Iron Maiden - El diverso y excéntrico universo sonoro de Senjutsu

 

Iron Maiden

El diverso y excéntrico universo sonoro de Senjutsu

Por Benjamin Salcedo

El decimoséptimo álbum de Iron Maiden sigue en la línea melódica pesada y refinada que han caracterizado sus trabajos del siglo XXI.

Conforme pasan los años, la música de Iron Maiden se va haciendo cada vez más estilizada, no tratan de tocar cientos de notas por minuto, han desarrollado y perfeccionado la importancia de la melodía tanto vocal, como la de su inconfundible bajo y la de sus tres guitarras, pero no por eso crean que se han suavizado. 

Su antecesor Book of Souls de 2015 mostraba esas tendencias progresivas, épicas en sus melodías que recordaban tanto a sus legendarias obras como sus obras más recientes, con tendencia a la magnificencia. Ahora en Senjutsu simplifican las formas, nuevamente entregan un disco doble, pero en este se nota que no estuvieron tanto tiempo en el estudio, ya que grabaron este disco en un receso del Legacy of the Beast Tour en 2019 y esa espontaneidad es evidente con una colección de sus más finas canciones en su ya extensa carrera. 

Para los fanáticos de las entradas épicas como casi todos sus discos, abren con el tema que intitula el álbum y es una canción pesada, con una batería que recuerda a los tribales tambores de guerra, cadenciosa e intrigante. Siguen los dos sencillos que se escucharon con anterioridad, “Stratego” es más familiar y típico Maiden moderno con una melodía accesible, pero llega el turno de “Writing On The Wall”, su primer sencillo y aquí muestran un sonidos más orientado al blues rock, un poco western, genial tema de Dickinson con Adrian Smith, si no han visto el video, es muy recomendable, con muchas imágenes que recuerdan a la fantasía típica de la revista ilustrada Heavy Metal, famosísima por allá de los años 80’s, historia basada en temas bíblicos, actualizada al estilo del nuevo Eddie (lo puedes ver al final de esta reseña). 

Hay varios temas largos, que tanto gustan al grupo y a sus seguidores, 5 de las 9 canciones superan los 8 minutos de duración lo cual les da tiempo para dejar al bajo de Harris y sus tres guitarras fluir y crear atmósferas y ritmos como solo Maiden sabe hacerlo y tantos tratan de imitarlos. La voz de Bruce sigue destacando, también ha madurado, sin forzarla a los extremos que solía en los años 80’s pero con la misma potencia cuando se requiere. “Lost In a Lost World” es melancólica y emocional, acústica y de pronto irrumpe como estampida, pero el manejo de los tiempos y los climax es brillante, el tema te lleva y te trae de un lado a otro, cambiando ritmos y velocidad.

Muy similar en estructura es “Days of Future Past” solo que más corta y accesible, inspirada en el comic y película de Marvel, Constantine. El primer disco cierra con “The Time Machine” con una genial entrada acústica y la progresión del tema va haciéndose cada vez más compleja. Heavy progresivo y melódico en su máxima expresión. 

El segundo disco contiene únicamente 4 canciones. La más corta es “Darkest Hour” que al igual que la película del mismo nombre trata sobre la segunda guerra mundial y las decisiones de Sir Winston Churchilll, una canción sencilla que permite apreciar a Bruce en todo su esplendor. Pero después el turno es para las grandes creaciones épicas de Steve Harris y en 3 temas suman casi 35 minutos. 

Con “Death of The Celts” logran ese aire folk que su nombre invoca, una vez más prolongan por más de 10 minutos un sentimiento acústico y una temática que evoca antiguas batallas guiadas por el inconfundible bajo de Harris. Cabe destacar el juego que realizan las tres guitarras para crear esos sonidos celtas a través de pasajes instrumentales memorables.

Los riffs pesados regresan con “The Parchment”, contundente, con sonidos que rayan en lo operístico pero de forma instrumental, la historia habla de la matanza de infantes a manos de Herodes, con la presencia de guitarras procesadas y veloces solos.

Cierra el álbum con “Hell On Earth”, tema que se divide en dos partes claramente, la primera más melódica y la siguiente llena de teatralidad, tema apocalíptico a manera de conclusión oscura pero sumamente elegante.

Más diverso que su antecesor, pero absolutamente brillante. Una banda que sin tener absolutamente nada que probar a nadie, sigue haciendo música ambiciosa, la edad no parece hacer mella en su poderío y al mismo tiempo le otorga toda esa experiencia que solamente cuatro décadas de trayectoria te dejan marcadas en la piel. 

No se engañen, a pesar de lo ruda que parece la portada con un Eddie samuraí, el disco es un estilizada y perfectamente elaborada obra maestra de rock duro melódico de máxima calidad. Escúchalo varias veces, descubrirás en cada una de ellas algo nuevo de gran valor. 

Charlie Watts - El corazón rítmico de las piedras rodantes dejó de latir

 

Charlie Watts

El corazón rítmico de las piedras rodantes dejó de latir

Por Benjamin Salcedo

Al mediodía del martes 24 de agosto se comenzó a esparcir la noticia, el baterista de toda la vida de los Rolling Stones había realizado su encore final. 

Si podemos hablar de elegancia, sobriedad tanto personal como musicalmente, uno de los primeros nombres que surgen era el de Charles Roberts Watts, dicho por aquellos que convivieron con él, músicos contemporáneos que tuvieron la oportunidad de tocar o hacer giras con los Stones. 

Era un hombre en extremo discreto, en escena nunca quiso robar atención, estaba perfectamente consiente de que su papel era otro. Con dos grandes monstruos al frente como Jagger y Richards, era absolutamente innecesario pretender ser algo más que el mejor baterista posible.

Algunos comentaros que Charlie no era un miembro original del grupo, ya que entró a la banda en 1963, unos meses después de su formación a cargo de Brian Jones, sin embargo, la formación original de una banda, se considera cuando aparece su disco debut, todo lo que sucede previamente es mera historia y anécdotas y Charlie, ha sido parte de absolutamente todos los discos del grupo desde su primer trabajo The Rolling Stone Vol. 1 en su natal Inglaterra o llamado England's Newest Hit Makers en los Estados Unidos. 

En un principio tuvieron que esforzarse para pagarle el sueldo de 5 libras semanales para que fuera parte de la banda, pero para ellos era fundamental contar con el competente baterista que hacía una mancuerna perfecta con el bajista Bill Wyman y con eso la base rítmica del grupo estaba cubierta.

Pocos saben que Charlie se caso un año después de entrar a la banda casi a escondidas de sus compañeros, en esos tiempos se pensaba que un artista famoso casado era mala publicidad para los fans, pero eso no le importó y en cuanto pudo fincó su residencia en el que fuera el pabellón de caza del arzobispo de Canterbury, el dinero obviamente empezaba a llegar a su cartera. 

Un personaje enigmático, famoso por coleccionar automóviles y trajes, se hacía confeccionar un traje que combinara con cada uno de sus autos, llegando a tener más de 200 de ellos, lo curioso es que no los conducía, simplemente le gustaba admirar sus diseños y detalles. Otra de sus excentricidades consistía en ser un apasionado de la memorabilia de la Guerra civil estadounidense y los libros del siglo XVIII. 

Charlie a diferencia de sus compañeros, se mantuvo alejado de las drogas (aunque no excento de algunos episodios) y de muchas de las excentricidades típicas del grupo, amaba el jazz y tuvo sus oportunidades de tocar y hasta grabar algunos discos con un quinteto como el tributo al genio del bebop Charlie Parker; solía simplemente sentarse en su batería y ejecutarla de manera exacta, cual metrónomo, nunca tocando de más ni haciendo aspavientos o movimientos espectaculares. No era de los que se levantan a lanzar las baquetas al público, mismo que noche tras noche le brindaba una ovación especialmente ruidosa. 

Era el pegamento que unía las piezas más volátiles, era el mayor del grupo y el único al que respetaban Mick y Keith, tal vez la única autoridad que podía llamarles la atención y se hacía escuchar. Esto lo compensaba con una discreta obediencia y fidelidad a “los chicos” como siempre los llamó cariñosamente.  

Su delicado estado de salud posterior a una intervención quirúrgica de emergencia hace unas semanas había encendido los focos rojos a la banda y la gira No Filter que estaban por retomar después de la pausa de la pandemia. 

Watts fue el primero en sugerir que se le reemplazara hasta que pudiera estar en condiciones físicas y médicas para retomar la gira. 

Para tal efecto se llamó a Steve Jordan, músico afroamericano que ha trabajado con artistas como Billy Joel, Eric Clapton, Neil Young, Stevie Nicks y John Mayer asi como en los discos en solitario de Keith Richards.

El regreso de Charlie es algo que ya no ocurrirá, ese reemplazo ocupará su sitio tras los tambores durante esta gira y quién sabe si en el futuro. Eso solamente el tiempo nos lo dirá. 

Lo más cerca que pude estar alguna vez de Charlie Watts

A Bigger Bang Tour 2006 - 2007 

Metallica - El controvertido y odiado, pero indiscutiblemente exitoso Black Album

 Metallica 

El controvertido pero indiscutiblemente exitoso Black Album 

Por Benjamin Salcedo 

La obra cumbre de Metallica cumple 30 años y con ello se removieron todos los cimientos de este controversial disco de la banda más famosa del Thrash Metal. 

Era el año 1991, durante los años 80s todos los fanáticos del rock pesado y heavy metal se hartaron de la parafernalia que fue el Hard Rock angelino conocido como Hair Metal despectivamente. Si bien surgieron algunos discos y temas rescatables, se convirtió en una parodia de lo que el género significaba realmente. 

Inglaterra siempre mantuvo la dignidad y sus artistas principales del género se convirtieron en estandarte: Iron Maiden, Judas Priest, Motorhead, Black Sabbath y Ozzy Osbourne por su cuenta y otros como Scorpions o AC/DC mantenían su status. 

Mientras tanto en los Estados Unidos se estaba gestando un movimiento principalmente californiano que irrumpiría con todo el poder y la ira llamado Thrash metal. Aparece en 1983, con Slayer y Metallica, un año después debuta Anthrax y posteriormente Megadeth, ellos son considerados The Big 4, aunque otros como Testament, Exodus y varios más hicieron discos destacados y sobre todo solidificaron un estilo radical, con música potente y letras contundentes.

Durante la segunda mitad los 80s se hicieron grandes discos dentro de este estilo, podría enumerar al menos uno de cada uno de estos grupos y agregarles algunos otros, pero destacaba Metallica, quienes siempre contaron con un apoyo de marketing mucho mayor al del resto de sus contemporáneos. En especial Master of Puppets de 1986 se considera como una obra mayúscula de su discografía.

De pronto apareció el Black Album en 1991 y todo cambió…

Al momento de su presentación hubo una gran controversia, ese sonido “accesible” que le había dado su productor Bob Rock era totalmente novedoso, se podía escuchar casi por cualquiera y lograba su cometido. De pronto pareció casi obligatorio que si te gustaba el rock tenía que gustarte este álbum. 

La radio le abrió las puertas y "Enter Sandman" se convirtió en un hit. Algo que nunca se hubiera imaginado nadie que había escuchado previamente a Metallica o a los demás grupos de Thrash metal que pudiera suceder. 

Los fanáticos acérrimos se sintieron decepcionados “Metallica se había vendido al Mainstreem” decían, eran un grupo popular y le gustaba a todo el mundo. 

Habían perdido velocidad e intención para ganar algo de pesadez y contundencia. Un metal edulcorado, para consumo masivo, logró el éxito comercial y le abrió las puertas de la fama y la fortuna al grupo. 

Conozco a muchos fans del grupo que sintieron asco al escuchar baladas como “Nothing Else Matters” y “The Unforgiven”, ¡¡¡ese no era el grupo que idolatraban, eso era pop metal!! 

Comenzó un amor-odio por el grupo y sus integrantes, que cabe decir, no son precisamente las personas más simpáticas ni agradables que existen. Los metalheads optaron por escuchar otras propuestas musicales más honestas como Pantera, Fatih No More, Sepultura y nuevas corrientes musicales más extremas.

Las puertas del éxito que comenzaban en la radio y sobre todo en la pantalla de MTV se habían derribado ese año con la aparición de dos obras maestras del rock que hicieron que todo el mundo volteara hacia Estados Unidos, Ten la obra maestra de Pearl Jam y Nevermind la joya de la corona de Nirvana llegaron simultáneamente, así Metallica se metió como la humedad en el gusto de los jóvenes que iniciaban una brillante década de los noventa con música nueva y fresca. 

Cabe mencionar que Metallica nunca volvió a hacer un disco ni remotamente tan exitoso como ese, intentaron volver a sus raíces, pero no lograron que los ofendidos volvieran a creer en ellos, ni a los nuevos fans les ofrecieron nuevas baladas o hits en la radio. Sin embargo, han vivido tres décadas de esa fama haciendo discos medianos y buscando trascender llevando su música al sonido sinfónico, por ejemplo. 

De que siguen llenando estadios, no cabe duda, tanto de detractores que van a criticarlos como de fieles que siguen pidiendo "Enter Sandman" y "Sad But True". De cualquier manera, eso no les debe de importar demasiado, las enormes cuentas bancarias que tienen les ayudan a sobrellevar cualquier controversia. 

Ahora con este aniversario se lanzó una colección de temas llamadas Metallica - The Black List con una serie de buenas interpretaciones de sus temas del álbum y también con unas aberraciones, levantando nuevamente la cloaca y generando aún más amor-odio con las nuevas generaciones. Pero eso ya lo comentaremos en otra ocasión. 

Metallica 

Intro/ Enter Sandman (Grabado en vivo en la CDMX 1993)

Amy Winehouse - La voz que calló hace una década

Amy Winehouse

La voz que calló hace una década

Por Benjamin Salcedo

Sin lugar a dudas Amy Winehouse es la mejor voz blanca que nuestra generación ha conocido.

Ya son 10 años desde que la noticia de la muerte inminente de la cantante británica se dio a conocer, digo inminente porque fuimos testigos de su paulatino deterioro hasta llegar al triste desenlace. Ese 23 de julio de 2011 la voz más potente, distintiva y espectacular que habíamos escuchado en una mujer sin melanina corriéndole por las venas, había callado definitivamente. 

Lamentablemente su carrera fue muy corta, en vida solo dio a conocer un par de discos, sin embargo, quienes la escuchamos desde el primero de nombre Frank, sabíamos que estábamos ante algo histórico, esa voz que salía de nuestras bocinas o audífonos parecía que había viajado en el tiempo desde la década de los años 60s y que había cambiado de cuerpo de una robusta afroamericana en una delgada y en ese momento atractiva chica blanca de oscuro cabello y enormes ojos. 

Con una guitarra y su poderosa voz se abrió paso desde niña llegando a ser vocalista de la Orquesta Juvenil Nacional de Jazz a sus escasos 16 años y sus 20 estaba dando a conocer su primer álbum. En 2003 ese disco debut de inmediato taladra tu sentido auditivo y surge de inmediato el cuestionamiento ¿quién canta? 

Una naturalidad que erizaba la piel, sin mayor esfuerzo transitaba por la canción pintando un colorido y original lienzo sonoro. Esa Amy mostraba que estaba lista para romper el negocio musical como la nueva gran estrella que todo el mundo estaba esperando, aunque no lo supieran. 

Parecido a una noche en un oscuro bar, el primer álbum pasa de principio a fin dejando una sensación de nostalgia, pero a la vez de intriga. ¿De dónde salió esta mujer? Uno escucha “You Send Me Flying/Cherry”, “Stronger Than Me” o “Fuck Me Pumps” y no hay duda de que esas terapias que el padre le dio de Frank Sinatra -a quién hace alusión el título- habían funcionado a la perfección. Nominaciones a los Brit Awards y al Mercury Prize fueron inevitables. 

Pero llegaría la alineación de estrellas en el firmamento y para su segundo disco Back To Black con mejores canciones, hablando de experiencias amorosas, que en esos días vivía con su pareja Blake Fielder -a quien se le atribuye haberla inducido a las drogas- pero que logra canalizar en temas estupendos, plagados de sentimiento y en donde su voz florece hasta dimensiones inimaginables. 

Aparece la figura de un joven y extremadamente talentoso productor, Mark Ronson quien es en gran medida responsable del tremendo suceso que se deriva de esta soberbia producción. Un trabajo impecable y los éxitos empiezan a sucederse uno tras otro, así como la conquista del mundo entero que ya conoció a la Amy que todos recordaremos para siempre. Los premios y reconocimientos se vinieron en cascada, temas como “Rehab”, “Tears Dry On Their Own”, “Back to Black” se volvieron eternas y conforme su éxito y popularidad crecían, también su cuerpo se transformaba, perdiendo sus curvas hasta llevarla a una delgadez bulímica enfermiza, su cuerpo se comenzó a llenar de tatuajes y su cabello en algo que se volvería famoso por su volumen y longitud. 

Se convirtió tristemente en otro miembro del fatídico grupo del “Club de los 27” (Morrison, Hendrix, Janis, Kurt Cobain, etc…) en gran medida por la nefasta influencia de su marido Blake quien la llevó a un mundo oscuro de drogas y alcohol del cual ya no pudo regresar.

De esa manera una mañana, el barrio de Camden en Londres Inglaterra, se nubló –aún más- con la noticia de que la gran estrella había dejado este plano terrenal. 

Se lanzó un disco póstumo con material que había dejado grabado y que todos habíamos estado esperando bajo el nombre de Lioness: Hidden Treasures con temas brillantes que ya nunca escucharemos en su interpretación.

Hace unos días tuve la oportunidad de platicar con Mark Ronson, una de las personas más cercanas en carrera y vida personal y le pregunté si había escuchado en estos 10 años a alguna artista que tuviera el potencial de Amy, me respondió inmediatamente. “No, llevo diez años buscando a esa artista para poder darla a conocer, pero no la he encontrado”.

Y seguramente pasen otros más para que aparezca, esperamos llegar a escuchar y conocerla.

Amyy Winehouse 

Stonger Than Me (Live) 2003

Duran Duran - 40 años de romper esquemas y renovar expectativas

 

Duran Duran

40 años de romper esquemas y renovar expectativas 

por Benjamin Salcedo

Están por lanzar su nuevo trabajo, con renombrados productores y colaboradores, nadie imaginaría hace 4 décadas que esta banda británica llegaría para quedarse y sobreviviría lo que ninguna otra de su época.

Desde el comienzo fue una banda pionera, encabezaron el movimiento New Romantic con una música diferente, influenciada tanto por Bowie como por Roxy Music, fina y elegante, lo suficientemente moderna como para tener una base de sonidos electrónicos y sintetizadores como poderosa con una guitarra que sobresalía en cada melodía. Su ropa en ese momento fue única, siempre lo fue, han marcado moda toda su carrera, y musicalmente han sido la agrupación pop más dominante de las últimas 4 décadas. 

Pero esos cinco chicos de la industrial ciudad de Birmingham no se quedarían esperando el éxito, si es su debut de hace 40 años aparecieron canciones fundamentales como “Girls On Film” y “Planet Earth”, tenían preparada una sorpresa mayúscula con la elaboración de los videos más atractivos en su momento, justo en la irrupción del videoclip y MTV. Llegaron en el momento adecuado al lugar ideal. 

Siguieron discos inolvidables como Rio (1982) el que los hizo mundialmente famosos, Seven and the Ragged Tiger (1983) y luego una extraña, productiva y breve separación y su posterior reencuentro, además de un tema de James Bond y su participación en Live Aid. 

Otros discos con éxito moderado pero no por ello menos significativo como Notorious (1986), Big Thing (1988) y Liberty (1990) y cuando se pensó que habían pasado de moda, resurgieron y el mismo título del disco así lo sugería, llamado simplemente Duran Duran (1993 ) y conocido mundialmente como el “Wedding Album” por tener en su portada fotos de las bodas de sus padres. 

Ese disco los volvió a posicionar como una de las bandas más populares del planeta, aunque ahora para una nueva generación, “Ordinary World”, “Too Much Information” y la exquisitez de “Come Undone” el éxito había vuelto y con ello el legado continuaba hasta finales del siglo XX, aunque más discretamente con un disco de covers. En él hacen un recorrido por todas esas bandas que les influenciaron y llenaron sus oídos para convertirse en lo que fueron: Lou Reed, Iggy Pop, Led Zeppelin, The Doors, hasta pioneros del rap como Grandmaster Flash y Public Enemy, clásicos del soul como The Temptations, cuando uno ve esta lista es fácil entender por qué suenan así. 

Tiempo atrás se habían dado cambios de integrantes, manteniéndose básicamente el cantante Simon LeBon, el tecladista Nick Rhodes y el bajo de John Taylor, mientras que el baterista Roger Taylor salió un rato y regresó para quedarse definitivamente, el puesto más inestable ha sido siempre la guitarra, donde Andy Taylor creó una marca distintiva pero ha entrado y salido del grupo en varias ocasiones, hasta que sale definitivamente en 2007.

El nuevo siglo comenzó con una reunión de todos los integrantes originales y el excelso disco Astronaut de 2004, con grandes temas y nuevamente la proliferación de éxitos radiofónicos, el grupo lo había hecho de nuevo, para otra nueva generación. 

Han sacado otros 3 discos en este lapso con moderada repercusión, pero con mayor reconocimiento por parte de las nuevas bandas quienes los citan como influencias en muchos casos como: Beck, Garbage, No Doubt, Britney Spears, Justin Timberlake y Lady Gaga, por mencionar algunos, han elogiado a la banda. 

En este 2021 tienen listo un nuevo álbum que llevará el nombre de Future Past y lo que más sorprende no es su existencia, sino su inquietud. En la búsqueda de un sonido actual sin perder la esencia buscan la colaboración de uno de los productores más sólidos del momento Mark Ronson (Amy Winehouse, Bruno Mars, Robbie Williams, Lady Gaga, etc ) y para no perder el estilo de siempre logran al fin contar con el “expertise” del genial Giorgio Moroder (Donna Summer, David Bowie, Blondie, Daft Punk, etc) una leyenda de la música disco y electrónica. Emocionados por lo que les depara el futuro pero con una sólida base en el pasado y su inconfundible estilo musical. Puedes escuchar cualquiera de sus obras, de las 4 décadas y siempre el sonido te llevará a reconocerlos, es una marca registrada sin dejar de innovar y buscar nuevos caminos. 

Invitaron a Graham Coxon, guitarrista de Blur para el primer sencillo “Invisible” y esperamos muchas otras sorpresas cuando el álbum sea editado el 22 de Octubre próximo.

Todo esto para decirles que hace 40 años descubrí a un grupo excepcional, del cual he sido fanático intenso y disfrutado todos y cada uno de sus discos, sin excepción, hasta los que dicen que son malos. Con ellos vi los mejores videos en los 80 y he crecido apreciando su trabajo y talento, la forma en que se van adecuando a los tiempos y como disfrutan lo que hacen o al menos eso comunican con su música. Un romance auditivo y parte fundamental del soundtrack de mi vida.  

Girl Panic!  Duran Duran 

2011

Greta Van Fleet - The Battle at Garden’s Gate

Greta Van Fleet

The Battle at Garden’s Gate

por Benjamin Salcedo

Después de una espera considerable llega el segundo disco de la banda de Michigan, con muchas sorpresas intentando dejar atrás las comparaciones de su debut. Hay madurez a pesar de la juventud, evolución.  

Con su debut Anthem Of The Peaceful Army fueron comparados inevitablemente con Led Zeppelin, el timbre vocal de John Kiszka nos refiere a los mejores momentos del falsete de Robert Plant, asimismo la pirotecnia y habilidad en la guitarra de su hermano gemelo Jake nos recordaba esos momentos gloriosos de Jimmy Page, pero es muy sencillo señalar las similitudes en la música con esos monstruos, pero hacer un disco casi medio siglo después con las misma virtudes no es algo que cualquier banda pueda emular fácilmente. Lo que hicieron estos jóvenes en su debut y dos EPs que fueron publicados como un disco (From The Fire 2017) es difícil de lograr y más aún de ignorar, incluso grupos con mayor experiencia no lo lograrían. 

Después de un receso de casi 3 años en los que se dedicaron a viajar tocando por todo el mundo y ganando premios, nos entregan un nuevo trabajo y de inmediato lo primero que salta al oído es un cambio relativo en su sonido, tal vez motivado por las molestas descalificaciones previamente descritas intentan alejarse del sonido “zeppelinesco” y con el apoyo de Greg Kurstin, productor de Foo Fighter y McCartney inician una extravagante nueva odisea. 

El disco abre con “Heat Above” y un sonido de órgano que de pronto se transforma en un melódico rock, en esta ocasión se siente una mayor influencia de Rush y hasta la voz nos recuerda a Geddy Lee. Inmediatamente después irrumpe un poderoso rock en “My Way, Soon” con toda la fuerza de ser el mejor tema del disco. 

Cabe destacar el trabajo en la guitarra de Jake Kirszka, un joven de escasos 25 años que toca como todo un veterano, emulando sonidos y creando nuevos, sin duda un talento a seguir, sus arpegios y punteos de guitarra acústica son muy interesantes así como el uso de sus pedales. La madurez la podemos notar en “Build By Nations” donde los tiempos que la batería y Sam -el otro hermano- realiza con su bajo van enmarcando la florituras que Jake hace con sus seis cuerdas, una brillante ejecución.  

La temática de las canciones está más orientada a lo que hicieran grupos progresivos como Yes o Rush, hablan de guerra (The Barbarians), pobreza, espiritualidad y apocalipsis climático (Age of Machine) temas actuales con un toque nostálgico.

En “Tears of Rain” hace su aparición el piano y acompaña a la voz de John en una power balad grandiosa, mientras que “Stardust Chords” hace honor a su nombre y nos lleva a un viaje estelar, con brillantes vocales, coros y arreglos de cuerdas dando como resultado una melodía envolvente y misteriosa.

La acrobacia vocal nuevamente juguetea con las habilidades de un hermano en la guitarra y el otro en esta ocasión en los teclados y realizan “Trip The Light Fantastic” que después de “Caravel” y “Light My Love” puede llegar a sonar repetitiva. 

El final del disco sufre de eso, los temas llegan a ser muy similares, no hay demasiada experimentación como pudiera esperarse y es cuando más pudieran parecerse nuevamente al sonido del disco anterior. 

El cierre es técnicamente interesante, con una larga melodía “The Weight of Dreams” que inicia acústica y va tomando fuerza hasta que la guitarra rompe por completo convirtiéndose en el centro de atracción. Si lo vemos desde otro punto de vista, para todos los que critican al grupo por su gran parecido, Led Zeppelin hace 40 años que no hace un disco, mientras que estos chicos en los últimos 5 años han logrado grandes temas y un par de buenos discos para un nuevo público, 200 millones de streams de sus canciones no son cualquier cosa.

Un paso adelante definitivamente, el grupo se va haciendo de un estilo propio, de una reputación y que sobre todo tiene todo el futuro por delante.

Definitivamente están escribiendo un nuevo capítulo dentro del rock, influenciado por los grandes ejemplos que nos han dejado los que han fundado y construido su historia pero creando un sonido enteramente nuevo, para las nuevas generaciones. 

Temas destacados:

“My Way, Soon”, “Heat Above”, “Stardust Chords” y “Built by Nations”

Iron Maiden - Una banda histórica que no necesita reconocimientos

 

Iron Maiden

Una banda histórica que no necesita reconocimientos 

Por Benjamin Salcedo

Cuando has sido una de las influencias más grandes de los últimos 40 años en la música de rock, has hecho las giras más espectaculares y vendido todos los discos que has querido, estar en el Salón de la fama no es algo primordial. 

En los albores de los años 80 se gestó el New Wave of Heavy Metal un movimiento importante en el rock pesado de la Gran Bretaña donde aparecen junto con otros grupos y nombres que con el tiempo se han desvanecido de la memoria y que solamente perduran en el inconsciente de los más fanáticos del género, el entonces llamado.

Un quinteto poderoso originario de Londres irrumpiría en la escena musical para cambiarla por completo. 

Pocas bandas sobreviven a la salida de su vocalista, más aún cuando sus dos primeros discos habían sido motivo de elogios por la crítica y los fanáticos, pero Maiden no es como los demás, entró una figura que se volvería icónica de la banda Bruce Dickinson y con el éxito a nivel mundial con una de sus obras más reconocidas The Number of the Beast. 

Aunque han tenido cambios en su alineación, siempre ha permanecido el líder Steve Harris, bajista y compositor además de fundador junto con el guitarrista Dave Murray. Los demás salieron y regresaron, pero básicamente se mantiene unido un núcleo que se entiende de maravilla y que ha logrado vender más de 100 millones de discos a nivel mundial, algo así como si cada mexicano tuviera un disco de ellos. 

La primera vez que vinieron a México por ahí de 1983, mucho tiempo antes de que se hicieran conciertos y los pudiéramos ver tocando, hicieron una visita promocional con su 4º álbum Piece of Mind y anunciaron que estarían firmando autógrafos en Aurrera Universidad y Satélite. Como buen adolescente junto con otro amigo fuimos a verlos y éramos tantos que el enorme auto negro en el que llegaron se “asustó” de la horda de maniacos que se aventaron sobre el vehículo como si fuera la última balsa del Titanic, dieron vuelta esquivando cuerpos y huyeron rumbo al estado de México, donde también fueron seguidos por todos los que estábamos la sede anterior. 

Finalmente, en 1992 vienen por primera vez a presentarse al Palacio de los Deportes con la gira de Fear of the Dark, en esa ocasión tuve la oportunidad de conocerlos de cerca, ya que era el manager de Branda, el grupo abridor del concierto y tuve acceso a camerinos y backstage, un sueño hecho realidad. 

De ahí en adelante nos han visitado al menos en otras 7 ocasiones. La última de ellas fue motivo de la grabación de un disco triple en vivo llamado Night of the Dead, Legacy of the Beast Live in Mexico City.

Algo importante es que a Iron Maiden no le ha hecho falta el apoyo de la radio, nunca han buscado el éxito ni los hits comerciales, a pesar de eso logran vender con cada álbum como si fueran programados con frecuencia. Su música se ha convertido en un culto con millones de feligreses, ávidos de nuevas creaciones y feroz devorador de cada disco y canción que se les ofrece. 

Sus conciertos son giras de estadios, majestuosas y espectaculares, temáticas y originales, sin escatimar en gastos para hacer de cada una de ellas algo memorable.   

Cabe destacar la presencia de un personaje llamado Eddie, ese monstruo-momia-espectro que ha sido portada de todos sus discos y que ha cambiado con el tiempo y el concepto, pero nunca se ha separado de ellos de la mano de Dereck Riggs, ilustrador de la mayoría de sus portadas. Así como su nombre y logotipo, es una marca registrada y mundialmente identificable de Iron Maiden. 

Iron Maiden tiene su propio avión, el cual con frecuencia es piloteado por su cantante Bruce Dickinson quien además de eso escribe novelas "The Adventures of Lord Iffy Boatrace", escribió el guión de la película Chemical Wedding junto a Julian Doyle basada en la vida y obra del mago ocultista Aleister Crowley, tuvo un programa de radio Bruce Dickinson Friday Rock Show; presentó un documental para Discovery Channel sobre aviones y música Flying Heavy Metal, colaboró con una compañía cervecera para lanzar Trooper (nombre de una canción de Maiden) y se han vendido más de 2 millones de botellas; recibió un doctorado honoris causa en música por la Universidad Queen Mary de Londres y además sobrevivió a quimioterapia y radiaciones para eliminar un tumor canceroso en la lengua.

Han ganado infinidad de reconocimientos, nombrados siempre entre las mejores bandas de rock y metal de toda la historia, considerado como la 3ª banda de metal más importante de la historia según MTV y VH1, estrella en el paseo de la fama de Hollywood, sus canciones han sido utilizadas en diversos videojuegos, también fueron parte de Guitar Hero y Rock Band, han musicalizado películas (varias de ellas de terror) y hasta en caricaturas como Beavis & Butthead.

Su música ha influenciado a generaciones de grupos de metal desde Metallica, Megadeth, Slipknot, Avenged Sevenfold, Opeth y Dream Theater por mencionar algunos. 

Así que no haber sido incluidos aún en el salón americano de la fama del Rock & Roll no es algo que en realidad les quite el sueño. 

Rolling Stones - La transgresión de la libertad creativa

 Rolling Stones - La transgresión de la libertad creativa

Por Benjamin Salcedo

En 1971, hace 50 años se hicieron finalmente dueños de su trabajo, abrieron su propia disquera, tomaron el control creativo de sus obras y comenzó una larga carrera hacia la fama, el éxito y la eternidad.

Pocas portadas tan icónicas y sublimes como la de Sticky Fingers de los Rolling Stones, creada por el genio pop Andy Warhol, estaba en el momento y lugar preciso para poner a temblar a las conciencias más conservadoras de los albores de la década de los años 70s. Los Beatles se habían separado y cada quién comenzaba una carrera en solitario, por el contrario, los Stones se hacían cada vez más fuertes. 

Durante los siete años previos habían sido abusados por las compañías discográficas como casi todos los grupos en un inicio, sus primeros álbumes al igual que los Beatles eran sacados de forma indiscriminada en uno y otro lado del Atlántico con cambios de canciones, diferentes portadas, artes censurados, etcétera. Y no hablemos de los pagos, las regalías y el fruto de su obra nunca fue remunerado como debería. Su contrato con Decca había llegado a su fin y pretendían dejar a su manager Allen Klein, para lo cual comienzan la constitución legal de Rolling Stones Records. Decca seguiría sacando discos, recopilaciones y conciertos en vivo para seguir exprimiendo el catálogo que les pertenecía hasta el cansancio. 

Pero la nueva década les tenía preparadas varias gratas sorpresas.

Existe un concepto de marketing totalmente estructurado como nunca antes, desde la transgresora portada obra de Warhol presentaba unos jeans que al frente mostraban una ajustada y sugerente entrepierna, el disco original tenía un zipper que subía y bajaba al gusto (por cierto, solía lastimar al disco que pusieras junto en tu fonoteca) en el interior de la funda del disco podías apreciar los calzoncillos del sujeto y la firma del autor, información importante pero todo esto pasaba a un segundo plano cuando comenzaba a dar vueltas el vinilo y se escuchaba la primera canción, el primer sencillo que se dio a conocer del disco, la genial “Brown Sugar”. 

El disco incluye diez canciones que seguirían tocando el resto de su vida, inspirados por la muerte de su ex compañero Brian Jones, la reivindicación y superación musical de la banda fue notable a poco más de año y medio de la tragedia, el grupo hacía el primero de una serie de discos que figuran entre los mejor de su trayectoria musical. Se unió al grupo Mick Taylor, un capacitado guitarrista que inmediatamente haría mancuerna con Keith quien lo elogia y le otorga gran parte del crédito de la valía de esta obra. 

Foto de Peter Webb de la sesión fotográfica del álbum

El rock que convirtieron en marca registrada y que los ha acompañado durante toda su carrera mezclado con el R&B, pero aquí encontró un nuevo gran aliado en el country rock, tal vez desde el álbum anterior Let It Bleed había iniciado el coqueteo, pero aquí la relación se consolida y florece. Hay temas majestuosos como “Bitch” y sus metales, el sarcástico mensaje de Dead Flowers envuelto en un sonido folk americano, o la dulce balada “Wild Horses”. “Sister Morphine” en la que participó su entonces pareja Marianne Faithfull y aclara que lejos de la idea general de una oda a la droga es la visión de un hombre después de un accidente y la consecuente adicción al medicamento o bien la contagiosa cadencia de "Can't You Hear Me Knocking" y su solo de sax e inconfundible riff. 

Con motivo del 50 aniversario también se lanzó una colección de ropa y accesorios que incluye seis diferentes diseños de playeras, chamarras, gorras, tazas y otros objetos de colección. Todo ello a través de su tienda oficial. Para los fans, hace 5 años con motivo de los 45 del disco se lanzó una edición especial que incluye versiones alternas y temas en concierto, la edición de lujo del álbum aún está disponible en muchos lugares. 

Con este disco, aparte de todo lo mencionado anteriormente, también hace su aparición la famosa lengua, la boca más famosa del mundo (que alguno atribuyen a Jagger aunque el autor dice que se inspiró en una diosa hindú) se convirtió en un ícono inconfundible, una de las marcas innominativas más famosas del planeta. El disco llegó al número 1 tanto en Europa como en los Estados Unidos gracias a que todo en él estaba perfectamente realizado. 

La calidad, el talento y el marketing pueden lograr cosas maravillosas.

McCartney III Imagined - La perfecta definición de una curaduría personalizada

Paul McCartney

McCartney III Imagined

La perfecta definición de una curaduría personalizada

El más reciente trabajo del Beatle es masticado, deglutido y digerido por diversos artistas y logran hacer mezclas alucinantes con sus canciones. Un auténtico caleidoscopio de sonidos futuristas con tintes clásicos y la recobrada presencia de Sir Paul. 

La selección de invitados merece elogios, una pléyade de rutilantes y eclécticas figuras de la música contemporánea. Que incluye a Beck, Josh Homme (Queens of the Stone Age), Ed O’Brien (guitarra de Radiohead), la enigmática y sensual St. Vincent, el líder de Blur y Gorillaz Damon Albarn, Phoebe Bridgers, Blood Orange, 3D de Massive Attack y otros más.

Por ejemplo “Pretty Boys” en la versión de la banda psicodélica funk Kruangbin, tiene una atmósfera fascinante, una cadencia que va y vuelve, mientras “Find My Way” con la intervención de Beck, se vuelve un producto diferente, mejorado y diversificado. 

También “Kiss of Venus” es otra completamente distinta en las manos de Dominic Fike, con tintes de R&B que inserta su discurso moderno en una pieza otoñal.

Los artistas clásicos han intentado en innumerables ocasiones entrar en el gusto de las nuevas generaciones por medio de participaciones y colaboraciones que ya rayan en lo absurdo, repetitivo y muchas veces inclusive innecesario.

Esta forma elegida en esta ocasión por McCartney – o su equipo de management-- es espectacular, no puede ser mejor, darle el material creado por la inspiración de un genio para que otros talentos hagan con ello lo que quieran, el resultado es sorprendente. 

Rejuvenecen su sonido y exploran nuevos territorios a los que tal vez nunca hubiera llegado por sí mismo. 

No podemos decir que Paul fuera ajeno a la experimentación, sin embargo, en esta ocasión el disco de 2020 era el producto ideal para realizar esta aventura. 

Habiendo grabado y tocado él mismo todos los instrumentos del disco, cualquier modificación que se hiciera a su trabajo sería natural y no se perderían elementos que en otros casos pudieran extrañarse. 

Escuchen como Blood Orange hace la mezcla de “Deep Down” y utiliza los coros de Paul mientras la melodía envuelve al escucha. Al igual que Anderson Paak convierte “When Winter Comes” en un soul lo-fi encantador.  

Portada de una edición limitada de 2 viniles de colores

Mientras algunos le dan su toque personal a la composición otros simplemente juguetean dándole matices sutiles a la versión original, pero con su sello. 

Los dos enfoques son dignos de atención y disfrute. Por supuesto que es un paso cuántico para el venerable Paul, tomó el riesgo de que desmembraran su obra y la armaran con absoluta libertad, y el resultado es extraordinario, diferente y asombroso.

Larga vida al gran Paul, quien a través de estos maravillosos artistas renace, resurge y perdura para las nuevas generaciones.