Steve Lukather - el último sobreviviente de Toto

Steve Lukather

El último sobreviviente de Toto

Uno de los grupos más exitosos de los años 80 y cuya fama le ha acompañado durante todos estos años haciendo discos extraordinarios y conciertos memorables es Toto, banda americana que ha luchado por seguir presente en el complicado panorama musical actual. Steve Lukather, el guitarrista y cantante, único miembro fundador que permanece en la banda nos platica.

Por Benjamin Salcedo

Recordando al gran Quincy Jones que falleció hace poco ¿Qué recuerdos tienes de esas sesiones de Thriller?

Justamente mi hijo, que lleva la website acaba de subir una foto de nosotros en esas sesiones, ahí estábamos Quincy, Michael (Jackson), Paul McCartney, Jeff Porcaro y yo, en el FB pueden verla. Yo solo tenía 23 años en ese momento, tuve la oportunidad por la recomendación de mi amigo David Foster de participar. Había comenzado desde los 19 tocando como músico de sesión, pero tocar con Quincy es un nivel muy elevado, fue un honor para mi, nos hicimos amigos y grabamos 8 o 10 discos seguidos, sobre todo de música pop, no hice de jazz, aunque amo el jazz, pero no estaba listo para eso. No era el indicado para las sesiones de Sinatra! (risas). Trabajé con Herbie Hanckock, Patti Austin, James Ingram, más discos de Michael y fue quien nos invitó a ser la primera banda de pop/rock en tocar en el festival de Jazz de Montreaux en Suiza. Demasiadas experiencias positivas, siempre fue un gran apoyo para nosotros, le gustaba la banda (Toto) todos trabajamos con él, Jeff Porcaro, David Paich, Steve Porcaro y yo. Era un gran director de casting y tenía una gran idea para las canciones, fue una gran escuela de cómo hacer discos. Con todos los grandes productores, ingenieros y directores que trabajamos, todos fueron una gran escuela.

Existen canciones clásicas que hartan a sus creadores, no quieren tocarlas más ¿Te sucede algo así con alguna canción de Toto además de “99” como lo comentaste alguna vez?

¡Espera! ¡Me gusta "99"! Ya recorrí todo el círculo con ella, es una vieja canción del 79, la letra no me encanta, pero es una gran canción, con un gran groove, a la gente le gusta y va a estar en el set, la tocaremos, ¡no la odio!. Lo mismo decían de “Africa”. 

Algunas canciones tienen vida propia, es como cuando alguien vende su catálogo, si se ponen a hacer comerciales de televisión con tu canción, entonces sí vas a odiar esa canción. No quiero que mis canciones sean malos anuncios de TV, como Bruce Springsteen o Bob Dylan que vendieron sus catálogos, ¿que va a pasar si hacen un anuncio de diarrea con “Born to Run”? (risas) y amo al “Boss”, no me malentiendan, puedes hacer muchas bromas, como “Blowing in the Wind” anunciando spray en aerosol para baños, ¡cosas horribles pueden suceder! (más risas)

Han pasado varios cantantes por el grupo, pero en varias ocasiones tú has sido el que lleve las riendas de las voces, ¿Cómo lo estás haciendo ahora en esta nueva alineación? 

Todos cantábamos en Toto, cuando Jeff Porcaro y David Paich formaron esta banda, porque siempre será el grupo de ellos, yo solo me esfuerzo por mantener nuestra música viva, siempre pensamos que todos podíamos cantar, como lo hicieron bandas que admiramos, como: The Beatles, The Eagles, Fleetwood Mac, Queen, pero tuvimos a Bobby Kimball, que era “la voz”,  probablemente uno de los mejores cantantes que hubo, lo amamos y nos da tristeza, siempre lo apreciamos. Pero nos separamos y había que remplazarlo, el que está ahora es mi hermano Joss Williams, es un gran cantante, su voz es muy fuerte, no estuvo con nosotros por 25 años, todos cantamos grandes temas que fueron éxitos, actualmente tengo 5 cantantes principales en el escenario. 

Ésta es muy difícil … ¿A quién extrañas más de todos los miembros del grupo?

¡No me hagas eso! (con voz melancólica) Obviamente extraño a mis hermanos que se han ido, más que a cualquiera, Mike (Porcaro) era un querido hermano y Jeff (Porcaro) era mi mentor, la persona que me tomó bajo sus alas junto con David, me llevaron a las sesiones, a todos ellos los extraño. Toda la familia Porcaro y los demás músicos que han pasado por el grupo, exitosos y brillantes músicos. Todos llegamos con la misma hambre y el mismo fuego para hacer algo importante, no solamente con nuestra propia banda, sino siendo músicos de estudio, era un sueño loco, pero trabajamos mucho, estudiamos y al final lo logramos, hicimos una carrera y con ellos vivi los mejores momentos de mi vida.  A David lo sigo viendo, aunque ya no pueda estar con nosotros en las giras.

Hablando de eso, escuché Bridges (último álbum solista de Lukather 2023) y es un gran álbum con extraordinarias canciones ¡Podría ser un nuevo disco de Toto!

¡Hey! muchas gracias, ¡no pensé que me ibas a preguntar de él! Estoy orgulloso de este trabajo, lo hice con Joseph (Williams) y (David) Paich, les dije "vayamos de vuelta a los 80s y tengamos un poco de diversión haciéndolo". Los discos que hacemos hoy en día son solo por el amor al arte, no lo hacemos por dinero, por supuesto que el streaming de Toto es muy fuerte, pero eso es para los jóvenes, para vender tickets para los shows. 

La mayor parte de las bandas de Classic Rock con las que convivimos se han separado o se han despedido, tienen problemas médicos o ya no se soportan,  no hay muchos de nosotros que sobrevivan, queremos mantener la música viva. Todavía amo hacer lo que hago, estoy sano afortunadamente o no lo estaría haciendo, si los chicos quieren que sigamos haciéndolo así será. 

Ahora el negocio está en los conciertos, tenemos vendidos estadios de alrededor de 30 mil personas hasta febrero del año entrante, fuimos de Sudamerica y también nos fue muy bien, nadie está más feliz que nosotros, no se lo digas a nadie! (ríe), lo tomamos muy en serio como banda, pero nos divertimos y reímos de nosotros mismos de todo ese viejo rock.  

Toto tiene el récord de la mayor cantidad de canciones con nombres de mujer, casi cada disco tiene al menos una canción.  

Es una respuesta muy simple, “Nos gustan las mujeres”, lo hicimos durante muchos discos pero ya dejamos de hacerlo, dijimos “Ya es demasiado”, no fue premeditado, se fue dando, íbamos componiendo y de repente la canción se llamaba así. Tal vez fue porque todavía no éramos unos compositores maduros, nos reíamos y así fue como se hicieron. 

Después de tocar en más de 1500 discos como músico de estudio ¿hay algún artista que admires y que no hayas podido tocar con él? 

Tal vez sería Peter Gabriel, pero tiene a David Rhodes y no me necesita (risas), también me gustaría tocar con los Rolling Stones, pero tampoco me necesitan. Tuve la suerte de tocar con Donald Fagen y Walter Becker por separado, de joven iba a tocar en una gira con Steely Dan pero no sucedió, siempre quise tocar un solo en algún disco de Steely Dan, eso es el grado más alto en un músico de sesión! Es mi banda favorita de todos los tiempos, soy fan de: The Beatles, Hendrix, Jeff Beck, Jimmy Page pero Steely Dan me llegó de una manera especial, como ningún otro, cuando estábamos en la escuela, Jeff y yo tocábamos siempre su música, la amo, todo era una obra de arte con ellos. Nos encantaba lo meticulosa y detallada que era su producción y tratamos siempre de emularla, era un trabajo muy duro en el estudio gastamos mucho dinero y esfuerzo para que sonaran así, no había forma de hacer trampa ya hubiéramos querido tener cut & paste o protools y todas esas maravillas en los años 70s!!

¿Qué podemos esperar de ti en el futuro? Vas a seguir haciendo discos solista…

¡No, no para nada! Voy a seguir haciendo lo que estoy haciendo actualmente, Toto es maravilloso y le agradezco a Dios todos los días por esta bendición. No todos los grupos se van volviendo mejores, pero es el trabajo y la dedicación. Todos en la banda estamos aquí porque es lo que queremos. Tenemos una gran banda con extraordinarios exponentes en cada instrumento, no podemos volver a ser los integrantes de la banda que éramos, ojalá pudiéramos, pero no es así, pero hacemos la mejor música posible como si tuviéramos veinte años. Pero el tiempo pasa, si no hubiera nadie que viniera a los shows o que le interesara lo que hacemos, esto se acabaría, pero se vuelve mejor cada vez, sería un tonto si lo dejara. 

Seguimos generando dinero para las familias de Jeff y Mike, no nos olvidamos del pasado, cada formación tuvo algo hermoso, se presentan diversas situaciones, pero seguimos adelante, Toto sigue siendo la banda de Jeff y David, soy el último de aquellos días y lo seguiré haciendo lo mejor que pueda. Con el mayor respeto a la música.

Entrevista por Zoom desde CDMX con motivo de su visita al 

Corona Capital, Noviembre 8 de 2024

Pink Floyd - 60 Psicodélicos años

Pink Floyd

60 Psicodélicos años

Comenzó como el sueño psicodélico de un esquizofrénico y se convirtió en una de las bandas más grandes de todos los tiempos.

Por Benjamin Salcedo

El día 5 de Julio de 1964, hace 60 años en Londres, Inglaterra, nace la banda Pink Floyd como resultado de muchos cambios y modificaciones a distintos nombres, (Sigma 6, T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs), llegando a ser primero The Pink Floyd Sound, para quedar finalmente con los apellidos de los dos famosos blueseros, simplemente Pink Floyd.

El líder del grupo era Syd Barrett, quien dominaba la composición predominantemente psicodélica y un tanto folk pop, figura y compositor principal del primer material de la banda. Sus primeros sencillos sonaban a la típica música pop británica de mediados de los sesentas, poco después sufrió algunos cambios en su estilo y para cuando estuvieron listo para lanzar al mercado su primera producción Piper At The Gates of Dawn en 1967 ya sonaban diferente.

Su primer disco fue muy bien recibido por un público avido de nuevos sonidos y experiencias audiovisuales, se reunían en fiestas (acid party) para experimentar algo novedoso y dejarse llevar por los alucines sonoros que ellos generaban. Pero todo el exceso los llevó a romperse por la parte más frágil, Syd comenzó a perder el foco del negocio y dejó de ser el líder que necesitaban cuando estaban trabajando en el segundo álbum A Saucerfull of Secrets con un errático e impredecible comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas (especialmente LSD), a la mitad de la grabación del mismo, deciden llamar en diciembre de 1967 a su gran amigo y guitarrista David Gilmour para que apoye inicialmente a Syd en los conciertos y posteriormente tomando su lugar definitivamente en la banda.

La salida de Barrett le abrió la puerta a Roger Waters como el principal compositor de las letras de la banda, mientras que Gilmour y Wright asumieron el protagonismo en la composición musical. Con esta alineación y organigrama, la banda entra en su segunda etapa, en la que grabó varias joyas que se convirtieron en éxitos comerciales extraordinarios, como: Meddle (1971), Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979), discos que han destacado desde su aparición entre los más importantes en la historia de la música popular moderna.

Al parecer la locura y el egocentrismo estaban intrínsecos en la dirección de la banda y poco después de grabar de The Wall, Roger Waters enloqueció, primero expulsó de la banda al tecladista Rick Wright por diferencias creativas comenzando disputas internas que concluyeron en 1983, con el lanzamiento del pobre y monótono disco The Final Cut, hecho en su totalidad por Waters y que sigue tratando el mismo tema que en anteriores proyectos y que fue muy poco atractivo y elogiado comparado con sus obras anteriores y ni siquiera hubo con gira de promoción, dando lugar en 1985 a que Waters declarara la disolución de Pink Floyd. 

Los miembros restantes no estuvieron de acuerdo Gilmour y Mason, se negaron a aceptar esta decisión y decidieron continuar con el grupo y regresar a Rick Wright, por lo cual Waters los demandó reclamando los derechos de la marca Pink Floyd, misma que perdió en los tribunales, pero acordaron que podía retener los derechos exclusivos sobre todas las imágenes que utilizaba en sus conciertos (como los martillos, ladrillos, símbolos nazis y hasta el famoso cerdo volador). 

El caso de The Wall es especial, ya que tiene los derechos audiovisuales del concepto excepto los tres temas compuestos por David Gilmour: “Young Lust”, “Run Like Hell” y “Comfortably Numb”, así como todos los temas incluidos en el tristemente ignorado The Final Cut; de esa forma podrían en lo sucesivo los otros tres miembros seguir usando el nombre Pink Floyd.

Así comienza la tercera etapa del grupo con Gilmour, Mason y Wright y la grabación de su siguientes brillantes trabajos, A Momentary Lapse of Reason y The Division Bell junto con vario álbumes en vivo y presentaciones espectaculares por diferentes lugares del mundo. 

Waters inició una carrera como solista discográficamente con poco éxito y no volvió a reunirse con sus compañeros hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005, en Londres, en el concierto Live 8 para un breve set de 5 canciones.

En noviembre de 2014 salió a la venta The Endless River, el último disco de la banda, con material grabado previamente, un disco experimental que más bien fue un homenaje a Rick Wright quien falleció en 2008.

Un grupo inclasificable, fuera de serie y que ya tiene un lugar en el mundo del rock y de la música contemporánea inamovible. Una banda que llega a la tercera edad dejando un legado inalcanzable en la historia musical. 

 

Koktel - El arte de hacer propio el éxito comprobado

 

Koktel - El arte de hacer propio el éxito comprobado

Por Benjamin Salcedo

Una agrupación de cinco artistas, músicos, cantantes talentosos que han sabido elaborar una propuesta original con grandes temas de la historia de la música pop contemporánea.

En cuanto salen al escenario, impacta primero el atractivo visual: tres músicos principales, multi instrumentalistas, el baterista canta y el guitarrista cantante también toca batería; el bajista ejecuta varios instrumentos y el sonido envuelve de inmediato; dos atractivas chicas una rubia que canta con voz angelical y toca el violín o el piano y una morena con una voz prodigiosa, una mezcla de belleza, dulzura y talento. Juntos hacen un combo sensacional que desde la primera nota te hace fijar tu atención en algo más que lo visual. 

Carlos “Charlie” el bajista, junto con Manuel “Manu” en la guitarra se han dedicado a elaborar intrincadas mezclas de música pop con éxitos consagrados, de esa manera en una canción puedes escuchar dos o tres éxitos juntos, musicalmente unidos, pero perfectamente diferenciados unos de los otros. José Ron conocido actor, poderoso baterista y también cantante complementa el combo musical junto con Aleksa, una violinista ucraniana que canta perfectamente en español y utiliza su instrumento como si fuera también un sintetizador o una guitarra eléctrica. 

“Nosotros somos ‘entretenedores’ queremos divertir a la gente, hacemos música, pero nos gusta divertir al público y darle a la gente la música que les gusta”. nos cuenta Manú. 

El proceso creativo es muy interesante, ya que la mezcla de los diferentes temas viene de un estudio de ritmos y melodías que pueden surgir de muy diversas fuentes. 

“Tenemos un método creativo”, continua Manu, “lo concentramos en alguna persona, generalmente somos Charlie o yo, todos mandamos un pull de ideas, de ahí vamos clasificando y encontramos similitudes entre ellas, por ritmo, por arreglo, por tono, etc. Ya que tenemos los elementos vamos trabajando la forma del medley, pero esto puede alterarse, por ejemplo metemos canciones en inglés en un medley de regional, surge solo porque la misma canción te lo sugiere. Por ejemplo, la armonía de Nothing Else Matters de Metallica, da exactamente en tempo y en armonía para cantar Ella Baila Sola de Peso Pluma, ¡al final solamente hay 7 notas!”. 

“Los covers cantados están “mash up-eados”, re-arreglados, es un trabajo creativo como si los estuviéramos escribiendo otra vez, nos dice Charlie, “Somos gente de mucha música los medleys los vemos como si fueran una composición, como si fuera una sola canción, encontrando los hilos conductores de los temas y los hacemos uno solo”. 

Vamos siempre tratando de actualizar y mejorar lo que vamos creando, siempre hay oportunidad de reescribir y encontrar nuevas oportunidades. Cuando estamos en el show, vamos viendo como reacciona la gente, ahí sí podemos saltarnos algún medley que teníamos planeado y cambiamos por otro, eso si es como un Lego, para seguir conectando con la gente”.

La presencia vocal de Jana es espectacular, tiene una tesitura que pude interpretar cualquier estilo musical que le pidan, tiene fuerza, pero también mucho sentimiento y ¡que decir de rango vocal! al ser la cantante observa al público y toma decisiones. “Cada público es diferente, si los vemos más bailadores, entonces nos echamos las cumbias, pero si los vemos más cantadores, entonces cambiamos”.

“El playlist está planeado de acuerdo al target”, comenta Carlos, “estudiamos quién va a ser nuestro publico, que edad tiene, si es un evento al aire libre, si es una fiesta, un evento privado, nuestro show es tailor made, con un setlist como raíz, pero que nos permite variar de acuerdo a la situación”. 

Aleksa es una atractiva rubia que canta y toca el violín eléctrico y la guitarra, los hace sonar como se le antoja, “Puedo interpretar solos o crear armonías, también muchas de las intros instrumentales de las canciones que son material de Daft Punk, de Nirvana o de diversos grupos internacionales”. Estudio alrededor de 17 años en en Ucrania en el conservatorio. Charlie también ha estudió 6 años tanto en México como en USA, Janna estudió música y ha trabajado en muchos lugares como Mist por citar un ejemplo, hija de cantantes que desde hace 16 años ha estado subida en un escenario. José Ron tiene una carrera actoral, con importantes papeles en la televisión, inició en Guadalajara en la música y después se dedicó a la actuación, ahora realiza esta parte de sus sueños musicales.  

En ocasiones los acompaña otro guitarrista, Omar Jiménez, que puede tomar el liderazgo de las seis cuerdas para permitir a sus compañeros enfocarse en la fiesta y el ambiente que generan. 

Están en un momento muy importante de su carrera, han hecho muchos ajustes a la fórmula y ahora tienen la oportunidad de aparecer como banda en una telenovela y cada vez son más solicitados en diversos eventos de toda índole.

Están también trabajando en música propia, pero buscando que su obra tenga la chispa y los elementos para poder compaginarla con lo que hacen actualmente.

Son una banda sumamente atractiva y que puede volver cualquier noche en algo muy especial, musicalmente ricos y diversos y arriba del escenario son un torbellino que mantiene a todos los espectadores atentos. 

El público siempre está ávido de escuchar la música que siempre ha sido parte de nuestro soundtrack de vida, Koktel te lo ofrece, pero con una nueva presentación y en un empaque sumamente atractivo. 

Video - KOKTEL  

Cosmopolitan Mix: 

Save Your Tears / Bad Romance / New Rules / Don't Stop The Music

Koktel sin Jana!!!  😱 Noooooooo! 

Eric Clapton - Leyenda Viviente del Blues Rock

Eric Clapton: Leyenda Viviente del Blues Rock

Por Benjamin Salcedo

Eric Patrick Clapton, un guitarrista blanco que conmocionó el mundo del blues predominantemente afroamericano, conocido por su virtuosismo, su voz distintiva y sus composiciones emocionales, es de esas leyendas que siguen deleitándonos con su obra y presentaciones. Nacido el 30 de marzo de 1945 en Ripley, Surrey, Inglaterra, a un año de llegar a los 80, Clapton visitará México este 2024 y será un acontecimiento que vale la pena no perderse.

Primeros Pasos y Ascenso a la Fama:

Clapton desarrolló su pasión por la música desde una edad temprana, influenciado como la mayoría de los blueseros británicos, por artistas como Robert Johnson y Muddy Waters. A mediados de la década de 1960, se unió a bandas como The Yardbirds inicialmente y después es buscado por John Mayall, padre del blues blanco británico para unirlo a sus Bluesbreakers, donde su talento como guitarrista destacó aún más, Mayall fue un mentor y maestro que le ayudó a despegar en su carrera. Fue durante esta época cuando adquirió el sarcástico apodo de "Slowhand" debido a su estilo relajado pero virtuoso.

Cream y la Era del Blues Rock:

El ascenso meteórico de Clapton llegó con la formación de Cream, una superbanda de blues rock junto al destacado bajista Jack Bruce y la batería de Ginger Baker. La banda alcanzó la fama mundial con éxitos como "Sunshine of Your Love" y "White Room", estableciendo a Clapton como uno de los mejores guitarristas de su generación.

En Octubre de 1966 se dio el encuentro entre dos titánes del rock, cuando Jimi Hendrix fue llevado a ver un concierto de Cream a petición suya, ya que era un admirador del trabajo de Clapton. Hendrix pidió la oportunidad de subirse a tocar con ellos y aceptaron, ahí surgió una mutua admiración.

En 1970, Clapton formó Derek and the Dominos y grabó uno de los álbumes más influyentes, Layla and Other Assorted Love Songs. El álbum presentaba la épica canción "Layla", una obra maestra que fusionaba el rock con el blues y la música clásica. La emotiva letra de Clapton y su desgarrador solo de guitarra lo consolidaron como un icono musical, aunque sus agrupaciones no tenían mucha duración.

Éxito en Solitario y Lucha Personal:

A lo largo de la década de 1970, Clapton inició su exitosa carrera en solitario con álbumes como Eric Clapton (1970) y 461 Ocean Boulevard (1974), donde exploró nuevos estilos musicales y se alejó del exceso del rock de la década anterior, incursionando en otros géneros como el reggae y el soul. Sin embargo, este período estuvo marcado por  cruentas luchas personales, incluida su batalla contra la adicción a las drogas y el alcohol.

En 1977, Clapton lanzó Slowhand, un álbum que marcó su regreso triunfal y consolidó su estatus como uno de los principales artistas en solitario del rock. Canciones como "Cocaine" y "Wonderful Tonight" se convirtieron en clásicos instantáneos, destacando la habilidad de Clapton para combinar letras conmovedoras con riffs de guitarra inolvidables.

Posteriormente en su carrera ha podido realizar casi cualquier proyecto que se ha propuesto, sin importar las modas o tendencias, logró insertar en las listas joyas como “Bad Love” y “Forever Man” en los años 80 o “My Father’s Eyes” y “Change The World” en los 90, así como rendir tributo a muchas estrellas que de alguna manera influyeron en su carrera con discos completos o colaboraciones como B.B.King, Robert Johnson, J.J. Cale, Bob Marley y recientemente Glen Campbell. 

La influencia de Clapton en la música es innegable. Su maestría en la guitarra ha inspirado a innumerables músicos, desde leyendas del rock como: Jimmy Page, Jeff Beck, Mark Knopfler, Gary Moore o Stevie Ray Vaughan hasta artistas contemporáneos como John Mayer y Joe Bonamassa. Su capacidad para transmitir emociones a través de la música ha sido una fuente de inspiración para generaciones de fanáticos y músicos por igual.

Legado Filantrópico:

Además de su impacto en la música, Clapton ha sido un defensor de causas sociales y humanitarias. Fundó el Centro Crossroads en Antigua, un centro de rehabilitación para personas con problemas de adicción, y ha participado en numerosos conciertos benéficos a lo largo de su carrera, la experiencia vivida en carne propia de adicciones y pérdidas como la trágica muerte de su pequeño hijo en 1991, que fuera inspiración para la emotiva y emblématica “Tears in Heaven”.

Eric Clapton es más que un músico; es una fuerza creativa que desafió el tiempo y borró limitaciones raciales y étnicas para mostrar su talento por encima de cualquier paradigma, en los últimos años se ha mantenido más cauteloso en la producción y composición de nuevo material, pero no ha parado de tocar ni de presentarse en todos los escenarios que le es posible y ahora tendremos la oportunidad de verlo, acompañado de otro talento joven como es Gary Clark Jr. Así que la noche pinta para ser un agasajo de guitarras de otro nivel. 

Eric Clapton

Layla "Live"

La vida y muerte de Jimi Hendrix, un libro de Mick Wall

 

La vida y muerte de Jimi Hendrix un extraordinario libro de Mick Wall

por Benjamin Salcedo

Jimi Hendrix, uno de los guitarristas más impactantes de la historia del rock y de la música moderna, alcanzó la fama en la década de 1960 con su banda The Jimi Hendrix Experience. 

Su estilo innovador de tocar la guitarra eléctrica, su novedosa técnica y su habilidad para fusionar diversos géneros musicales, como el blues, el rock y el jazz, lo hicieron destacar en la escena musical, causando gran impacto en el Reino Unido, donde el rock estaba explotando impresionantemente.

Hendrix, un estadounidense nacido el 27 de noviembre de 1942 en Seattle, Washington que murió el 18 de septiembre de 1970 en Londres, a la edad de 27 años, uno más del tristemente célebre club de los 27, un grupo de músicos y cantantes que han partido a esa temprana edad. 

Mick Wall, escritor

Considerado uno de los guitarristas más talentosos y revolucionarios en la historia del rock como lo muestra este interesante libro de Mick Wall, un periodista, autor y crítico musical británico que ha escrito numerosos libros sobre música y artistas, centrándose especialmente en el género del rock. Algunos de sus libros más conocidos incluyen biografías de bandas y artistas como  el fabuloso When Giants Walked The Earth que narra la historia de Led Zeppelin ó El Reino púrpura sobre Prince, así como otros de Metallica, Lou Reed, Guns N' Roses y más.

En plena psicodelia la llegada de Hendrix al Reino Unido provocó una revolución total, grandes figuras del blues blanco principalmente en ese momento como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jeff Beck, John Mayall y varios más vieron a un afroamericano que no sonaba como tal, era algo que nunca e habían escuchado. 

Wall explora en este libro su corta pero impactante vida y su repentina muerte, Jimi falleció en circunstancias controvertidas. La causa exacta de su muerte ha sido objeto de especulación y debate a lo largo de los años. 

La figura de Jimi Hendrix sigue siendo icónica en la historia del rock, y su legado perdura a través de su música y su impacto en generaciones posteriores de músicos y este libro logra interesarnos aún más en los detalles sociales y culturales que rodearon esa época tan importante de la historia y de la vida del músico.

Two Riders Were Aproaching by Mick Wall

@Alianzaeditorial.  #alianzaeditorial

Madonna - La Reina madre del Pop que redefinió la música, la imagen y la cultura

 

Madonna - La Reina madre del Pop que redefinió la música, la imagen y la cultura

Por Benjamin Salcedo

Madonna, una figura icónica que ha dejado una marca indeleble en la industria del entretenimiento, digna portadora del título de "La Reina del Pop". Su impacto abarca lo comercial, lo visual y lo social, consolidándola como una de las artistas más influyentes de todos los tiempos.

Próximamente visitará nuevamente nuestro país por quinta ocasión, anteriormente nos había visitado siendo la primera el 7 de noviembre de 1993 (3 fechas) en el entonces llamado Autódromo Hermanos Rodríguez con la gira de su disco Erotica llamada The Girlie Show. Provocando algunas reacciones de la sociedad que la veía como una transgresora.

Regresaría 15 años después al Foro Sol en 2008 con Sticky & Sweet Tour con gran éxito,  poco después volvió al mismo escenario con el MDNA World Tour en 2012 y finalmente en un evento más pequeño de dos fechas en el Palacio de los deportes el 6 y 7 de enero, 2016 con el Rebel Heart Tour. 

Desde sus inicios en la década de 1980, Madonna ha demostrado ser una fuerza innovadora en la música pop. Su capacidad para reinventarse constantemente, algo poco común en una artista pop, con la fusión de géneros y explorando nuevos estilos, la ha mantenido relevante y vanguardista. Su álbum debut, Madonna (1983), marcó el comienzo de una exitosa carrera que ha abarcado más de cuatro décadas, vendiendo más de 300 millones de discos en todo el mundo.

La visión y el trabajo audiovisual de Madonna ha sido tan crucial como su música. Sus videoclips, caracterizados por su creatividad y provocación, han establecido estándares en la industria, además de ser pionera del género con el surgimiento y evolución de MTV. Clásicos como "Like a Virgin", "Material Girl" y "Vogue" no solo acompañaron sus éxitos musicales, sino que también sirvieron como plataformas para expresar su perspectiva artística y desafiar las normas sociales establecidas.

En el ámbito social, Madonna es una pionera en la promoción de la igualdad de género y los derechos LGBTQ+. Su controvertida exploración de la sexualidad y su defensa de la libertad individual han generado debates, pero también han contribuido a la evolución de la sociedad hacia una mayor aceptación y diversidad.

Madonna ha lanzado varios álbumes a lo largo de su carrera, algunos de sus discos más icónicos y exitosos son:

Like a Virgin (1984): Un gran éxito, controversial e irreverente, presentó éxitos como "Like a Virgin", "Material Girl" y "Into the Groove". La canción homónima se convirtió en un himno y catapultó a Madonna a la fama mundial.

True Blue (1986): Con este disco consolidó aún más su posición en la cima. Canciones destacadas incluyen "Papa Don't Preach", "True Blue" y "La Isla Bonita".

Like a Prayer (1989): Este álbum fue un punto de inflexión en su carrera. La canción principal, "Like a Prayer", generó controversia, pero también fue un éxito. Otras canciones notables incluyen "Express Yourself" y "Cherish".

Ray of Light (1998): Este álbum marcó un cambio hacia un sonido más electrónico y experimental. La canción principal, "Ray of Light", recibió elogios y ganó varios premios. Otros temas destacados son "Frozen" y "Drowned World/Substitute for Love".

Confessions on a Dance Floor (2005): Reconocido por su enfoque en la música dance, este álbum incluye éxitos como "Hung Up" y "Sorry". La mezcla de sonidos contemporáneos y letras pegajosas lo convirtió en un gran éxito.

MDNA (2012): Aunque recibió críticas mixtas, el álbum incluye canciones como "Give Me All Your Luvin'" “Turn up the Radio” y "Girl Gone Wild". Su gira mundial asociada, MDNA Tour, también fue un gran éxito y tocó suelo mexicano.

Estas son solo algunas muestras de la impresionante discografía de Madonna. En cuanto a canciones que han trascendido, aparte de las mencionadas anteriormente, otras como "Vogue", "Holiday", "Crazy for You", "Beautiful Stranger" y "Music" también han dejado una marca significativa en la cultura pop. 

Con más de 60 sencillos en el Top 40 de Billboard, Madonna ostenta el récord de la artista femenina con más éxitos en la historia de la lista. Su gira Sticky & Sweet (2008-2009) se convirtió en la gira solista más taquillera de todos los tiempos hasta ese momento, recaudando más de 400 millones de dólares. Hoy en día superada por The Eras Tour de Taylor Swift. 

Además de su éxito comercial, Madonna ha recibido innumerables premios, incluyendo siete premios Grammy. Ha incursionando con relativo éxito en el cine y más exitosamente en la moda y como empresaria. Su nombre es una marca como un ícono cultural completo, ha logrado perdurar a través de varias generaciones. 

Ahora después de una reprogramación de fechas, esperamos ver la nueva gira, que por la pandemia ha tenido que irse postergando años después del lanzamiento de su último trabajo Madame X de 2019. 

Madonna ha trascendido las fronteras de la música pop convencional, consolidándose como una fuerza multifacética que ha remodelado la industria del entretenimiento. 

Su impacto en lo comercial, lo visual y lo social ha dejado una huella imborrable y su título de "La Reina del Pop" no solo es un nombramiento más que merecido, es también un tributo a su indiscutible legado en la cultura popular. 

¡Dios salve a la reina!

"Vogue" en su nueva gira Celebration Tour

Bryan Adams: Una brillante trayectoria en el rock pop

Bryan Adams: Una brillante trayectoria en el rock pop

por Benjamin Salcedo

El icónico músico canadiense, visitó nuestra ciudad como parte de su gira So Happy It Hurts 2024 y el espectáculo fue electrizante, poderoso, con su rock pop a la máxima potencia con el que ha dejado una marca indeleble en la música a lo largo de su brillante carrera. 

La importancia de Bryan Adams radica en su capacidad para crear canciones atemporales que han resonado con audiencias de todas las edades y continentes. Su estilo distintivo, que fusiona el rock, pop, rockabilly y baladas, ha llevado a la creación de himnos que han perdurado a lo largo de las décadas. Álbumes clásicos como el inmenso Reckless de 1984 y otros igualmente atractivos como Waking Up the Neighbours (91); su gran Unplugged (96) o el excelso 11 (Eleven) de 2008 han consolidado su estatus como el artista canadiense más influyente de su generación.

En cuanto a sus actuaciones en vivo, Bryan Adams ha mantenido una presencia constante en escenarios de todo el mundo, aunque no siempre pisa nuestro territorio cuando ha hecho estas giras mundiales. Su capacidad para cautivar a las audiencias con su carisma y energía en el escenario ha convertido sus conciertos en experiencias inolvidables y este no fue la excepción. 

Arranca con la poderosa “Kick Ass” de su nuevo trabajo para después hacer un recorrido por todos sus éxitos: "Run to You": Ganadora de un Grammy y ejemplo de la habilidad de Adams para combinar letras apasionadas con música potente. "Summer of '69": Todo un clásico del rock que ha perdurado a lo largo de los años, un himno generacional y una de las canciones más reconocibles; "Heaven": la balada romántica que alcanzó altas posiciones en las listas de éxitos. Su emotividad y melodía pegajosa la convierten en una de las más queridas al igual que "Everything I Do (I Do It for You)": sencillo que fue parte de la banda sonora de Robin Hood: Príncipe de los Ladrones, con la que ganó un Grammy y fue nominado al Oscar, una de las baladas más icónicas de todos los tiempos; "Cuts Like a Knife": tema de 1983 y su primer éxito, contribuyó a consolidar su posición en la escena musical internacional y muchas más.

A pesar de los años sigue atrayendo a multitudes, demostrando la perdurabilidad y relevancia de su música con sus más de 100 millones de discos vendidos en todo el mundo.

El Bryan (como le gritaba cariñosamente el público) ha dejado una huella significativa en la cultura popular mundial. Su contribución constante a causas benéficas, incluyendo su activismo en la lucha contra el cambio climático, ha mostrado su compromiso con el bienestar del planeta.

Más recientemente, Adams ha continuado su legado con nuevos proyectos y logros. Su álbum Shine a Light, lanzado en 2019, recibió elogios de la crítica al igual que So Happy It Hurts del 2022 que demostró que su creatividad y habilidades no han perdido su encanto con el tiempo, les recomiendo una escucha a su reciente disco Into The Fire en vivo en el Royal Albert Hall del año pasado para que escuchen de lo que les hablo, lo van a disfrutar.  

"Dedicado al renovado corazón de mi querido hermano Beto Acosta M."

Video promocional de la gira 2024

Fotos - Benjamin Salcedo

@arenacdmx @bryanadams

El épico adiós de The Beatles en la Azotea

El épico adiós de The Beatles en la Azotea

Por Benjamin Salcedo 

El 30 de enero de 1969 marcó un hito en la historia de la música con la última presentación en vivo de The Beatles. Este icónico evento tuvo lugar en la azotea de Apple Records, la sede del sello discográfico de la banda en Londres hace 55 años. Este concierto improvisado se ha convertido en una leyenda que encapsula la esencia revolucionaria y la creatividad sin límites de la banda más influyente de la historia.

No habían tocado en vivo juntos como banda desde su concierto en el Candlestick Park de San Francisco, California el 29 de agosto de 1966. Habían optado por centrarse en la producción en el estudio y experimentar con nuevos sonidos y enfoques creativos.

La idea de tocar en la azotea surgió como una forma de romper con la monotonía y la tensión que rodeaban la grabación, los ánimos no eran los mejores y se sentía una situación bastante desagradable en el interior del grupo. El proyecto Get Back “las sesiones más miserables de la tierra” como las llamó Lennon, se desechó para dar paso a Abbey Road y se retomaría más tarde convertido en el álbum Let It Be. El 30 de enero, con la colaboración de Billy Preston al teclado, The Beatles sorprendieron al mundo al subir al techo de Apple Records para ofrecer un concierto que pasaría a la historia.

El setlist completo de la actuación en la azotea fue el siguiente:

"Get Back" (3 tomas)

"Don't Let Me Down" (2 tomas)

"I've Got a Feeling" (2 tomas)

"One After 909"

"Dig a Pony"

Esta lista incluyó varias canciones que luego serían parte del álbum "Let It Be". La inclusión del tecladista invitado Billy Preston agregó un elemento fresco y enriquecedor a la actuación, mostrando la capacidad de The Beatles para colaborar e innovar.

La actuación fue breve pero intensa, marcada por la espontaneidad y la energía. La policía interrumpió el concierto debido a las quejas de los vecinos, lo que solo agregó un toque más a la leyenda de este evento y al encanto del video. Su duración fue únicamente de 42 minutos debido a la interrupción. 

Los transeúntes y los empleados de los edificios cercanos se convirtieron en testigos improvisados de este último acto de la banda, no se realizó una campaña formal para el evento. La noticia se difundió principalmente de boca en boca y a través de la presencia de transeúntes en el área que compartieron la experiencia con amigos y familiares. Algunas personas notaron las cámaras de filmación en la azotea y se dieron cuenta de que algo especial estaba sucediendo, lo que atrajo aún más la atención hacia el lugar.

El frío clima de enero en Londres llevó a que los miembros de la banda vistieran abrigos durante la actuación, lo que agregó un elemento visual distintivo a la presentación, lo que pocos saben es que eran de sus esposas, Lennon usó un abrigo de pieles de Yoko y Ringo un impermeable rojo de su entonces mujer Maureen.

La actuación en la azotea de Apple Records se convirtió en un hito cultural sin precedentes y dejó una huella imborrable en la historia de la música. La película documental Let It Be, dirigida por Michael Lindsay-Hogg, capturó de manera magistral este momento único, asegurando que la última presentación de The Beatles fuera eternamente inmortalizada para las generaciones venideras. El director, hijo de Orson Wells, fue el mismo que dirigió el concierto de culto Rock & Roll Circus de los Rolling Stones.

Después del concierto en la azotea, The Beatles nunca volvieron a tocar juntos en un concierto público, inicialmente habían pensado en realizarlo en un teatro griego, en el Roadhouse de Lóndres o en un barco, pero finalmente por conveniencia lo hicieron ahí. 

La banda anunció su separación oficial en abril de 1970, y cada miembro siguió caminos musicales individuales. Paul McCartney, George Harrison, John Lennon y Ringo Starr desarrollaron sus carreras en solitario con un éxito considerable, incluso sorpresivo en el caso de George y Ringo, pero nunca volvieron a reunirse para una actuación en vivo como The Beatles.

Alison Goldfrapp y la vida en la independencia

Alison Goldfrapp y la vida en la independencia

por Benjamin Salcedo 

Un símbolo del synth pop que hiciera una importante carrera con su grupo Goldfrapp, decidió emprender un camino por su cuenta y el resultado fue mejor de lo imaginado.

El año pasado Alison Goldfrapp presentó The Love Invention, con el cual iniciaba una carrera en solitario, el disco consiguió atraer a los que buscan himnos pop con sintetizadores, con todo para volverse clásicos de las pistas de baile.

Una aventura sonora que reafirma el estilo ya conocido con su banda, pero con mucha más libertad de experimentar, música dance, pop electrónico e italo disco, todo su trabajo está plasmado en videos, lo cual lo lleva a otra dimensión.

El público ha tenido una respuesta muy positiva y esto le ha permitido su presencia en variados festivales principalmente en Europa y Reino Unido, algo que Alison nunca se imaginó cuando en pleno confinamiento por la pandemia, comenzó la idea de hacer un EP en solitario, eso se convertiría en un disco completo y el beneplácito de su disquera.

Goldfrapp, dúo a la cual perteneció Alison, fue una de las fuerzas creativas más interesantes desde principios de este siglo, su estilizado pop electrónico se convirtió en un acto multiplatino creando una interesante mezcla de techno, folk, disco, glamoroso y aventurado. Tuvieron grandes momentos como su disco Supernature de 2005 o Head First de 2010, ambos exitosos en ventas y reconocimientos.

La voz de Alison ha acompañado a grandes bandas y producciones importantes del viejo continente, la pueden escuchar en una faceta totalmente electrónica como en el Snivilisation de Orbital, o ele trip hop del reconocido Maxinquaye de Tricky; en el soundtrack OVO de Peter Gabriel, duetos con Dave Gahan y varios más.

Su compañero Will Gregory y Alison decidieron poner en la congeladora por un tiempo el dúo y él se aventuró a escribir música para la Real Compañía de Shakespeare y la producción del Rey George, mientras tanto Alison hizo este extraordinario trabajo que hace dudar el retorno del dúo en el futuro.

Recientemente lanzó The Love Reinvention, una versión remezclada y alternativa con  diferentes versiones de este interesante y positivo disco para su carrera.

Sin duda esa tendencia musical pop disco moderna tiene estandartes como Madonna, Kylie Minogue, Roisin Murphy y algunas más jóvenes como Dua Lipa y Jesse Ware, Alison sin duda podría incorporarse a esta lista con este trabajo, ella al igual que las primeras de mencionadas ronda los 50’s altos, pero para la música y el éxito no hay edades, solamente vale el talento y la dedicación.

Alison Goldfrapp - Video de "So Hard So Hot"

Daryl Hall VS John Oates

Daryl Hall VS John Oates

por Benjamin Salcedo

Durante 50 años fueron uno de los duetos más exitosos del mundo musical, ahora son adversarios y pelean legalmente por los derechos de sus obras.

En los últimos meses, el dúo ha acaparado los encabezados de los posts internacionales pero no por su obra, como había sido costumbre, el motivo de su “popularidad” en estos momentos es por la batalla legal que los enfrenta, de acuerdo a la información de la revista Billboard, Daryl Hall presentó documentos judiciales por medio de los cuales acusa a su compañero y socio de casi medio siglo, John Oates, de querer vender secretamente la parte que le corresponde de sus derechos de autor a Primary Wave Music. 

Daryl consideró esto como una alta traición y resulta inexplicable que John Oates intentara hacer algo así sin tomar en cuenta la opinión de su eterno compañero. El gran problema es que tienen demasiados éxitos, canciones que han generado muchos millones en derechos autoráles. 

Hall & Oates tuvieron una época gloriosa sobre todo a partir de la segunda mitad de los años 70, logrando ventas de más de 80 millones de discos a lo largo de su carrera, el dúo de Filadelfia logró que muchas de sus canciones se convirtieran en himnos generacionales o mínimo temas indispensables de su época como: “You Make My Dreams”, “Rich Girl”, “Kiss on My List”, “I Can’t Go For That (No Can Do)”, “Private Eyes”, “Out Of Touch” y principalmente la icónica “Maneater”  de 1982, el mayor éxito de Hall & Oates que alcanzó el número uno de las listas de los Estados Unidos y los primeros puestos en el Reino Unido, con lo cual se convirtieron en el duo musical con más ventas de todos los tiempos.

Ante la acusación de Hall, John Oates hizo su declaración respondiendo que estaba muy decepcionado de que su ex compañero hiciera esas declaraciones extravagantes e inexactas (SIC), son declaraciones lascivas, y estoy profundamente herido, escribió. Además Hall solicitó una orden de alejamiento contra Oates.

Ellos tenían una empresa conjunta llamada Whole Oats Enterprises, de la cual eran socios, pero al parecer Oates propuso la venta de sus acciones a Primary Wave, una compañía musical que se ha dedicado a comprar los catálogos musicales de destacados grupos. La intención de Hall es bloquear la venta por considerarlo de muy mala fe al no consultarlo y sin su aprobación. 

Video: Maneater 

La telenovela continua…