic

An Evening With Silk Sonic

Una mancuerna magnífica, Bruno Mars y Anderson Paak hacen uno de los grandes discos de soul, funk, R&B del año. Con una duración breve les es suficiente para demostrar que el talento de ambos se fusiona a la perfección para dar como resultado este delicioso trabajo. Si gustas de la música negra, que abarca todos estos géneros, más un poco de hip hop y de disco, este álbum es indispensable.  

Royal Blood

Typhoons

Un dueto poderoso que ya había dado muestras de su enorme talento con sus álbumes anteriores, pero ahora logra crear temas contundentes y consigue que sus melodías permanezcan en el subconsciente. Guitarras distorsionadas, pero con ritmo electrodisco, los ganchos melódicos se pueden atribuir a Josh Homme de QOTSA en la producción. Música británica alternativa que hace un viraje sonoro hacia el mainstream. 

Mastodon

Hushed and Grim 

Este cuarteto de Atlanta no hace un disco igual al otro, tienen la facilidad de variar su estilo conservando su esencia. Son indiscutiblemente metal, pero han llegado con este álbum muy cerca del progresivo (Rush, King Crimson). Mucho más mesurados y con un amplio sentido melódico a lo largo de hora y media. 

Emotivo y poderoso, fino pero sobre todo coherente. 

Si no son seguidores del género, puede ser una gran alternativa para conocerlo. 

Kylie Minogue

Disco

Su nombre lo dice todo, Kylie no está nada lejos de esa música, sus mayores éxitos tuvieron ese ritmo. Remembranza del Confessions.. de Madonna, la australiana nos entrega un álbum totalmente ochentero, ideal para las pistas de bailes y las fiestas caseras. Realizado en plena pandemia en diciembre del año pasado, Kylie muestra que la vida es mejor bailando y nos transporta a esa época dorada de la música de la mejor manera.

The Killers 

Pressure Machine

La evolución de este grupo de Las Vegas ha sido sorprendente, pasaron de ser la sensación generacional a una banda de estadio y con algunos cambios en la alineación se han convertido en una poderosa agrupación capaz de hacer discos extraordinarios. Este disco es un punto y aparte en su carrera, mucho más introspectivo, melancólico y profundo, pero no por eso menos espectacular. Brillante trabajo que depara un futuro muy interesante.

Justin Bieber

Justice 

Me sorprendió que muchas listas hayan ignorado la obra de Bieber de este año. Sin duda un salto cuántico en calidad, madurez y material. Como acostumbra se rodeó de las personas indicadas y realizó un álbum de pop de la más alta calidad. 

Si tienes tu reservas con él, en esta ocasión puedes darle la oportunidad, hay mucho talento en él, sus productores y la gente que lleva su carrera. No hay falla, para diferentes generaciones con criterio amplio.

Iron Maiden

Sejutsu

Con el paso de los años han madurado sin perder la fuerza que les caracteriza, logrando una amalgama sonora de tres guitarras y un bajo fuera de serie que llevan todos los temas con soltura y elocuencia. Historias épicas y narraciones diversas son el complemento perfecto para esta cabalgata sonora que coquetea con el progresivo. La voz sin los alcances de antaño no pierde poder y se enriquece con la edad. La prestigiada revista Classic Rock lo nombró el álbum del año.

Foo Fighters

Medicine at Midnight

Salió muy temprano en el año y por eso muchas listas se olvidan de este disco, pero la apuesta de Grohl y compañía de hacer música muy accesible y hasta bailable sin dejar de ser rock es plausible. 

El grupo ha hecho el mejor rock americano en las últimas 2 décadas así que puede darse este y otro lujos (Dee Gees por ejemplo).

Un disco ameno y fiestero, algo que se agradece ante tanta depresión y música hueca que abunda en el mercado. 

Duran Duran

Future Past 

Su nombre engloba perfectamente la idea del disco, el grupo tiene un pasado brillante, muy influyente y su sonido de los 80s dejó huella, en muchas partes de este trabajo se asoma ese sonido y nos remite a ese pasado, sin embargo, suenan actuales, gracias a la aportación de invitados que te ubican en un futuro inmediato, Con varios productores logran un disco sorprendentemente brillante y contemporáneo, sin perder el toque que los hiciera famosos. 

Coldplay

Music of the Spheres

Una visión futurista envuelve el concepto de este disco, aunque la música suena retro, mucho más ochentera que sus anteriores trabajos. La producción de Max Martin puede ser la clave. Más sintetizadores, ritmos pegajosos, bailables y absolutamente comerciales. Se allegan de invitados que suman a la posibilidades y potencial de la banda. Más electrónico y creado deliberadamente para disfrutarse en estadios. 

Adele

30

Cinco años después regresó y no solo bajó de peso y explotó su sensualidad al máximo, su voz sigue siendo prodigiosa y tiene nuevos tintes e intenciones. Con una orientación mucho más hacia el soul y el gospel en algunas canciones nos muestra que sus dotes pueden ser aprovechados de diversas formas, más allá de las baladas. Fue adoptada de nuevo por el gusto del público y las críticas positivas no hicieron esperar. 

Otros discos destacados: 

Greta Van Fleet - The Battle at The Garden's Gate

Ed Sheeran -  Equal 

Steven Wilson - The Future Bites 

Yes - The Quest 

The Dead Daisies - Holy Ground 

Inhaler - It Won't Always Be Like This 

Maneskin - Teatro d'ira

Dream Theater - A View From The Top of The World

Jake Bugg - Saturday Night, Sunday Morning 

Mammoth -  WVH

The Vaccines – Back In Love City, su fórmula musical mezclada con cine y ficción

 

The Vaccines – Back In Love City 

Su fórmula musical mezclada con cine y ficción

Por Benjamin Salcedo

El grupo alternativo británico realiza el mejor disco de su carrera, buscan éxito comercial con su originalidad mezcla de pop y rock.

Con este nuevo trabajo Back In Love City el quinto en una década, intentan realizar un disco concepto de manera discreta. Con fuerte influencia de cintas icónicas del estilo Western, pero como si se desarrollara en un escenario del futuro tipo las Vegas. Todo inspirado por el incremento de la desconexión el pasado año y medio.

¿Suena complejo? Déjenme explicarlo mejor. Back in Love City sucede en una locación ficticia futurista en el cuál el amor y todo tipo de emociones se han agotado y únicamente se pueden sentir por medio de una conexión de tipo eléctrico, como si fueran celulares que requieren batería, conectados. 

El estilo típico de los Vaccines siempre ha sido el alternativo, con elementos de rock, britpop y un poco de punk. Ahora muestran una notoria influencia de la cultura pop americana, de bandas como los Beach Boys, The Black Keys o The Ramones, muestran su amor por la nostalgia americana en un disco muy agradable. 

Han realizado buenos álbumes, su debut What Do You Expect From The Vaccines (2011) conquisto varios oídos con temas como “Post Break Up Sex” y sus otros tres álbumes siempre han contenido música de alta calidad.

Su sonido ha evolucionado, ahora con la participación de los productores Fryars (inglés) y Ledinsky (sueco) que han trabajado con artistas pop de fama internacional (Carly Rae Jepsen, Shakira, etc) le aportan accesibilidad al sonido de este álbum, lo cual les sienta de maravilla.

La música es una muestra de su madurez, con toda la experiencia que los años le han dado, pero sin perder lo espontáneo escribiendo grandes canciones. Es más narrativo y visceral al mismo tiempo, algo distinto a lo que habían hecho previamente, se nota que disfrutaron haciéndolo.

Es música bailable, totalmente disfrutable, si no los conocen háganse un favor y denle play, no se van a arrepentir. Si ya los conoces, también dale la oportunidad, es un disco estupendo. 

Temas recomendados: "Back In Love City", "Alone Star", "XCT", "El Paso" y "Bandit".

The Vaccines 

Alone Star 

Yes - La frescura permanece aún después de medio siglo

 

Yes 

La frescura permanece aún después de medio siglo

Por Benjamin Salcedo

Desde finales de los años 60s Yes irrumpió en la escena progresiva mundial con enorme éxito, inician la década de los años 20s con una bocanada de aire fresco y la convicción de que el talento se sobrepone a cualquier circunstancia.

Desde el lamentable fallecimiento en 2015 de Chris Squire, bajista y fundador, líder absoluto de Yes desde sus inicios, el futuro de la banda parecía incierto. Nunca había salido un disco de Yes sin él, ahora su ausencia pronosticaba un final definitivo para el grupo.

Ya se habían dado cambios importantes poco tiempo antes, con la llegada en 2011 de Benoit David en las vocales ocupando el lugar del eterno Jon Anderson en el álbum Fly From Here, pero su voz era demasiado parecida y muchos no lo recibieron con agrado. 

Unos años después llega Jon Davison con un timbre alto, en la tesitura de su tocayo Anderson, pero con una diferencia sutil que le permitía un sonido propio, no como un cantante de banda tributo. Con él grabaron inicialmente Heaven & Earth e hicieron giras hasta que Squire se fue definitivamente. 

Los años posteriores sirvieron para reestructurar al grupo y ver si eran capaces de continuar sin la guía de su eterno líder, el enorme en tamaño, técnica e importancia Chris. Unieron dos grandes discos de su catálogo y salieron a tocar la gira Topographic Drama – Live Across America con relativo éxito que dio como resultado un disco doble en concierto. La banda cumpliría 50 años de existir en 2019 e hicieron la gira y disco Yes 50 Live y posteriormente el Royal Affair tour: Live from Las Vegas. 

Todo parecía indicar que los portadores del nombre se dedicarían a tocar en todos lados las canciones que hicieran famosas en su brillante trayectoria y algunos experimentos con el mismo material. 

Sin embargo, este año nos sorprenden con el lanzamiento del álbum doble The Quest y como su nombre lo indica, están en búsqueda de autenticidad, de demostrar que Yes es un ente conformado por todas sus partes y aun con la pena y falta de su líder son capaces de hacer un buen disco y nueva música para sus seguidores de toda la vida y nuevos escuchas. 

Regresa a la banda Billy Sherwood que había dejado al grupo desde The Ladder en 1999 para cubrir ahora el lugar de bajista que dejara Squire. La pandemia canceló toda presentación y les permitió enfocarse en pulir este material en el encierro. Con Davison como principal escritor de las letras y la experiencia total de los otros tres integrantes con más tiempo en la banda: Steve Howe (guitarra), Alan White (batería) y Geoff Downes (teclados), el resultado es encomiable. 

Un disco dulce, finamente ejecutado que lleva el ADN de la banda de toda la vida, pero nos muestra caminos nuevos, por difícil que esto pudiera parecer. De nuevo la voz de Davison suena distinta, pero a la vez familiar. Es Yes, en esencia, pero con un delicado toque de frescura. Hay creatividad de sobra, todos participan en la composición de los temas del grupo y se reparten responsabilidades y méritos. 

“The Ice Bridge”, no solo abre el álbum, también es el primer tema que se dio a conocer y debuta en el top 20. Suenan como si fuera un grupo con una nueva orientación dentro de las características de su música, temas como “Dare To Know” contienen el inconfundible sonido, mientras que “A Living Island” y “Damaged World” mantienen una cierta nostalgia en lo lírico, pero fuerza y drama en la música. 

Tal vez como un simbolismo, pero un ave fénix se asoma entre el logotipo de vitrales creado por el genio de Roger Dean, su diseñador de cabecera. 

Definitivamente inesperado este nuevo material, reúne los requisitos que cualquier fanático de la banda o del género progresivo pudiera buscar en un disco de Yes. Si no lo han escuchado, no pierden nada en darle la oportunidad, estoy seguro que a más de uno le endulzará el oído y descubrirá que sigue habiendo magia en estos genios legendarios. 

Yes - The Ice Bridge

Escucha el álbum The Quest en este enlace 

https://open.spotify.com/album/5mJQGS0NqD41OGyM77vIX9?si=WvSg_dyMTm2_MndTriMFbg

Duran Duran - Future Past, cuatro décadas de hacer que se mueva el esqueleto

 

Duran Duran

Future Past, cuatro décadas de hacer que se mueva el esqueleto

Por Benjamin Salcedo

Hay grupos que difícilmente sobreviven el paso del tiempo, se separan, se les acaba la creatividad o simplemente deciden vivir de sus regalías a la sombra de la fama. Esta banda británica, por supuesto que no es de esos.

Claro que Duran Duran ha pasado por distanciamientos, en 1985 se partió en dos bandas, ambas extraordinarias: Power Station y Arcadia. Después se reunieron únicamente tres de ellos durante algunos años. Volvieron a estar los cinco originales y hoy en día permanecen como cuarteto con miembros que estuvieron desde su primer álbum hace 40 años.

Dan a conocer su nuevo trabajo discográfico, el decimoquinto de su carrera mismo que fue antecedido por algunos temas develados poco a poco desde mayo pasado. Producido en su mayoría por Erol Alkan pero con la participación de dos gigantes en algunos temas: Mark Ronson y Giorgio Moroder. En esta ocasión tienen un invitado especial en la guitarra, Graham Coxon (Blur) quien no solo toca en algunos temas, es coautor en más de la mitad de las canciones del disco. 

Primero conocimos “Invisible” que nos daba una muestra de que la banda estaba intacta, algunos sonidos novedosos, con esos puentes melódicos infalibles. Lanzaron un video sumamente abstracto, generado por un programa de computadora que podía transformar emociones humanas en visuales. No es el mejor tema del disco para ser el primer sencillo, pero es una agradable canción con un pre coro sobresaliente y Simon cantando maravillosamente. 

Después fue el turno de “More Joy” y como su nombre lo indica un sintetizador alegre y juguetón marca la pauta para que inevitablemente aparezcan esos coros pegajosos, en esta ocasión con la participación en ellos de la banda japonesa Chai. Nuevamente el potencial comercial del grupo se pone de manifiesto en esta pieza divertida y hermosamente ejecutada. 

El tercer tema fue “Anniversary”, uno de los mejores del disco, con una sección rítmica poderosa, con las percusiones de Roger y el bajo de John acoplados a la perfección. Una celebración musical en donde Simon canta al inicio “Come celebrate this unión”, con un coro que se asimila como solo ellos nos han acostumbrado y ese “turu-tutu- ru-tu” que no dejarás de repetir una y otra vez después de escucharlo. Cuenta también con la participación de Graham Coxon. Si se fijan bien tal vez encuentren algunos sonidos de de otros temas de su larga carrera. 

Más recientemente apareció “Tonight United”, aquí la participación en la producción corrió a cargo del maestro Giorgio Moroder. Un ritmo bailable machacante muy a su estilo con Nick haciendo maravillas con sus sintetizadores y un bajo impecable de John Taylor, sin duda un tema sensacional hecho específicamente para bailarlo. Simon tiene un don para hacer que sus coros permanezcan en la memoria por largos periodos de tiempo, se les llama earworms y adornan esta magnífica canción.

En una plática con este último me contó “Siempre hemos sido muy fans de Giorgio, desde los años 70s, incluso habíamos intentado que produjera algún disco anteriormente, pero no se había dado la oportunidad”. “El tiene un sonido muy característico, pero queríamos que sonara moderno y a Duran Duran, llegó con su pequeño maletín con el sintetizador y empezó a secuenciar y a integrarse a nuestro sonido”. Fue maravilloso trabajar con alguien con tanta influencia, su mente es tan ágil, realmente lo escuchamos, fue una hermosa experiencia”.

Unos días antes del lanzamiento del disco completo se liberó el 5º tema “Give It All Up”, compartiendo créditos con Coxon y la invitada especial Tove Lo, quien hace diversas voces. Tan de moda actualmente el asunto de los invitados en las canciones, pero esta da como resultado otro de los mejores temas del disco, nos recuerda con ese sintetizador del inicio a sus primeros discos, tomando posteriormente a un tono más obscuro, los loops lo hacen que suene moderno sin perder la esencia del grupo. Cuando llega al puente comienza la ebullición de beats y el tema toma otra dimensión hasta llegar a su coro final.

Ahora que ya está todo el disco disponible podemos disfrutar el resto de las canciones como “All Of You”, una joyita con Coxon que inexplicablemente no fue el primer sencillo, con el bajo funky de John resonando para dar entrada a una excelsa composición musical del resto de la banda. El coro es sin duda una fuerte influencia de la música disco, con alguna reminiscencia a uno de sus grandes ídolos, David Bowie. Un tema especialmente bailable, muy funk y divertido. Una de las favoritas.

“Future Past” una hermosa balada que da nombre al álbum, donde Simon nos muestra porqué siempre se han destacado las letras complejas de la banda, con mucho fondo y metáforas fascinantes. Emocional y musicalmente soberbia. 

Otro tema con Moroder, “Beautiful Lies” incluye su crédito de compositor y el inconfundible sello característico de la leyenda, lo cual no es garantía para que sea un super tema, bastante decente con un trabajo de teclados interesante entre él y Nick, pero nada más. En “Wing” nuevamente destaca la guitarra de Coxon, pero además se integra la producción y participación de Mark Ronson. Nuevamente destaca la composición, muy superior a los últimos discos, el grupo definitivamente volvió por sus fueros y quiere dejar una impresión de que todavía hay banda para un buen rato.

Cuando parece que ya escuchamos todo, nos sorprenden con “Nothing Less” con Nick demostrando la importancia de su aportación a lo largo de la historia de la banda, así como las letras de Simon con una guitarra un tanto pinkfloydiana y majestuosa, cortesía de Coxon. 

Se dan el lujo de intentar rapear en “Hammerhead” con la participación de Ivorian Doll, pero definitivamente no es lo suyo, no por eso es un mal tema, por el contrario, aunque suena chusco tiene su encanto. Finalmente, el cierre viene con “Falling” en el cual participa el ex- tecladista de Bowie, Mike Garson y el tema suena al camaleónico maestro obviamente, un poco blue eye soul sobre todo por el piano final.

Es imposible saber si habrá más música de esta ya legendaria agrupación, sin embargo, para quienes tenían un mal sabor de boca con su anterior Paper Gods (yo no lo considero tan malo), definitivamente amaran este nuevo trabajo. No hay una canción de relleno y sí muchas destacadas como de lo mejor de su repertorio. La base musical es sublime y están de vuelta con un magnifico álbum. 

 

Duran Duran

"Anniversary" music video

Nirvana - El inimaginable despegue de Nevermind hacia la gloria

 Nirvana 

El inimaginable despegue de Nevermind hacia la gloria

Por Benjamin Salcedo

Se cumplen tres décadas de la aparición de un disco que marcó un cambio radical para la música alternativa en el gusto y la popularidad mundial. 

En el año de 1991 sonaban en los oídos del público los éxitos de Michael Jackson, el novedoso y edulcorado Black Album de Metallica, los Red Hot Chilli Peppers, Pearl Jam también comenzó a oírse y verse en MTV con “Once” de su álbum Ten, pero de pronto, en el mes de septiembre una canción comenzó a ganar espacio y a retumbar como ninguna otra. 

Era un riff poderoso, contagioso, casi adictivo, una banda undeground de Seattle Washington que había tenido un primer disco bastante común y corriente con la disquera Sub-Pop de repente logró que el mundo se maravillara con la crudeza de sus letras y lo directo de su sonido con un nuevo trabajo, matando por completo a los grupos de hard rock comercial. 

Había nacido una estrella en el firmamento del rock mundial, Kurt Cobain era el nuevo mesías que daría inicio a una corriente musical avasalladora y fascinante, el Grunge había aparecido para dominar las listas durante un lustro al menos.  

“Smell Like Teen Spirit” fue el parteaguas y carta de presentación, un video oscuro, delirante, juvenil como su nombre los indicaba que se desarrollaba en un colegio.

Estábamos ante una obra que culminaría tal vez como el disco más importante de rock de los 90. 

El trabajo en la producción de Butch Vig fue notable, transformó al grupo con un sonido brillante y realista, con la suficiente fuerza en donde era necesario y espacios más delicados y acústicos para irrumpir nuevamente con machacantes riffs, destacando la sección rítmica con Dave Grohl en batería y Kris Novocelic en el bajo, que proporcionaban un poderoso acompañamiento a la desgarradora voz de Cobain. Sin duda la fusión del punk, garage americano y rock duro no había encontrado mejor fusión hasta ese momento.

Las letras de Cobain, eran delirantes, llenas de ira y angustia, con una carga de depresión muy importante pero envueltas en un coraje que se hacía notar. Sin ser un cantante destacado, su estilo lo llevó a un altar rápidamente. Sus furiosas letras eran explosivas, habla de asuntos crudos y reales, con “ganchos” melódicos que hacían irresistible su masiva aceptación. Kurt, fanático de los Beatles y de Lennon en particular ocuparía un lugar a su lado tres años después. 

Los éxitos fueron desfilando “Come As You Are”, “Lithium”, “In Bloom” y la dramática “Polly”. El resto del disco no era de relleno, muchos temas valían la escucha e inmediatamente esa portada del bebe acuático tras el dólar se volvió icónica. 

La puerta estaba abierta y muchos grupos la aprovecharon, Pearl Jam, Soundgarden (que ya tenía varios discos, también en la misma disquera), Alice In Chains, Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins y varios más se unieron a Nirvana en el paraíso que fue el grunge, inclusive se impuso una moda de vestir que caracterizaba a este movimiento.

 

Nevermind logró devolverle la pureza al rock, lo revitalizó y dominó la década entera, logrando más de 10 millones de discos vendidos, en una época cuando todavía se contaban las unidades físicas. Eso impulsó su primer álbum y el tercero y último en vida de Kurt. Después, como suele ser costumbre aparecieron varios más discos póstumos de rarezas, en vivo, Unplugged y varios otros.

Disfrútenlo, aprécienlo, nunca volvieron a hacer algo de esta magnitud y Kurt prefirió quitarse esa responsabilidad. 

Nirvana - Smell Like Teen Spirit

Iron Maiden - El diverso y excéntrico universo sonoro de Senjutsu

 

Iron Maiden

El diverso y excéntrico universo sonoro de Senjutsu

Por Benjamin Salcedo

El decimoséptimo álbum de Iron Maiden sigue en la línea melódica pesada y refinada que han caracterizado sus trabajos del siglo XXI.

Conforme pasan los años, la música de Iron Maiden se va haciendo cada vez más estilizada, no tratan de tocar cientos de notas por minuto, han desarrollado y perfeccionado la importancia de la melodía tanto vocal, como la de su inconfundible bajo y la de sus tres guitarras, pero no por eso crean que se han suavizado. 

Su antecesor Book of Souls de 2015 mostraba esas tendencias progresivas, épicas en sus melodías que recordaban tanto a sus legendarias obras como sus obras más recientes, con tendencia a la magnificencia. Ahora en Senjutsu simplifican las formas, nuevamente entregan un disco doble, pero en este se nota que no estuvieron tanto tiempo en el estudio, ya que grabaron este disco en un receso del Legacy of the Beast Tour en 2019 y esa espontaneidad es evidente con una colección de sus más finas canciones en su ya extensa carrera. 

Para los fanáticos de las entradas épicas como casi todos sus discos, abren con el tema que intitula el álbum y es una canción pesada, con una batería que recuerda a los tribales tambores de guerra, cadenciosa e intrigante. Siguen los dos sencillos que se escucharon con anterioridad, “Stratego” es más familiar y típico Maiden moderno con una melodía accesible, pero llega el turno de “Writing On The Wall”, su primer sencillo y aquí muestran un sonidos más orientado al blues rock, un poco western, genial tema de Dickinson con Adrian Smith, si no han visto el video, es muy recomendable, con muchas imágenes que recuerdan a la fantasía típica de la revista ilustrada Heavy Metal, famosísima por allá de los años 80’s, historia basada en temas bíblicos, actualizada al estilo del nuevo Eddie (lo puedes ver al final de esta reseña). 

Hay varios temas largos, que tanto gustan al grupo y a sus seguidores, 5 de las 9 canciones superan los 8 minutos de duración lo cual les da tiempo para dejar al bajo de Harris y sus tres guitarras fluir y crear atmósferas y ritmos como solo Maiden sabe hacerlo y tantos tratan de imitarlos. La voz de Bruce sigue destacando, también ha madurado, sin forzarla a los extremos que solía en los años 80’s pero con la misma potencia cuando se requiere. “Lost In a Lost World” es melancólica y emocional, acústica y de pronto irrumpe como estampida, pero el manejo de los tiempos y los climax es brillante, el tema te lleva y te trae de un lado a otro, cambiando ritmos y velocidad.

Muy similar en estructura es “Days of Future Past” solo que más corta y accesible, inspirada en el comic y película de Marvel, Constantine. El primer disco cierra con “The Time Machine” con una genial entrada acústica y la progresión del tema va haciéndose cada vez más compleja. Heavy progresivo y melódico en su máxima expresión. 

El segundo disco contiene únicamente 4 canciones. La más corta es “Darkest Hour” que al igual que la película del mismo nombre trata sobre la segunda guerra mundial y las decisiones de Sir Winston Churchilll, una canción sencilla que permite apreciar a Bruce en todo su esplendor. Pero después el turno es para las grandes creaciones épicas de Steve Harris y en 3 temas suman casi 35 minutos. 

Con “Death of The Celts” logran ese aire folk que su nombre invoca, una vez más prolongan por más de 10 minutos un sentimiento acústico y una temática que evoca antiguas batallas guiadas por el inconfundible bajo de Harris. Cabe destacar el juego que realizan las tres guitarras para crear esos sonidos celtas a través de pasajes instrumentales memorables.

Los riffs pesados regresan con “The Parchment”, contundente, con sonidos que rayan en lo operístico pero de forma instrumental, la historia habla de la matanza de infantes a manos de Herodes, con la presencia de guitarras procesadas y veloces solos.

Cierra el álbum con “Hell On Earth”, tema que se divide en dos partes claramente, la primera más melódica y la siguiente llena de teatralidad, tema apocalíptico a manera de conclusión oscura pero sumamente elegante.

Más diverso que su antecesor, pero absolutamente brillante. Una banda que sin tener absolutamente nada que probar a nadie, sigue haciendo música ambiciosa, la edad no parece hacer mella en su poderío y al mismo tiempo le otorga toda esa experiencia que solamente cuatro décadas de trayectoria te dejan marcadas en la piel. 

No se engañen, a pesar de lo ruda que parece la portada con un Eddie samuraí, el disco es un estilizada y perfectamente elaborada obra maestra de rock duro melódico de máxima calidad. Escúchalo varias veces, descubrirás en cada una de ellas algo nuevo de gran valor. 

Charlie Watts - El corazón rítmico de las piedras rodantes dejó de latir

 

Charlie Watts

El corazón rítmico de las piedras rodantes dejó de latir

Por Benjamin Salcedo

Al mediodía del martes 24 de agosto se comenzó a esparcir la noticia, el baterista de toda la vida de los Rolling Stones había realizado su encore final. 

Si podemos hablar de elegancia, sobriedad tanto personal como musicalmente, uno de los primeros nombres que surgen era el de Charles Roberts Watts, dicho por aquellos que convivieron con él, músicos contemporáneos que tuvieron la oportunidad de tocar o hacer giras con los Stones. 

Era un hombre en extremo discreto, en escena nunca quiso robar atención, estaba perfectamente consiente de que su papel era otro. Con dos grandes monstruos al frente como Jagger y Richards, era absolutamente innecesario pretender ser algo más que el mejor baterista posible.

Algunos comentaros que Charlie no era un miembro original del grupo, ya que entró a la banda en 1963, unos meses después de su formación a cargo de Brian Jones, sin embargo, la formación original de una banda, se considera cuando aparece su disco debut, todo lo que sucede previamente es mera historia y anécdotas y Charlie, ha sido parte de absolutamente todos los discos del grupo desde su primer trabajo The Rolling Stone Vol. 1 en su natal Inglaterra o llamado England's Newest Hit Makers en los Estados Unidos. 

En un principio tuvieron que esforzarse para pagarle el sueldo de 5 libras semanales para que fuera parte de la banda, pero para ellos era fundamental contar con el competente baterista que hacía una mancuerna perfecta con el bajista Bill Wyman y con eso la base rítmica del grupo estaba cubierta.

Pocos saben que Charlie se caso un año después de entrar a la banda casi a escondidas de sus compañeros, en esos tiempos se pensaba que un artista famoso casado era mala publicidad para los fans, pero eso no le importó y en cuanto pudo fincó su residencia en el que fuera el pabellón de caza del arzobispo de Canterbury, el dinero obviamente empezaba a llegar a su cartera. 

Un personaje enigmático, famoso por coleccionar automóviles y trajes, se hacía confeccionar un traje que combinara con cada uno de sus autos, llegando a tener más de 200 de ellos, lo curioso es que no los conducía, simplemente le gustaba admirar sus diseños y detalles. Otra de sus excentricidades consistía en ser un apasionado de la memorabilia de la Guerra civil estadounidense y los libros del siglo XVIII. 

Charlie a diferencia de sus compañeros, se mantuvo alejado de las drogas (aunque no excento de algunos episodios) y de muchas de las excentricidades típicas del grupo, amaba el jazz y tuvo sus oportunidades de tocar y hasta grabar algunos discos con un quinteto como el tributo al genio del bebop Charlie Parker; solía simplemente sentarse en su batería y ejecutarla de manera exacta, cual metrónomo, nunca tocando de más ni haciendo aspavientos o movimientos espectaculares. No era de los que se levantan a lanzar las baquetas al público, mismo que noche tras noche le brindaba una ovación especialmente ruidosa. 

Era el pegamento que unía las piezas más volátiles, era el mayor del grupo y el único al que respetaban Mick y Keith, tal vez la única autoridad que podía llamarles la atención y se hacía escuchar. Esto lo compensaba con una discreta obediencia y fidelidad a “los chicos” como siempre los llamó cariñosamente.  

Su delicado estado de salud posterior a una intervención quirúrgica de emergencia hace unas semanas había encendido los focos rojos a la banda y la gira No Filter que estaban por retomar después de la pausa de la pandemia. 

Watts fue el primero en sugerir que se le reemplazara hasta que pudiera estar en condiciones físicas y médicas para retomar la gira. 

Para tal efecto se llamó a Steve Jordan, músico afroamericano que ha trabajado con artistas como Billy Joel, Eric Clapton, Neil Young, Stevie Nicks y John Mayer asi como en los discos en solitario de Keith Richards.

El regreso de Charlie es algo que ya no ocurrirá, ese reemplazo ocupará su sitio tras los tambores durante esta gira y quién sabe si en el futuro. Eso solamente el tiempo nos lo dirá. 

Lo más cerca que pude estar alguna vez de Charlie Watts

A Bigger Bang Tour 2006 - 2007 

Metallica - El controvertido y odiado, pero indiscutiblemente exitoso Black Album

 Metallica 

El controvertido pero indiscutiblemente exitoso Black Album 

Por Benjamin Salcedo 

La obra cumbre de Metallica cumple 30 años y con ello se removieron todos los cimientos de este controversial disco de la banda más famosa del Thrash Metal. 

Era el año 1991, durante los años 80s todos los fanáticos del rock pesado y heavy metal se hartaron de la parafernalia que fue el Hard Rock angelino conocido como Hair Metal despectivamente. Si bien surgieron algunos discos y temas rescatables, se convirtió en una parodia de lo que el género significaba realmente. 

Inglaterra siempre mantuvo la dignidad y sus artistas principales del género se convirtieron en estandarte: Iron Maiden, Judas Priest, Motorhead, Black Sabbath y Ozzy Osbourne por su cuenta y otros como Scorpions o AC/DC mantenían su status. 

Mientras tanto en los Estados Unidos se estaba gestando un movimiento principalmente californiano que irrumpiría con todo el poder y la ira llamado Thrash metal. Aparece en 1983, con Slayer y Metallica, un año después debuta Anthrax y posteriormente Megadeth, ellos son considerados The Big 4, aunque otros como Testament, Exodus y varios más hicieron discos destacados y sobre todo solidificaron un estilo radical, con música potente y letras contundentes.

Durante la segunda mitad los 80s se hicieron grandes discos dentro de este estilo, podría enumerar al menos uno de cada uno de estos grupos y agregarles algunos otros, pero destacaba Metallica, quienes siempre contaron con un apoyo de marketing mucho mayor al del resto de sus contemporáneos. En especial Master of Puppets de 1986 se considera como una obra mayúscula de su discografía.

De pronto apareció el Black Album en 1991 y todo cambió…

Al momento de su presentación hubo una gran controversia, ese sonido “accesible” que le había dado su productor Bob Rock era totalmente novedoso, se podía escuchar casi por cualquiera y lograba su cometido. De pronto pareció casi obligatorio que si te gustaba el rock tenía que gustarte este álbum. 

La radio le abrió las puertas y "Enter Sandman" se convirtió en un hit. Algo que nunca se hubiera imaginado nadie que había escuchado previamente a Metallica o a los demás grupos de Thrash metal que pudiera suceder. 

Los fanáticos acérrimos se sintieron decepcionados “Metallica se había vendido al Mainstreem” decían, eran un grupo popular y le gustaba a todo el mundo. 

Habían perdido velocidad e intención para ganar algo de pesadez y contundencia. Un metal edulcorado, para consumo masivo, logró el éxito comercial y le abrió las puertas de la fama y la fortuna al grupo. 

Conozco a muchos fans del grupo que sintieron asco al escuchar baladas como “Nothing Else Matters” y “The Unforgiven”, ¡¡¡ese no era el grupo que idolatraban, eso era pop metal!! 

Comenzó un amor-odio por el grupo y sus integrantes, que cabe decir, no son precisamente las personas más simpáticas ni agradables que existen. Los metalheads optaron por escuchar otras propuestas musicales más honestas como Pantera, Fatih No More, Sepultura y nuevas corrientes musicales más extremas.

Las puertas del éxito que comenzaban en la radio y sobre todo en la pantalla de MTV se habían derribado ese año con la aparición de dos obras maestras del rock que hicieron que todo el mundo volteara hacia Estados Unidos, Ten la obra maestra de Pearl Jam y Nevermind la joya de la corona de Nirvana llegaron simultáneamente, así Metallica se metió como la humedad en el gusto de los jóvenes que iniciaban una brillante década de los noventa con música nueva y fresca. 

Cabe mencionar que Metallica nunca volvió a hacer un disco ni remotamente tan exitoso como ese, intentaron volver a sus raíces, pero no lograron que los ofendidos volvieran a creer en ellos, ni a los nuevos fans les ofrecieron nuevas baladas o hits en la radio. Sin embargo, han vivido tres décadas de esa fama haciendo discos medianos y buscando trascender llevando su música al sonido sinfónico, por ejemplo. 

De que siguen llenando estadios, no cabe duda, tanto de detractores que van a criticarlos como de fieles que siguen pidiendo "Enter Sandman" y "Sad But True". De cualquier manera, eso no les debe de importar demasiado, las enormes cuentas bancarias que tienen les ayudan a sobrellevar cualquier controversia. 

Ahora con este aniversario se lanzó una colección de temas llamadas Metallica - The Black List con una serie de buenas interpretaciones de sus temas del álbum y también con unas aberraciones, levantando nuevamente la cloaca y generando aún más amor-odio con las nuevas generaciones. Pero eso ya lo comentaremos en otra ocasión. 

Metallica 

Intro/ Enter Sandman (Grabado en vivo en la CDMX 1993)